Philciné

Il ne faut pas grand chose pour passer à coté d’un grand film: une bande annonce mal ficelée avec un son tout pourri et une succession de bouts de scènes mal choisies, un pitch tellement bien écrit que vous n’avez même pas envie de finir de lire la deuxième phrase et c’en est fait, vous ne laissez aucune chance à un long métrage qui pourtant à la vision se révèle excellent. L’avenir d’un film, le travail de deux années de toute une équipe peut être ruiné à cause de ce petit quelque chose, pourtant essentiel, l’argument de vente. Il faut dire que POURQUOI TU PLEURES ? n’est pas facile à vendre auprès du public. Et pour cause, le film traite du mariage, plus exactement du doute qui s’empare d’un futur jeune marié 4 jours avant de dire oui à sa promise. Rien d’original dans le choix du sujet. On a déjà vu tellement de mauvais films sur cette question qu’il n’y a donc pas de raison de s’en farcir un de plus. Sauf que là, il s’agit d’une première œuvre ! Raison de plus me direz-vous ! On connaît les défauts des premiers films. Ils en sont truffés! Avec leur  problème de rythme débridé ou de point de vue mal choisi ou de structure bancale ou de dialogues nuls ou de mise en scène inexistante ou de scénario trop touffu ou tout ça à la fois, les premiers films sont souvent bien décevant ! Et bien figurez-vous qu’il arrive que certains premiers films, non seulement évite tous ces écueils mais qu’en plus, il y ait même une valeur ajouté extrêmement rare en ce moment dans le cinéma français : le ton, jubilatoire! 

Que vous sachiez donc que POURQUOI TU PLEURES ? est un bijoux de premier film. Il s’appuie sur des dialogues délicieux et des situations excellentes et cocasses. Ça fuse de partout. On n’a pas le temps de s’ennuyer. Au contraire, on est mort de rire en suivant un pauvre type se débattre comme il peut avec la préparation de son mariage qui le dépasse. Complémenté largué, sa compagne, la future mariée, est aux abonnés absents. Elle a totalement disparu, ne répond même plus à son téléphone portable. Personne ne sait où elle se trouve, pas même ses parents. Pendant ce temps, lui doit prendre des décisions cruciales comme choisir les fleurs, se décider entres les pétales ou les ballons, définir le plan de table, accueillir à l’aéroport des invités de sa future belle famille qu’il ne connaît pas. Au passage, il s’agit d’un mariage mixte et il ne comprend pas un traître mot de la langue que baragouinent ces gens. Ils semblent sympathiques, amicaux mais si ça se trouve, ils se foutent ouvertement de sa gueule. Il n’en sait rien. Il sait juste qu’ils ont des coutumes un peu bizarre. Il sait aussi qu’il a de plus en plus de peine à gérer la situation alors il laisse sa sœur prendre le relais. Pour elle, son frère a mit les pieds dans une famille de dingos avec des traditions de malades. Ces gens sont fous, et sa futures femme, une belle salope, toujours absente quand on a besoin d’elle. Et le futur marié de s’enfoncer de plus en plus dans le doute, surtout que lors de la soirée d’enterrement de vie de garçon, il va rencontrer LA fille, celle qui semble être son âme sœur, une nana un peu fofolle mais avec qui il se sent tellement bien… 

Avec POURQUOI TU PLEURE ?, une cinéaste est née. Katia Lewkowicz. Le jeune femme ne s’attendait s’en doute pas à se lancer dans la réalisation d’un long métrage lorsqu’elle répondit à un concours initié par Canal+, un appel d’offre pour des courts métrages sur le thème « Ecrire pour un chanteur ». Fan de Benjamin Biolay, elle a donc noirci quelques pages qui ont tapé dans l’œil d’un décideur, à tel point qu’on lui a demandé d’oublier la version courte de son histoire et de directement développer un long dans la même esprit. Et voilà comment Katia Lewkowicz s’est retrouvée à la tête de cette entreprise. Réalisatrice hors norme, elle a d’emblée su imposer ses idées. Tout d’abord, en terme de casting. Il faut savoir que si le film était écrit pour Benjamin Biolay, elle avait aussi l’idée de Valérie Donzelli, réalisatrice actrice de LA REINE DES POMMES, et LA GUERRE EST DECLAREE qui sortira prochainement. Valérie Donzelli joue la future mariée. Absente du film sur toute la première partie, elle est excellente dans le rôle de celle qui avait besoin de s’éclipser pour réfléchir avant de se lancer. Qu’a-t-elle fait ? Où est-elle allé ? On n’en saura jamais rien. C’est au spectateur de se faire son idée. Et dire qu’elle a failli jouer le grain de sable. C’est finalement la Comtesse d’Artois dans MARIE ANTOINETTE de Sofia Coppola, alias Sarah Adler qui a été retenu pour incarner celle qui fait tourner la tête du futur marié. Et cette distribution des rôles, à la réflexion, fonctionne très bien. Au passage, en regardant Benjamin Biolay évoluer avec une telle justesse, on se dit qu’il n’y avait personne d’autres pour tenir ce rôle

Il est franchement bon, même si on aurait une furieuse envie de lui couper le bonnet à poil, histoire qu’il arrête de se passer la main dans les cheveux, un tic un peu toc mais qui finalement sied bien à ce personnage perdu, désabusé, qui susurre plus qu’il ne parle. Ce type qui patauge, au sens propre comme au figuré, est incapable de se mettre en colère. En proie à une certaine mélancolie, atteint par la mort de son père, très proche de sa sœur et de sa mère surtout, il est entouré d’une bande de potes qui l’épaulent mais qu’il pourrait très bien envoyer bouler sur un coup de tête. Il est secondé par une Emmanuelle Devos sublime. Elle incarne sa sœur, un femme au bord de la crise de nerfs. On la sent beaucoup plus investi dans la préparation de l’événement que son propre frère. On se dit surtout que c’est peut-être le seul personnage un peu lucide dans cette histoire d’amour qui finira peut-être mal, ou pas. Elle voit bien que son frère commet peut-être une connerie. Elle le dit, mais il n’entend rien. Il reste prisonnier de sa lâcheté et s’entête à refuser l’évidence : sa future femme n’est pas celle dont il a besoin. Emmanuelle Devos est mariée à Eric Lartigau, et avec Benjamin Biolay, ils ont pour mère Nicole Garcia. Oui, des réalisateurs acteurs sont présents dans ce film et ils sont eux aussi d’une justesse absolue. Nicole Garcia aime son fils, pas trop sa fille et elle le revendique dans tous ses actes. Elle est d’une cruauté absolue avec Emmanuelle Devos, d’une ingratitude déconcertante aussi que ça en devient jouissif de la voir débarquer dans une scène. 

Eric Lartigau, qui joue le mari d’Emmanuel Devos est également surprenant. Ce couple représente la famille recomposée type. Ils ont eut chacun un enfant d’une précédente union et tentent de reconstruire quelque chose. Pas facile pour lui quand on est père d’une pute comme il dit. La scène, comme tant d’autres, est hilarante quand il voit sa gamine ado se pointer face à lui le nombril à l’air, maquillée à outrance, alors qu’elle vient lui taper de l’argent de poche, il l’envoie promener: « Pas question que je te files un seule Euro pour que tu ailles te faire galocher dans cette tenue. J’y crois pas ! Je suis père d’une pute ! Allez files te changer… Barres toi, non de dieu !Files dans ta piaule et reviens me voir quand tu te seras habillé normalement ». Voilà qui résume la tonalité d’un film réjouissant à plus d’un titre, tourné principalement caméra à l’épaule en suivant un seul point de vu, celui du futur marié. Katia Lewkowicz explique qu’elle voulait que le spectateur voit la même chose que le personnage, qu’il est l’impression que tout est en mouvement autour de lui ! Et ça marche très bien. Si vous voulez vous payer une bonne tranche de rire, filez de ce pas voir POURQUOI TU PLEURES ?, un premier film très prometteur.

LIMITLESS:

Sans limites! 

La drogue, ça rend con, mou. débile et dépendant. Bref, la drogue, c’est de la merde, y compris la NZT-48. Avec celle-ci, il faut faire encore plus gaffe qu’avec les autres et pour cause, la NZT 48 vous permet d’avoir accès à la totalité de votre cerveau. Il faut savoir qu’on utilise une infime partie des possibilité de notre cervelle mais avec la NZT 48, tout change. On peut apprendre l’italien en 10 minutes, le piano en 15, tout comprendre de la bourse et devenir riche en une nuit. Elle est cool la NZT 48 ! Elle fait de vous une personne intelligente, cultivée, apprécié, enviée. Bien sur, si la NZT 48 a beaucoup d’avantages, forcément qu’elle possède aussi des inconvénients. Mélangée à de l’alcool, les effets peuvent s’avérés désastreux. Et puis surtout, quand on est sous l’effet de ces petites pilules transparentes, on a besoin d’action. Il faut que ça bouge. Ce trop plein de lucidité, d’intelligence vous donne une envie de croquer la vie à pleines dents… Gaffe toutefois de ne pas éveiller les soupçons, de ne pas suscité la curiosité et la jalousie de nouveaux ennemis, gaffe surtout, de ne pas commettre d’actes répréhensibles par la loi. Gaffe enfin à surveiller la consommation et faire en sorte que le stock de pilule soit approvisionné en permanence car après avoir goûté une seule fois à la NZT48, on est accroc tout de suite ! Et ça, Bradley Cooper va vite le comprendre dans ce thriller de Neil Burger.  

Oui, c’est bien Bradley Cooper qui se prend ici un Very Bad Trip. Dans LIMITLESS. Bradley Cooper incarne Eddie un écrivain manqué, dans la dèche, plaqué par sa copine et dont la vie va subitement basculer après que son ex beau frère dealer lui offre la possibilité de goûter à la fameuse drogue Mais après avoir remonter la pente, il devra lutter et se montrer plus intelligent que ses ennemis pour ne pas chuter encore plus vite. 

LIMITLESS, un film d’action inspiré du roman LE CHAMP DU TENEBRES. La réalisation de ce thriller a été confiée au réalisateur L’ILLUSIONNISTE, Neil Burger ! Très bonne idée tant il a su rendre cette histoire crédible, réel tout en faisant également attention à ce que le spectateur puisse entrer dans la tronche du héros Eddie lorsqu’il est sous l’emprise de la drogue. En fait, il y a dans LIMITLESS, 2 films en un. Et pour cause, avec ou sans drogue, on est différent. Dans un cas, l’univers de Eddie est triste, gris, fade. Dans l’autre, tout s’éclaire, tout se fluidifie. Comme il a le sentiment de tout contrôler, la caméra bouge beaucoup moins et l’image est tellement plus belle, plus douce, les couleurs plus chaudes. L’aspect un peu vidéo clip avec une caméra qui traverse les rues de New York à fond, avec parfois une multiplication de Eddie dans une même scène façon Being John Malkovitch fonctionne bien. LIMITLESS de Neil Burger avec Bradley Cooper et aussi Robert De Niro, un thriller hautement recommandable.

LOW COST

PNC aux portes... 

Jusqu’ou seriez-vous prêt à aller si vous vous retrouviez en rade sur le tarmac de l’aéroport de Djerba, coincé dans un avion sans climatisation depuis 8 heure, apprenant que votre voyagiste a fait faillite et qu’il vous ait impossible à priori de rentrer chez vous pour le moment ? Et bien les passagers du vol LOW COST eux, excédés, vont tout de même décoller, laisser leur vie entre les mains d’un pilote à la retraite. Grossière erreur, car après le décollage, pas sur qu’ils se posent sans encombre à Beauvais comme c’était prévu dans le plan de vol !

Et de 3. C’est en effet le 3^ème long métrage de Maurice Barthélémy. Après un focumentaire délirant sur le plus mauvais boxeur de tous les temps Casablanca Driver, l’ex Robin des Bois avait signé un film attachant et émouvant, Papa avec Alain Chabat, un huis clos qui se déroulait essentiellement dans l’habitacle d’une voiture. Notez que Low Cost est aussi un huis clos puisque tout le film se passe à l’intérieur d’un avion. Peut-être que le prochain aura pour décor un bus, un camion ou un train ? Maurice Barthélémy a encore du choix. N’empêche que pour Low Cost, afin de nourrir le script, Maurice Barthélémy s’est amusé à prendre souvent l’avion. Et à force, il a pu constater à quel point tout était possible, du pilote qui se trompent de cap ou d’aéroport au passager qui se baladent avec un boa. On voit de tout dans les avions, donc il n’y avait pas de raison que l’on ne croise pas un passager névrosé interprété par Jean Paul Rouve, un adepte de la théorie du complot joué par Etienne Chicot, un vieux beau charmeur et gentleman pilote à la retraite campé par Gérard Darmon ou encore une hôtesse de l’air blasée bien décidée à plaquer son boulot, une femme sexy façon Judith Godrèche.  

Pour l’anecdote, il faut savoir que Low Cost a été tourné dans la véritable carlingue d’un Boeing 737 abandonné dans un hangar du Bourget : le décor idéal avec ses 120 places. Et comme le tournage a eut lieu en juillet, la production a pu faire des économies sur le maquillage! Il était inutile en effet de maquiller les acteurs pour qu’ils aient le visage creusé par la chaleur et la fatigue, car 110 personnes enfermées dans un espace si confiné, ça chauffe très vite. Sans compter qu’il fallait aussi des projecteurs pour éclairer correctement les comédiens ! Résultat, il paraît que le caoutchouc d’un hublot a fondu tellement il faisait chaud, de quoi amener un surplus de vérité dans cette comédie qui peut rappeler la série des Y a-t-il un Pilote. En fait, non, Low Cost n’a rien à voir car le film de Barthélémy est nettement moins burlesque, d’avantage tourné vers les accrochages entre passagers énervés. Situations cocasses et dialogues abscons sont restées en soute. C’est peut-être un peu le défaut du film : une intrigue low cost dopée ceci dit par l’humour très Robin Des Bois. Par exemple, un passager tellement politiquement correct ne sait pas si prendre avec une personne de petite taille. Ce nain pénible enquiquine tout le monde mais personne n’ose lui dire à quel point il est sans gêne, simplement parce que c’est un nain et que ça doit être déjà assez rude comme ça à supporter. Le névrosé pourtant excédé et qui ne tolère plus les écarts du nain fait alors tout pour l’éviter mais dans un avion, ce n’est pas facile de ne pas se croiser ! 

Low Cost , une comédie finalement très agréable. Si vous avez aimé RESTONS GROUPE de Jean Paul Salomé avec ces touristes en rade, abandonnés par leur voyagiste en faillite et obligés de se débrouiller seul pour rentrer au bercail, vous devriez passer un bon voyage, sans perturbation majeur à bord de ce Low Cost.

Je ne sais pas si vous avez vu MOON, un film de science fiction formidable, de Duncan Jones. L’histoire mettait en scène 2 clones qui ne se prenaient pour des humains en mission sur la Lune, un film à tout petit petit petit budget pour un effet grandiose garanti. En tout cas, on se disait en 2009 que le garçon avait un réel potentiel, qu’il faisait parti de ces jeunes talents à suivre. Autant dire qu’en voyant débarquer au cinéma SOURCE CODE, son deuxième film, on n’allait pas se priver de sauter dessus. Toujours dans la veine science fiction, Duncan Jones signe cette fois un curieux mélange entre l’Armée des 12 singes et un jour sans fin. Il  injecte aussi un soupçon de Matrix par ici, de Inception par là, ou encore de Mémento.

Pour tout dire sans trop en dire, parce que le moins on en dit sur un film comme celui-ci, le mieux c’est, SOURCE CODE débute alors qu’un type, Colter, voyage à bord d’un train. Il se réveille en sursaut. Amnésique, il ne se souvient pas être monté à bord. Il ne comprend pas surtout, pourquoi, les passagers sont si familiers avec lui alors qu’il ne les a jamais vu. Soudain, le train part en fumée. Une bombe vient d’exploser et Colter de se retrouver allongé dans un caisson métallique. Ce qu’il découvre mais qu’il ne savait pas, c’est qu’il participe à une expérience permettant de revivre, mais pas à l’infini, les 8 dernières minutes d'une vie. Et voilà comment il découvre qu’on lui a refiler une mission : démasquer le poseur de bombe, désamorcer l’engin, tenter d’éviter un autre attentat suceptible de dévaster Chicago et pourquoi pas, séduire la belle brunette qui voyage avec lui. 

SOURCE CODE, un film basé sur le principe de répétition. une même scène se répète, et se répète et encore et encore et encore. La  séquence en question a dû être tournée de plusieurs façons différentes et en apportant à chaque fois un nouvel élément scénaristique pour que l’historie avance. Toutes les scènes du film se devaient donc de coller de façon parfaite à la toute première, sans pour autant la reproduire à l'identique. On appelle ça une prouesse. Et Jake Gyllenhaal n’est pas étrangé à la réussite de l’ensemble. L’acteur parfait a permis à Michele Monaghan de se hisser à sa hauteur en misant sur l’improvisation. Elle devait donc se caler sur lui, improviser aussi ce qui entraînait un effet papillon et une scène faite de surprise pour tout le monde, tout en respectant le scénario. Le train qui a aussi un rôle majeur dans le film joue également très bien. C’est un faux train, fabriqué de toute pièce et qui se présente comme un Légo géant ce qui permet de filmer dans ce waggon sous tous les axes possibles, un truc de fou. SOURCE CODE, le deuxième film de Duncan Jones un jeune cinéaste vraiment sur de bons rails.

ET SOUDAIN TOUT LE MONDE ME MANQUE:

A ne pas rater! 

Juste derrière cette excellente entrée en matière, prend place un générique en carte postales. Il aura son importance dans la suite du récit. C'est presque un peu scolaire. Idem dans la caractérisation des personnages. Un père de famille, la soixantaine a deux filles une blonde inconstante pas fixée un peu fofolle et une brune mariée installée sans enfants. Son mari est 2 de tension un peu lunaire décalé, très drôle, contrairement aux femmes… les femmes, c’est pas drôle, sauf si elles sont grosses. les grosses ça fait rire. C’est une des répliques lancée par Michel Blanc épatant dans ce film. Il est un futur papa à 60 ans. Marié à une femme de 20 ans plus jeune que lui, ce type est un éternel ado dans sa tête. D’ailleurs, il propose à l’une de ses filles qui n’arrive pas a avoir de bébé de lui offrir le sien. Evidememnt, ce genre d’humour n’est pas du goût de tout le monde. Ca créer même un froid au sein de la famille. Ce type est tellement barge qu’il est capable d’offrir son bébé à sa fille. Avec lui, on ne se méfie jamais assez… Et la nuit venue, la fille se réveille en sursaut parce qu’elle a rêvée que son père a mis en vente le bébé sur eBay (et pas Ebaybay) mais y avait plus d’argent sur son compte paypal pour le racheter.  Quel cauchemar, quelle panique… 

ET SOUDAIN TOUT LE MONDE ME MANQUE est centré sur Michel Blanc et Mélanie Laurent. On y parle essentiellement de communication difficile, voire impossible entre un père et sa fille. Ces 2 handicapés des sentiments sont incapables de se dire à quel point ils s’aiment. En fait, ils ont tous deux une maladie de cœur. Lui a besoin d'une greffe de cœur de porc kasher si possible, et elle, elle est incapable de si fixer avec un mec pour de bon. Au delà de cet aspect un peu mélo, le film est rythmé par des dialogues qui fusent dans tous els sens. Ils sont excellents. Exemple : le père et la mère parlent au lit. Il insiste et lui demande :mais si je meurs promets moi que tu referas ta vie avec un autre homme. Sa femme répond Non… il insiste. Elle répond toujours non, il insiste encore et pour se débarrasser, elle fini par dire oui et la réplique est immédiate : ah ben bravo, comme ça je serais mort, enterré et cocu ! 

ET SOUDAIN TOUT LE MONDE ME MANQUE, un film drôle pour rappeler toutefois un truc pas drôle : la vie n'est pas éternelle. Alors il est important de dialoguer avec son papa et de lui pardonner ses maladresses. Le dosage entre comédie jubilatoire, romance classique et drame qui surgit à l’improviste est fin. La direction d'acteur, est à l’image de la mise en scène, plutôt pas mal, mais le film vaut surtout pour la prestation de Michel Blanc et une Mélanie Laurent. 

LE CHAPERON ROUGE:

Un étron marron 

Ce n’est pas la première adaptation du compte de Perrault. Il y en a eut d’autres avant et il y en aura malheureusement encore après. Mais pourquoi diable sortir un machin pareil aujourd’hui? Sans doute parce que le filon Twilight est passé par là! Vampire, loup garou, même combat…  En plus, on retrouve des histoires de fesses aussi nunuches les unes que les autres dans les 2 films. Ceci dit, on sent tout de même que la demaoiselle à cape rouge n’a pas résolu son complexe d’œdipe avec son papa. Le plus rigolo, en citant Twilight et en faisant des recherches pour nourrir cette chronique, c’est qu’on s’aperçoit que la réalisatrice de ce CHAPERON ROUGE est une certain Catherine Hardwick, surtout connue pour avoir réalisé le 1^er épisode de la saga Twilight.  Et voilà pourquoi ce sentiment étrange en regardant ce chaperon Rouge dont au passage, on pourrait craindre une suite… la porte est ouverte. Parce que le loup garou, on n’arrive pas à le tuer ! Non, je ne vous ai pas ruiner le film… pas du tout…  Ne croyez pas ça, je n’ai pas dit qui était le loup garou! J’ai juste dit qu’il ne mourrait pas à la fin, c’est tout. Parce que tout l’enjeu du film, ce n’est pas de savoir si on arrive ou pas à buter la bête. Non, le véritable enjeu est de démasquer l’humain qui se cache derrière le loup garou ! Et vous vous en doutez, ce n’est pas celui que la scénariste voudrait vous fait croire que c’est. Eliminez immédiatement les 3 fausses pistes du film, et cherchez plutôt du coté de la  4^ème ! Généralement le personnage secondaire, celui qui est là sans être là, qui a 2 dialogues, 3 scènes et encore, qui reste au second plan sort du bois au momment ou on s’y attend le plus ! et ça ne loupe pas ici ! 

Enfin bref, pour tout dire, ce long métrage débute par un plan aérien sur la nature. On survole la montagne qui est belle, avec une forêt recouverte de neige. On est en altitude, puis la caméra pique du nez, un peu avant le spectateur. On se pose dans un village boueux peuplé de culs terreux moyenâgeux. C’est la pleine lune. Ce soir on se barricade. Très rapidement, on se rend compte qu’un mariage est en train de s’arranger contre la volonté du chaperon rouge qui a un amour d'enfance pour qui son cœur bat. Mais bon, sa mère s’en fout… Elle pense au fric que ce mariage va rapporter. On n’a pas idée de se marier à un bûcheron fauché. Pour ne pas blesser maman, le chaperon rouge accepte le deal alors que le bucheron accepte de s’éclipser. Tout le monde est content sauf le loup qui a tué la sœur du chaperon rouge. Pas le temps de pleurer au dessus de la dépouille que la mère déballe à son autre fille encore en vie un secret de famille. Cette mère du Chaperon rouge est une femme de bien petite vertu, une marie couche toi là, qui a cocufier son homme, et qui est tombée enceinte, la gourde! Donc la morte était la demi sœur du chaperon rouge, et cette morte qui en pensait pour le promis au Chaperon ne pouvait pas donc pas se marrier avec lui car c’est son frère, vu que la mère à coucher avec le futur beau père de sa fille. Tout ça est  faussement compliqué mais réellement crétin. Au même moment qu’elle énonce ce secret, dans la taverne, l’alcool coule à flot et les villageois organisent la traque au loup. Ils le tuent mais il ne tuent pas le bon. Ils ne tuent pas le loup garou et le père Soloman qui débarque au village aura toutes les peines du monde à leur faire entendre raison à ces abrutis de péquenot !

Très mauvaise intrigue, très mauvais effets spéciaux, très mauvais scénario, très mauvaise idée que de matérialiser le loup garou, une bébête en animatronique ridicule qui ne fera peur à personne!  Par contre, quand le chaperon est suivi en camera subjective, là, il y a de quoi flipper parce qu’on imagine le pire….et c’est tellement plus fort. La seule trouvaille du film, c’est qu’il n’y a pas de petit pot de beurre dans le petit panier en osier du chaperon rouge…  Il n’y a qu’une main coupée. LE PETIT CHAPERON ROUGE, un film sur le mensonge, la confiance, les faux semblants et l'amour sur fond de musique rock atmosphérique pénible dopée parfois au violon. Seul Gary Oldman, acteur un peu mordant tire ses griffes de ce film à oublier et vite !

TOMBOY,

Un garçon manqué

dans un film réussi 

Pour ce 2^nd long métrage, Céline Sciamma s'est penché avec finesse et sensibilité sur la sexualité d'une pré adolescente. Il est difficile de parfois se situer quand on a 10 ans. On peut être une petite fille et se sentir plus a l'aise dans la peau d'un garçon. D'ailleurs, ça signifie quoi au juste, être une fille? Comment vit-on sa croissance? Comment se sent-on intérieurement face à l'évolution de son corps? C'est de ça dont parle TOMBOY, des prémices de la puberté, un sujet rarement abordé de manière aussi frontale et sincère au cinéma. 

On est ICI au sein d'une famille heureuse. Papa travaille. Maman est à quelques jours de l'accouchement. Laure une petite fille de 10 ans s'entend à merveille avec sa soeur pleine de vie âgée elle de 5 ans et demi. Ils viennent d’emménager dans un nouvel appartement plutôt sympa. Le quartier semble calme et bien fréquenté. Entre deux moment de chahut avec sa soeur, Laure s'interrompt pour observer depuis le balcon, des garçons qui jouent en bas de son immeuble. Laure décide d'aller à leur rencontre. Sur son chemin, une fille de son âge, Lisa, l'alpague et lui lance un innocent: «T'es nouveau, comment tu t'appelle?» Michael, répond la gamine. Michael et non pas Laure…Ce petit mensonge, à priori anodin va s’avérer dévastateur. En effet, avec cette réponse, Laure met le doigt sans s’en rendre compte dans un engrenage infernal. C’est qu’elle va devoir se faire passer pour un garçon pendant les vacances d'été. Mais ce qui pouvait sembler être un jeu amusant va bientôt virer au cauchemar humiliant. Certes, la métamorphose de Laure se fait en douceur mais tout de même. 

Malgré son androgynie, elle doit  apprendre à se comporter comme un petit mec pour rester crédible. Il faut jouer au foot torse nu, cracher comme un homme, adopter une démarche de petit caïd ! Là ou ça se complique, c'est quand la petite troupe va se baigner à l'étang du coin! Sans pâte à modeler, difficile pour Laure de continuer à faire illusion ! Et puis vient forcément le moment du premier baisé. Que se passe-t-il dans la tête de Laure lorsqu'elle doit poser ses lèvres sur celles de sa copine Lisa, Lisa qui croit qu'elle a affaire à Michael, même si on sent Lisa un peu chafouine. Elle le dit d'ailleurs à Michael alors qu’il se laisse maquiller sans broncher: « tu n'es pas un garçon comme les autres », c'est sans doute pour cela qu'elle est attiré par ce Michael qui sans pudeur, exprime sa part de féminité. 

TOMBOY, un film subtil, pas une chronique mielleuse, malhabile ou grossière. Pas du tout. Il y a du Maurice Pialat chez cette Céline Sciamma, une vérité, une sincérité qui émane de ce cinéma dit réaliste. Entièrement basé sur de l'improvisation avec les mômes, même si céline Sciamma les a tout de même dirigée, le film est au porte du documentaire tant le naturel de ses jeunes comédiens amateurs est bleuffant. Céline Sciamma se contentait de donner des pistes, des indications du type: allez-y, jouez comme vous en avez l'habitude à Action/Vérité ou autre, on verra bien ce que ça donne. Et les gamins d’oublier la caméra car Céline Sciamma a su leur faire oublier le dispositif filmique. DIRE encore et même insister sur le fait que toute cette justesse dans l’interprétation n’est pas au service d'un film lesbien ! Le réduire à cela serait passer complètement à coté du vrai sujet. TOMBOY a plus à voire avec le sentiment amoureux, le besoin de se sentir aimer et d'aimer en retour, aimer une copine, un copain, une mère aussi dont on peut avoir l’impression qu’elle vous délaisse parce qu’elle est enceinte.

TOMBOY pose encore une question essentielle quant à la responsabilité des parents. Finalement, mine de rien, ils peuvent très bien encourager le trouble de leur petite fille malgré eux. Un père qui laisse sa gamine conduire la voiture familiale comme un vrai petit garçon, ce n'est pas innocent. Lui faire goûter sa première gorgée de bière, jouer aux 7 familles en lui faisant remarquer qu'il attend impatiemment qu'elle sache jouer au poker, tout ça peut provoquer un certain chamboulement dans la tête d’une petite fille. On sent bien que ce père, même si il aime sa fille, aurait préféré avoir un petit garçon.

Laure n'a en plus aucune poupée dans sa chambre, une chambre aux murs peints en bleu. Ce sont peut être des clichés mais il faut croire que l'enfant et sa sexualité se construisent sur ces clichés. C'est ce que semble dire Céline Sciamma. En tout cas, TOMBOY parle d'éducation et dit à quel point ce n’est pas facile de jouer son rôle de parent. On croit parfois être à l'écoute de ses enfants, et finalement, on ne l'est pas tant que ça. On croit les connaître et là encore, on ne sait pas tout d’eux.TOMBOY un film remarquable avec Mathieu Demy dans le rôle du papa, excellent papa et Sophie Catani la mère enceinte

LA PROIE:

C'est vous! 

Pauvre Albert Dupontel! Bernie s'est laissé berner, aveugler, embobiner par un scénario qui certes pouvait sembler prometteur, mais qui au final, a donné naissance à un film raté, un de plus. Non qu'Eric Valette, le cinéaste réalisateur de LA PROIE soit coutumier du fait. Quoique. Il s'est fait remarqué en 2003 en remportant le Prix du jury du festival de Gérardmer en France voisine. MALEFIQUE, qui a fait un énorme carton au box office suisse avec 1000 entrées, reste un film intéressant, mauvais mais intéressant, qui amenait du surnaturel et de l'ésotérisme en prison. Cet étrange objet lui a servi de carte de visite pour entamer une brillante carrière américaine ou il a réalisé 2 longs métrages qui n'ont jamais traversé l'atlantique, c'est dire s'ils doivent être eux-aussi formidables. De retours en France, Eric Vallette a sorti en 2009 UNE AFFAIRE D'ETAT avec André Dussolier.... Peut-être vous souvenez-vous de ce film inédit en Suisse et sorti directement en Dvd! 

Toujours est-il que LA PROIE, son nouveau long arrive enfin en salle, et c'est dommage! Celui-ci aussi aurait mieux fait de rester dans un placard! Truffé de clichés, multipliant les invraisemblances, souffrant du complexe Duracell rapport au héros qui ne s'arrête jamais, LA PROIE n'est autre qu'un film ou Albert Dupontel, un Yamakasi de province, un toréador de la route, passe son temps à galoper comme une gazelle! A ses trousses, Alice Taglioni, qui pourrait faire une excellente flic dans la série RIS, n'est pas plus crédible que lui,. Même Zinedine Soualem le chef de la police convaincu de la culpabilité de Dupontel est mauvais. Pauvre Zinedine qui aurait du écouter Alice. Dans un éclair de lucidité, la policière doute et se dit que Albert n'est pas le coupable que tout le monde recherche. C'est peut-être Stéphane Debac qu'il faut traquer! 

Stéphane Debac: la seule satisfaction de LA PROIE. Le comédien incarne un psychopathe violeur d'enfants sosie involontaire de Jean Luc Delarue. Il sauve le film du naufrage total en composant un personnage à priori inoffensif, un être que l'on croit fragile, innocent, et qui s'avère en fait un redoutable et effrayant chasseur. Et pendant que Stéphane Debac tire son épingle du jeu, Albert Dupontel continue de cavaler, avec ou sans balle dans le bide. Il court, il court le furet. Il est passé par ici, il repassera pas par là car il doit semer gendarmes et militaires. L'acteur, qui d'habitude renifle les bons films, témoins les CONVOYEURS ou IRREVERSIBLES pour ne citer que les plus musclés, s'est ici vautré. Le plus drôle c'est de lire cette déclaration après avoir vu LA PROIE. Je le cite: "Dans ce genre de film, il ne faut pas de demi-mesure. On doit le faire à fond ou ne pas le faire". Et pour le coup, c'est vrai que les scénaristes ont eut la main lourde. 

Tout d'abord, LA PROIE débute dans une prison 5 étoiles visiblement épargnée par les problèmes de surpopulation. Ici, 20 taulards tout au plus, sont en camp de vacances! Ils sont deux par chambre, je dis bien chambre, car on croirait un Formule1! Un hôtel nickel avec évidemment un maton enfoiré de première qui mène la danse. S'il a besoin de dérouiller un prisonnier, pas de problème, il fait éteindre les caméras de surveillance. Et c'est parti pour 2 scènes de baston, plutôt pas mal chorégraphiées, soyons franc. Dupontel en plan serré donne autant qu'il prend. Dans cet espace restreint, la caméra ne virevolte pas trop. Ceci dit, dans l'une des scènes, l'expédition punitive tourne mal mais ce n'est pas grave! De toute façon, il n'y a pas de directeurs dans cette prison! Le pas très malin maton méchant n'a pas de compte à rendre. Pas de hiérarchie et seulement 2 portes électriques à franchir et 2 gardes à assommer pour se faire la belle! A ce stade du film, on commence à suspecter qu'il y aura des failles dans le scénarios et qu'il faudra avaler de grosses couleuvres pour apprécier le divertissement, comme celle ou Dupontel se jette dans le vide depuis le 3ème étage d'un immeuble. Il retombe sur le toit d'une camionnette avec pour matelas le corps d'un flic pris en otage. Le policier meurt, pas Dupontel qui boitille à peine! « L'important, c'est pas la chute, c'est l'atterrissage », disait autrefois celui qui avait la haine, Kassovitz! Ben c'est vrai, ici, après cet atterrissage en douleur, plus qu'en douceur, Dupontel se lance illico dans un marathon insensé! 

Plus loin dans l'intrigue, il a besoin de surveiller le vilain du film. Il sait qu'il se rend régulièrement dans une pharmacie. Il se rend dans le village ou l'homme habite et là, il lève les yeux au ciel et oh miracle: juste en face de la pharmacie, un appartement est à louer. Il est vide, donc idéal pour une planque! Coté cliché, on est servi avec Sergi Lopez le vieux gendarme exclu et qui est le seul a aider l'homme en cavale parce qu'il a bonne raison pour ça, une vieille affaire à conclure....

On peut citer encore la policière Alice au pays des emmerde qui traque Dupontel et commence a douter pile au moment ou on lui intime l'ordre de le descendre, si elle l'a en ligne de mire! Evidemment, elle écoutera son 6ème sens le moment venu.

Le plus énervant est peut-être la Suisse, citée dans ce film comme coffre fort idéal utilisé par les criminels en tout genre! Certes, ce n'est pas faux, mais il y a aussi Monaco. C'est même plus près que la Suisse par rapport au lieu de l'action! Donc pourquoi aller planquer son magot en Helvétie quand on peut le dissimulé à Monté Carlo? Enfin, il ne faut pas passer la fin sous silence. Elle est tellement irrésistible avec un arbre magique poussé à la perpendiculaire d'une falaise! C'est du Tex Avery! Un personnage se fait tirer dessus, il prend 2 balles dans le cornet, tombe dans le vide, se raccroche à cet arbre d'une seule main, prend une 3ème balle après avoir taillé le bout de gras, le temps que les flics arrivent au bon moment, rechute et ne meurt pas grâce à la rivière située 20 mètres plus bas. Il dérive jusqu'au Maroc et 3 mois après il peut donner de ses nouvelles! Dupontel avait raison quand il parlait de LA PROIE: « Dans ce genre de film, il ne faut pas de demi-mesure ».ratatatatam ratatatatam... ah oui, la musique est aussi là pour vous rappeler que vous regardez un film à chier, éclairé comme Les films de vacances de votre père à la mer! Super lumière, bien chaude, en parfait décalage avec la noirceur et la froideur de la situation, une situation ou finalement, on fini par s'en beurrer les noisettes de cette course infernale improbable. En donnant plus d'importance au tueur en série, LA PROIE aurait pu être un très bon film, portrait d'un dangereux malade, qui plus est accompagnée d'une femme aussi dingue que lui, car prompte à supporter les vices de ce compagnon à condition qu'il lui kidnappe une enfant à élever, pas à tuer.... En guise de cela, LA PROIE n'est qu'une horrible et insupportable course d'obstacle.

RIO 3D:

Tout dans la tête

Rien dans les ailes! 

Comment initier le jeune public aux plaisirs de la comédie romantique? Simplement en proposant un animé basé sur une histoire de volatiles à belles plumes et qui reprend exactement les codes du genre. En plus, en injectant une bonne dose d'humour, les parents qui accompagneront leur chérubins lors d'une séance de ce RIO 3D resteront éveillés. Le film possède en plus un petit coté 'girl power' qui ravira les plus féministes des mamans. En effet, le sexe fort a du plomb dans l'aile dans ce film. Qu'il s'agisse de Bleu, le héros perroquet ou du Dr Tulio, on ne peut pas franchement dire qu'ils soient des modèles de virilité. Ici, les femelles prennent l'initiative pendant que les mâles se contentent de suivre mollement, faisant parfois preuve d'un soupçon de lâcheté et de frilosité face à l'adversité.

Pour tout dire, RIO 3D s'ouvre en pleine jungle, sur une chorégraphie ou tout ce que compte cette forêt d'êtres volants s'agite au rythme de la samba. Dans ce décorum colorée, un bébé oiseau bleu tombe du nid. Immédiatement capturé par des braconniers, il se réveille dans le grand nord, là où il neige sans discontinuer et où les moineaux se réchauffent sur les feux rouges de signalisation. Assez rapidement, en quelques plans, le bébé bleu grandit. Il est devenu le compagnon inséparable de Linda, une libraire célibataire. Bleu se plait bien avec Linda. Il lui sert d'alarme le matin. Il aime à engloutir son petit déjeuner, prend son pied en se lavant le bec. 

Assez bien élevé, il lui arrive toutefois de roter. Pas d'erreur, Bleu est le plus heureux des perroquets domestiques, et tant pis si les oiseaux migrateurs qui se les gèlent dehors se foutent de sa gueule parce qu'il est incapable de voler. Toutefois, la vie tranquille de Bleu dans ce cocon douillet va bientôt virer au chaos. Un jour, le gentil Dr Tulio débarque à l'improviste et convainc Linda que son perroquet doit s'envoler pour le Brésil immédiatement. Il doit impérativement se reproduire avec une femelle car ils sont les deux derniers de leur race. 

Bleu semble ravi, mais la rencontre avec sa future partenaire Jewel se passe moyennement bien. Enfermée dans une volière, elle ne pense qu'à s'enfuir, pour retrouver la liberté et le plaisir de voler. Bleu n'arrive à rien avec Jewel. Même les slows à gamelle de Lionel Richie n'y changent pas grand chose. Pour couronner le tout, alors que Linda et le Dr Tulio sont partis manger, les deux oiseaux se font enlever. L'aventure commence enfin pour Bleu. Bien sur qu'il va perdre quelques plumes pour échapper aux vilains braconniers, aux méchants cacatoès et aux singes pas si malin. Au bout du compte, Bleu parviendra enfin à prendre son envol grâce à Jewel et ses nouveaux amis.

Pour son 6ème long métrage d'animation, les Studios Blue Sky ont fait appel au vétéran maison, Carlos Saldanha, qui a signé déjà 2 opus de l'Age de Glace et à bossé sur Horton l'Eléphant.. Ici, il a trouvé une belle occasion de finaliser un projet qui lui tenait réellement à cœur. Brésilien d'origine, RIO a été le moyen pour lui de croquer le Brésil d'aujourd'hui. L'intrigue traverse des lieux réels, tels que le mont du pain de sucre, le sambadrome et même les Favelas. Ceci dit, le film n'épargne aucun cliché. Quand Bleu arrive à Rio, on est en plein carnaval, forcément! Les gens regardent du foot à la télé et le méchant de l'histoire est un rasta! Coté musique, c'est le boulevard des tubes brésiliens avec le Girl From Ipanéma de série, mais pas seulement. Au coeur de l'histoire, Pédro, le nouvel ami de Bleu, visiblement un toucan, père de famille débordé est surtout un gros fan de hip hop, normal quand on a la voix de Will I Am en VO! Tout est prévu pour qu'après la vision du film, les enfants insistent pour acheter une bo aux accents bien modernes. 

Ceci dit, l'humour qui traverse le film, le rythme excellent, les dessins très colorées rattrapent une histoire un peu baveuse, à l'image du bouledogue du film, celui qui a représenté le plus gros challenge: animer de la bave en 3D, ce n'est pas tâche facile. Au passage la 3D est absolument inutile mais souligner que le 3D ne sert à rien deviendrait presque un euphémisme! 

Il ne faut pas confondre SCREAM IV avec Scary Movie la série parodique même si pour le coup, on se bidonne plus devant SCREAM IV qui ne fait aujourd’hui plus peur à personne. La faute à un scénario usé d’ailleurs même pas complètement terminé alors que le tournage avait déjà commencé, de quoi angoisser Wes Craven ! Et oui, y avait pas de fin satisfaisante. On en a trouvé une vite fait entre deux prises et voilà, Et voilà surtout que ce SCREAM IV annoncé dès 2000 est sorti en salle  15 ans après le premier. On y retrouve Wes Craven à la réalisation mais aussi les vedettes originales, Neve Campbell, Courteney Cox et David Arquette. Ils ont pris quelques ride ou un peu de bide mais sont toujours aussi imprégnés de leur personnages. Ils doivent faire face à une meute de stars de séries télé comme la Cher Leader de Heroes ou une des secrétaires de Mad Men, des nouvelles et nouveaux venus qui serviront de victimes, comme si Wes Craven voulait tuer les stars du petit écran.

SCREAM 4 commence très fort avec le téléphone qui sonne et le désormais classique : ALLO… Et il faut arrêter de raconter ce début hilarant pour ne pas vous gâcher une belle surprise et un éclat de rire garanti. La seule chose à dire, c’est que 10 ans se sont écoulés depuis les terribles meurtres commis par Ghostface. Sidney Prescott est parvenue à tourner la page mais c’est tout de même avec appréhension qu’elle retourne à Woodsboro pour le lancement de son premier roman. Elle y retrouve  sa cousine Jill ainsi que Dewey et Gale. Mais gaffe, Ghostface est également de retour. 

Voici un pitch qui lorgne franchement sur celui de MEURTRE A LA ST VALENTIN avec le mineur qui revient hanter une ville le jour de la commémoration des massacres. Mais attention, ce n’est pas un remake. Parenthèse à propos des remake, Wes Craven le fait dire à l’un des personnages de SCREAM 4, La règle numéro 1 des remake : Ne trahi pas l'original. Et quand on sait qu’il a produit des remake de ses propres films comme par exemple, LA COLINE A DES YEUX, et qui étaient catastrophiques, on sent la petite claque adressé à Hollywood ! Et le personnage de poursuivre :  « les remake, c’est nul. Aujourd’hui, on s’inspire d’un film et on recopie les crimes pour de vrai… C’est ça le cinéma ! » Encore une petite baffe au passage à ceux qui s’imaginent que les films violents engendrent forcément des comportement violents. A part régler ses comptes, Wes Craven insiste sur le monde d’aujourd’hui, moribond ou on n’a plus besoin d'amis mais de fans. Voilà ce que réclame la jeunesse, la gloire facile et les fans qui vont avec! C’est la règle de vie number one dans ce teenage movie entre thriller et la comédie, et qui rend hommage à une foule de films.

SCREAM 4 est en effet truffé de références . On pense en premier lieu à Hitchcock et son Fenêtre sur Cours avec des filles qui assistent en regardant par la fenêtre, à un meurtre dans la maison d'en face. Le compositeur attitré de Scream, Marco Beltrami se fait plaisir en pompant plus ou moins les partitions de Psychose à la fin. Les plus cinéphiles vous diront qu’il y a du Micheal Powell, grand pote de Hitchcock et qui réalisa entre autre en 1960 le premier Snuff movie de l’historie du 7^ème art, LE VOYEUR, un film sur un opérateur qui filmait ses crimes. Il y a de ça dans SCREAM IV avec un des ados du ciné-club du coin qui filme sa vie et la balance en direct sur le web. Equipé d’un casque avec une caméra, il rappelle Victoria Abril dans KIKA de Almodovar ! Evidemment que les clins d’œils aux films de genre ne manquent pas. Ils sont tous cités en une scène alors que la voix mystère demande au téléphone à une future victime : quel est ton film d'horreur préféré. Bambi répond-elle ! c’est drôle, mais c’est vrai que c’est flippant pour une enfant BAMBI…  Bref, pas réellement de quoi se faire peur, Pas d’originalité, pas de problème pour débusquer le tueur en Niquab dirait l’extrémiste Guéant… pas d’erreur, SCREAM 4, pour se marrer et seulement ça, c’est pas si mal. 

OCTUBRE

au cinéma en avril! 

Octubre, un film péruvien qui ne m'a pas complètement convaincu, la faute sans doute à un rythme tout en lenteur, un manque d'enjeu et aussi des personnages pas clairement définis, en tout cas, dont on a de la peine à comprendre comment se fait-ils qu'ils se connaissent, se côtoient et finissent par vivre sous le même toit? Si on ne lit pas le pitch, c'est incompréhensible. Il est impossible de deviner que Clémenté le préteur sur gage et que Sofia, la dévote qui participe à une procession en l'honneur du Seigneur des Miracles sont voisins... pas vu ça dans le film... Pis alors, cette procession qui dure tout le mois d'octobre revient régulièrement tant et si bien qu'on se demande ce qu'elle vient fiche là, sans doute une manière un peu grossière pour signaler au spectateur qu'on change de chapitre, je ne sais pas....

Toujours est-il que l'entame radicale, sans dialogue sur plusieurs minutes intrigue et dans le bon sens du terme. On se dit: houlalala... ça va être du bon film d'auteur, du lourd avec plan fixes bien cadrés, image léchée, dialogues minimaliste, photographie somptueuse et mise en places des objets dans ce cadres qui racontent une histoire..... Une chaise n'est pas posée n'importe comment derrière une table... non... tout est calculé au millimètre près et c'est pas une connerie. Y a de la rigueur dans la mise en scène avec un travail sur la symétrie. Normal puisqu'il y a deux histoire symétriques qui sont racontés dans le film, celle d'un vieil homme fauché qui par amour est près à tout dépenser le peu d'argent qu'il possède et celle d'un homme qui vie bien et n'est pas près à sacrifier son bas de laine pour vivre une histoire d'amour. 

Donc au tout début, un type, assis devant la table de sa cuisine accueille des gens qui viennent lui demander du fric. Clémenté, c'est son prénom est un préteur sur gage, un célibataire qui aime à rendre visite à une prostituée. Après tout, c'est humain. Faut bien se soulager. Mais un soir, alors qu'il rentre chez lui après avoir commis sa petite affaire, il découvre dans son appartement un couffin avec un bébé. Damned... il ne sait pas quoi faire de cet encombrant objet qui pleure... Et pourquoi ce bébé est ici? Et pourquoi Clémenté clame-t-il à tout le monde que ce bébé, il l'a trouvé devant chez lui, sur le trottoir et qu'il lui a sauvé la vie... Pourquoi ce mensonge? Tout le monde sait dans le quartier que Clémenté va aux putes et que ce bébé est peut-être le sien, un fils de...Au même moment, une femme, sofia, parle à un vieil homme dans la rue et lui demande de terminer sa grille de mots croisés avant de rentrer chez elle, et de commencer à se masturber, petit plaisir interrompu par la gêne. On sent qu'elle culpabilise un peu. On sent surtout qu'elle à de la peine à vivre sa solitude. Cette femme participe à une procession en l'honneur du Seigneur des Miracles, procession qui se déroule tout le mois d'octobre à Lima, d'ou le titre du film OCTUBRE. En fait, elle songe rencontrer un homme et fonder une famille. Le miracle se produira-t-il lorsque Clémenté embauchera Sofia comme nourrice pour garder le bébé devenu encombrant? C'est la le seul enjeu de ce film, donc je ne répondrais pas.

OCTUBRE l'œuvre de deux frangins, les Dardennes péruviens plus que les Coen, les frères Daniel et Diego Véga.. il signe là un premier long métrage d'ailleurs honoré au festival de Cannes l'an dernier par un prix du jury UN CERTAIN REGARD... UN CERTAIN REGARD récompense les meilleurs films d'auteur. OCTUBRE, c'est donc ça, un film de festival comme on dit, entendez par là, un film réussi mais loin des standard du meanstream, un film d'auteur que finalement le grand public n'ira pas voir au cinéma. 

Mais ils vont lui lâcher le slip, non d'une crotte de Mugule masqué! Titeuf, le préféré des 5-10 ans est donc interdit à la vision en Suisse aux enfants de moins de 7 ans et seulement conseillé à partir de 10! En France, ce sont les moins de 6 ans qui seront privés de Titeuf! Les commissions des âges ont tranché, justifiant cette décision de par le caractère vulgaire de certains dialogues et l'approche beaucoup trop réaliste d'une problématique pourtant bien d'actualité: la séparation des parents! TITEUF LE FILM ferait peur aux moins de 6 - 7 ans. On croit rêver! Et l'on imagine volontiers le commentaire de l'intéressé, Titeuf: «Les membres de ces commissions ont du se percer un bouton et y avait leur cerveau dedans!» Difficile en effet de ne pas abonder dans le sens du héros à la mèche rebelle! 

Une telle décision signifie mine de rien que les censeurs ont placé TITEUF LE FILM sur le même niveau qu'une CORALINE. En suisse, cet animé autrement plus anxiogène avec une maison dissimulant un monde parallèle ou une femme séquestre une enfant et cherche à lui percer les yeux pour les remplacer par des boutons a subi le même sort que Titeuf, une interdiction pour les moins de 7 ans, cette fois bien légitime! Par contre, l'autre vilain kidnappeur d'enfant le Grand Mêchant Gru de MOI MOCHE ET MECHANT a été jugé plus inoffensif que Titeuf, Gru n'ayant subi aucune restriction malgré qu'il conduit comme un chauffard, et essaye de tuer des gens! Les dragons de HOW TO TRAIN YOUR DRAGON, ont également échappé à une quelconque interdiction or le caractère effrayant de certaines bestioles et la violence des attaques est franchement plus terrifiante qu'un renvoi de Vomito! Même PONYO, avec ses thématiques modernes comme la pollution et l'imminence d'un tsunami, évènement éminemment anxiogène, n'a pas eut droit à une telle sanction. Car on peut, on doit parler de sanction. 

TITEUF LE FILM est un projet pharaonique qui a nécessité un lourd, très lourd investissement. Pas moins de 18 studios d'animation répartis à travers le monde ont travaillé sur ce film. 700 animateurs se sont éreintés à animer Titeuf. On vous épargnera le nombre de coups de crayons nécessaires pour aboutir. Pour juste vous faire une idée, sachez que pour 1 seconde de film, il faut 24 dessins, donc pour 87 minutes, ça représente: 313 200 dessins! Forcément, ça coûte de l'argent tout ça, aux environs de 15 millions d'Euros! D'autant qu'il a fallu parfois refaire des dessins exécutés à l'autre bout de la planète et qui ne convenaient pas à Zep! Imaginez qu'aux Philippines, une poubelle ne se dessine pas comme à Lausanne! En Espagne, quand un personnage crie dans un téléphone, il éloigne LE combiné à 30 centimètres de sa bouche pour hurler. Alors qu’en France, on se contente de le garder coller à l'oreille. Ces différences culturelles, Zep a du les gommer et forcément, les délais ont explosés, le budget aussi, un peu... En Suisse, il faudra donc attirer au moins 100 000 spectateurs pour rentabiliser l'affaire, 200 000 serait le chiffre idéal. En France, on vise la barre du million et demi pour éviter la faillite. Et l'on devine se profiler à l'horizon le syndrome Max And Co, autre animé suisse hyper ambitieux qui ne rencontra pas son public. Pauvre Titeuf, privé de son cœur de cible ! Comment ne pas craindre qu'il subisse le même sort. 

En toute honnêteté, au delà de 10 ans, pas sûr qu'on apprécie l'humour pipi caca du héros. On est peut-être un peu trop grand! Et avec un peu de malchance, on a déjà vécu la séparation de ses parents, une situation que l'on n'a pas franchement envie de revivre. Quoi que, ce peut-être une excellente thérapie par le rire. Et oui, il y a des choses extrêmement drôles dans TITEUF LE FILM. Déjà la définition d'un fille. Les filles, ça sert à quoi puisque ça fait pas de bruit avec son derrière! Les filles, ça sert peut-être à rien du point de vu de Titeuf, mais quand même, quand Nadia, LA fille n'invite pas Titeuf à sa sur-boom, c'est l'incompréhension, la désolation. Pourquoi ce snobisme? Ou trouver une réponse? Dans un magasine féminin pour adulte? Peut-être. 

Le mieux est encore de faire semblant de ne pas être touché, de continuer à vivre normalement et s'amuser à des concours de rots dans la cours de récrée. Toutefois, la vie de Titeuf va se compliquer lorsque sa mère quittera le domicile conjugal. Pourquoi est-elle parti? Peut-être à cause de cette lettre d'amour que Titeuf a écrite pour Nadia et qu'il a donné à sa maman par inadvertance, l'échangeant involontairement contre une liste de course? Ce doit être ça. Titeuf culpabilise. Il doit retrouver cette lettre et faire revenir sa maman. Et ce n'est pas parce que son papa lui explique qu'ils ont besoin de prendre du recul, que lui Titeuf ne doit pas aller de l'avant! D'ailleurs, prendre du recul, ça ne veut rien dire... Décidément, ce n'est pas facile de décrypter le monde des grands. On a l'imagination qui s'emballe, on échafaude des théories bancales. On rêve, on cauchemarde et on agit forcément de travers, suffisamment pour finir chez le psy Michael Lonsdale! Mais la séparation peut avoir du bon. Ça peut émouvoir Nadia. Ça peut conduire à être invité à son anniversaire... .quoi que!

TITEUF LE FILM, à ne pas voir en 3D car elle est superflue, reste néanmoins du travail d'artiste, un animé dessiné à la main loin des créations impersonnelles fabriquées à la chaîne en Asie pour le compte de France 3. Le film est d'une beauté sans égale. Philippe Chapuis, alias Zep, peut-être fier. En bon homme orchestre qu'il est, il a écrit le scénario, pondu le story board, supervisé les 1063 plans d'animation en réalisant les dessins préparatoires, rédigé les dialogues, dirigé les comédiens, avec l'aide de Zabou Breitman. Elle joue la maman de Titeuf, alors que son papa est interprété par Sam Karman. Zep s'est fait plaisir en confiant le rôle des grands parents à Jean Rochefort et Maria Pacôme. Quant à Michael Lonsdale, il y va d'une apparition en jouant le psy de Titeuf. Zep a aussi signé la musique, en tout cas quelques partitions, en confiant d'autres à Jean Jacques Goldman, chanteur pour qui il avait dessiné une pochette d'album il y a quelques années. Goldman, celui qui marchait seul avant, a accepter de marcher main dans la main avec Zep. 

Et quitte à évoquer la bande son du film, on signalera que Souchon, pourtant un homme délicat avec la gente féminine s'amuse ici à écorner sa réputation en chantant avec Bénabar et Cabrel, « Ca sert à quoi les filles? » Et bien on lui répondra que ça sert à faire parler les garçons, à les faire tourner en bourrique, ça sert a concevoir une aventure de Titeuf en version longue, aussi intelligente que divertissante, un film que les moins de 7 ans ne pourront pas voir au cinéma. Pas grave, d'ici quelques mois, ils se rattraperont avec la sortie du Dvd! Et cette fois, les commissions des âges n'y pourront rien!

SILENT SOULS:

un film pour briser

le silence...

Sombre fumisterie parfaitement assumée en tant que telle ou œuvre majeure très bien documentée rendant hommage à une peuplade oubliée, on n'en sait rien et on ne le saura vraisemblablement jamais. Et pour cause, faut-il rappeler que le réalisateur, un certain Aleksei Fedorchenko nous a gratifié en 2005 d'un sublime fauxcumentaire, entendez par là, un faux documentaire intitulé First on the moon. Ce film tentait de prouver que les Russes avaient poser le pied sur la lune dès 1930. Il avait alors reçu à la Mostra de Venise le Prix du Documentaire. First on the moon était selon les dires de son réalisateur, était une fiction maquillée en documentaire, mais SILENT SOULS est une fiction pure. Il y a donc de la place pour le fantasme. Alors ou s'arrête la réalité dans ce film que le cinéaste considère comme un compte de fée? Impossible à savoir. Et le doute de continuer à planer car Aleksei Fedorchenko reste formel :«Vous ne trouverez aucunes information concernant le peuple Merien dont il est question dans mon film» dit-il. Disparu il y a quelques centaines d'années, assimilés par les russes, cette tribu finno-hongroise continuerait, selon lui, à vivre aujourd'hui, mais dans le plus grand secret. Cette ethnie, avec ses règles, ses coutumes, ses rites existerait bel et bien mais nul part, nous ne pourrions trouver de traces d'elle. C'est pour celà que Aleksei Fedorchenko a émis l'envie de leur rendre hommage, via SILENT SOULS traduit en français par LE DERNIER VOYAGE DE TANYA. 

Voilà qui donne le ton. Il s'agit effectivement d'un road trip à travers l'Ouest de la Russie Centrale d'aujourd'hui, un road movie surtout à travers des traditions ancestrales qui concernent cette communauté. En fait, Tanya est morte et il faut inhumer son corps. Miro, son mari demande à Aïst de l'aider dans cette tâche. C'est que Miro souhaite procéder selon la tradition millénaire des Mériens: en brûlant le corps dans un lieu sacré, sur la rive de la grande rivière.

C'est ici que doivent être ensuite dispersées les cendres de la défunte, bouclant ainsi le cycle de la vie. Et voilà comment les deux hommes sillonnent la route avec le cadavre de cette Tanya dans le coffre de leur 4x4. Chemin faisant, à coup de flash back on apprend que Aïst a eut une aventure avec Tanya. Miro le savait mais ne lui en veut pas. On apprend aussi les coutumes de cette peuplade ou parfois on aime à se vider une bouteille de vodka sur le corps pour mieux se lécher avant de baiser !

SILENT SOULS aurait pu être un film de kaurismaki. C'est vrai qu'il y a parfois un coté burlesque pas déplaisant du tout et qui rappelle les manières de faire du cinéaste finlandais, témoin cette scène surprenante ou des femmes accrochent des scoubidous aux poils pubiens d'une jeune mariée. C'est la tradition qui veut ça. Et le soir de la nuit de noce, le marié de déflorer la jeune femme. C'est poétique, et le plus joli, c'est que ces scoubidous de laine sont conservés tout au long de la vie de la mariée. A sa mort, le mari les dépose délicatement sur le ventre de sa femme, avant d'enrouler le corps de celle-ci dans une couverture et de l'emmener à la rivière pour l'incinérer. Étrange coutume que celle-ci, dévoilée dans ce film ou l'ombre de Tarkovski est omniprésente. Evidemment, dès qu'il s'agit d'évoquer les tourments de l'âme russe, on ne peut que citer ce modèle du cinéma d'auteur russe. En digne héritier, Aleksei Fedorchenko respecte le maître. Aleksei Fedorchenko est un redoutable compositeur d’image. Avec son sens aigu du cadre, alternant plans fixes et plans séquences d'une rare lenteur, il compose un film à la photographie somptueuse, jouant avec maestria parfois du clair obscur comme lors de la scène de la toilette funéraire. Ceci dit, si visuellement SILENT SOULS est remarquable, on ne peut pas en dire autant sur du déroulement du scénario, prévisible et gangréné par la mélancolie. 

 

 

 

 

 

TOUS LE SOLEILS

un film coloré 

 

 

TOUS LES SOEILS est le second film de Philippe Claudel après IL Y A LONTEMPS QUE JE T'AIME. Fort d’un succès critique mais surtout public puisqu’il avait attiré 1 millions de spectateurs, Philippe Claudel a pu faire ce qu'il voulait et notamment un film qui tienne sur les épaules d'un acteur italien inconnu sous nos latitudes mais qui devrait faire parler de lui prochainement. Il s’appelle Stéfano Accorsi.

 

 

Il joue Alessandro, un veuf qui élève seul sa fille de 15 ans. On sent qu'il n'a pas envie de refaire sa vie car comment remplacer une âme soeur? C'est impossible. Dire aussi que chez lui squatte son frère, un anarchiste qui a demandé l'asile politique à la France. Mais pour un italien, ce n'est pas très sérieux. Et pourtant ce farouche anti-Berlusconi a décidé de mener sa lutte contre El cavalière en refusant de sortir de cet appartement tant que Berlusconi sera au pouvoir. Éternel glandeur qui passe sa vie en peignoir, dont on suspect qu’il est peu brouillé avec la salle de bain, c'est par lui qu'arrive le rire dans ce film, un long métrage qui aurait pu être une comédie déjanté hilarante si ce personnage avait été le vrai héros. D’ailleurs, c’est aussi lui qui usurpe l’identité de son frère pour l’obliger à rencontrer une femme sur le net. Il se trouve que c’est la directrice de l’école ou officie Alessandro qui va mordre à l’hameçon, de quoi provoquer un quiproquo assez délicieux.

 

 

En guise de cela, on doit juste regarder une chronique familiale sur les difficulté de communication entre un père et sa fille, le tout saupoudré d’un soupçon de romance. Crise amoureuse, crise d'adolescence et espoir de changement avec l'apparition de Clotilde Courreau dans le scénario sont donc au menu de ce film, bercé par la tarentelle. Non que l'action se déroule en Italie mais parce que  Alessandro est prof de musique à Strasbourg et il est porté sur la tarentelle. 

 

 

TOUS LES SOLEILS de Philippe Claudel, un brillant hommage au cinéma italien des années 60-70 même si le français ne fait que s’inscrire dans la veine des Dino risi et consort sans jamais leur arriver à la cheville.

 

 

 

 

 

 

 

 

JE N'AI RIEN OUBLIE:

Chiche de faire

du Chabrol? 

 

 

JE N'AI RIEN OUBLIE est le 3ème film de Bruno Chiche en qualité de réalisateur. Peut-être n'avez-vous pas oublié que le précédent, HELL est inédit en Suisse malgré un duo Sarah Forestier – Nicolas Duvauchelle étincelant dans cette love story à haut risque sur fond de descente en enfer. Vous n'avez pas oublié non plus le premier long métrage de Bruno Chiche BARNIE ET SES PETITES CONTRARITETES avec un Fabrice Luchini parfaitement névrosé dans cette comédie savoureuse où il jouait cet homme amoureux de sa femme, amoureux de sa maitresse et amoureux de son amant. Par contre si vous avez oublié que Bruno Chiche jouait l'acteur de temps à autres, personne ne vous en voudra tant il est transparent sur un écran. Bruno Chiche, un touche à tout, également producteur qui a accompagné dernièrement UNE PURE AFFAIRE avec François Damiens en père de famille dealer. Bruno Chiche ne devait pas réaliser JE N'AI RIEN OUBLIE, et puis à force d'y penser, à force d'annoter les pages du roman de Martin Suter, il a écrit sa propre adaptation. Car oui, ce film est inspiré de SMALL WORLD écrit par Martin Suter, C'est étrange car en voyant ce qu'en a fait Bruno Chiche, on se dit que Claude Chabrol aurait pu être le réalisateur idéal pour s'attaquer à ce projet. Attention, Bruno Chiche s'en tire toutefois très bien. Il sait parfaitement poser une atmosphère hitchcockienne, avancer à pas feutrer dans une intrigue ou on sent le poids du secret, ou l'on devine que les rapports courtois entre chacun des protagonistes ne sont que façade. 

 

 

On est en effet ici dans un milieu qu'affectionnait Chabrol, la bourgeoisie française avec ses odieux travers et ses secrets inavouables. Dans une bâtisse luxueuse, des gens huppés se préparent à accueillir la jeune Simone. Fraichement mariée à l'héritier Senn, Simone prend ses quartiers dans cette famille ou cynisme et sarcasmes pleuvent au quotidien. En bonne épouse, elle sourit gentiment à sa belle-mère et son beau frère. En bonne épouse, elle ne veut pas faire de vagues. Elle est pareille à une brebis égarée au cœur d'une meute de loup. Assez naturellement, la gentille Simone se rapproche de celui que tout le monde rejette, celui que l'on tolère dans cette maison même si on rêverait de le voire déguerpir. Il est vrai que Conrad est un peu bizarre. Cet homme vit aux crochets de la riche famille Senn. D’abord camarade d’enfance de Thomas, puis gardien de leur maison de vacances à Biarritz, les Senn l’utilisent comme bon leur semble et lui s’en satisfait. Mais qui est-il réellement? Que sait-il qu'il pourrait apprendre à Simone pour lui permettre de percer le mystère de sa nouvelle famille? Peut-il seulement parler? Et si oui, faut-il accorder du crédit à un type qui déraille? Parce que Conrad déraille! C'est vrai que ce grand bobet, mélomane, qui ne sait pas compter, qui oublie ses sacs à commission à la caisse des supérettes, est un peu curieux. Ces absences répétées sont énigmatiques. A croire qu'Alzheimer a frappé à sa porte. C'est clair, cet homme a une mémoire de poisson rouge. Toutes les 2 minutes, il semble redécouvrir le monde. Pourtant, et c'est la curiosité d'une telle maladie, son disque dur n'est pas complètement effacé. Il existe encore quelques fichiers bien cachés, des bribes d'informations comme ces pigeons sur cette place à Venise, des volatiles que tout le monde a oublié au sein de la famille Senn. Pourtant, il en est convaincu, ces pigeons ont existé. Que voilà un souvenirs à priori anodin remonté à la surface et qu'Elvira, la matriarche, aurait bien aimé voire resté enfouie dans la cervelle de Conrad.

 

 

JE N'AI RIEN OUBLIE, un film qui s'appuie sur un scénario bien ficelé. Dans cette famille ou seuls les non-dits ont droit de citer, Simone va faire office de catalyseur pour qu'éclate enfin une vérité cachée depuis toujours, vérité qui permettra de soigner peut-être un malaise profond, de guérir une blessure qui au cours des années n'a jamais cessé de s'infecter, ou au contraire qui conduira à l'implosion de cette famille. Dans ce jeu de dupe, Niels Arestrup est épatant. Alcoolique, cynique aux répliques cinglantes, il est surtout bouffé par la jalousie. Il ne comprends pas pourquoi sa mère porte autant d'attention à Conrad, son ami d'enfance, l'ami de la famille. Niels Arestrup capable de douceur comme de violence se sent mal. Alors, il se protège en picolant. il cherche à éjecter par tous les moyens, Conrad devenu un poids encombrant. Niels Arestrup est formidable dans ce thriller familial.

 

 

Idem pour Gérard Depardieu qui n'a jamais été aussi grandiose que quand il est au service d'une histoire comme celle-ci, d'un metteur en scène comme Bruno Chiche qui parvient à le diriger avec autant de finesse. Derrière cette carapace imposante se cache un personnage au cœur fragile, Conrad, un homme tendre qui depuis toujours souffre et qui, la maladie aidant, en oublie son mal être. Depardieu donne corps à un lunaire réaliste. C'est paradoxal mais c'est ça Alzheimer, une maladie curieuse, étrange, énigmatique, surprenante, imprévisible et il fallait un acteur capable d'être tout ça à la fois, avec en plus, une pointe de naïveté dans le regard, pour que le spectateur, comme le jeune mariée, succombe au charme de Conrad. 

 

 

Dire aussi que Alexandra Maria Lara était l'actrice idéale pour camper l'étrangère dans cette famille, avec son petit accent charmant, une femme trompée qui va vite comprendre qu'elle n'aurait sans doute jamais dû se marier avec l'héritier Senn. Enfin, il faut souligner l'apparition éclaire de Nathalie Baye, dont c'est la deuxième participation à un film de Bruno Chiche. Malgré son passage fugace au début du film, on sent qu'elle a été proche de Conrad, mais jusqu'à quelle point? Pourquoi s'est-elle exilée loin de cette maison? Pourquoi rappeler à la jeune mariée qu'elle doit se méfier de la matriarche interprétée par Françoise Fabian, excellente comédienne qui joue une main de fer dans un gant de crin car le velours, ce n'est pas son truc. Cette femme est prête à tout pour préserver le secret. Direction d'acteur, mise en scène, scénario, JE N'AI RIEN OPUBLIER, possède tellement d'atout qu'il serait dommage d'oublier d'aller voir au cinéma!

 

 

 

 

 

LOS COLORES

DE LA MONTANA:

Pourtant...

Que la montagne est belle!

 

 

La Pradera; un village dans la cordillère des Andes en Colombie… Dans ce décorum d’une verdure sans pareil, aux montagnes imposantes, loin des images de cartes postales, des paysans tentent de survivre tant bien que mal. Manuel et ses parents n’échappent pas à la règle. Malgré la présence de paramilitaires pourchassant les guérilleros, Manuel joue chaque jour avec les garçons de son âge sur le petit terrain de foot qu’ils se sont aménagés au milieu d’autres prés. Pour ses 9 ans, Ernesto, son père, lui offre un nouveau ballon ainsi qu’une paire de gants de gardien de but. Ni une ni deux, Manuel, après l’école, avec son meilleur copain Julian et ses autres amis, filent essayer ce nouveau ballon. A peine leur partie entamée que les gamins expédient le cuir en plein milieu d’un champ de mines. Un conflit armé dont ils n’ont que faire, opposant guérilla et paramilitaires gangrènent la vie quotidienne des paysans. La plupart des habitants sont poussés à l’exode. Il faut dire qu’ils ont le choix entre la fuite ou la mort. Bientôt Ernesto devra prendre une décision, la bonne, si lui et sa famille veulent rester en vie.

 

 

LOS COLORES DE LA MONTANA est le premier long métrage de fiction de Carlo César Arbélaez. Ce cinéaste a conservé quelques réflexes du documentariste. Avec une mise en scène sobre, efficace, il réalise une fiction la plus proche possible du réel. Il ne s’embarrasse pas de fioritures, de mouvements de caméra inutiles. Attention, il n’étire pas non plus ses plans fixes à l’infini, un des travers du cinéma d’auteur fauché tiers-mondiste. Non, le dosage caméra épaule, plan fixe bien cadré est parfaitement équilibré. Pour ajouter une part de réalité, il a également la bonne idée de faire jouer uniquement des acteurs non professionnels. Manuel a par exemple été recruté au terme d’un casting hallucinant digne de X Factor. 2500 gamins ont été auditionnés jusqu’à ce qu’il trouve le bon, celui qui avec sa bouille, sa candeur, son naturel et son intrépidité saura convaincre le public. Et ça marche. Les adultes n’ont également rien à voir avec le cinéma. Carlo César Arbélaez a tourné son film avec les gens de la région ou il a posé ses caméras, un endroit à l’abris du conflit qui secoue la Colombie depuis 40 ans. Ce pays est la proie d’une guerre, qui aujourd’hui n’est pas terminée, opposant la gauche et la droite, deux visions de la société radicalement opposées mais qui chacune ont recours à la violence pour faire triompher leurs idées. Il faut le savoir, des tournages de film sont souvent interrompu. Ces hommes, peu importe leur camp, veulent lire le scénario. Gare à celui qui voudrait dénoncer les agissements de ces messieurs dans un film! Mieux vaut, comme Carlo César Arbélaez, trouver un endroit isolé, préservé, loin de cette guerre qui ne dit pas son nom pour montrer que les paysans sont coincés, comme pris en otage entre des guérilleros des FARC et des paramilitaires sanguinaires aux ordres des politiques. Le moindre soupçon d’appartenance à l’un des deux camps et c’est la décapitation, le démembrement assuré, la fosse commune. Plutôt que de montrer cette violence brute, Carlo César Arbélaez choisi de la suggérer. Certes, on voit dans le film des paramilitaires, mais ils ne sont pas en action. Ils traquent simplement leurs proies. On entend également des bruitages d’hélicoptères sans jamais les voire. Laisser la violence hors champ est un procéder tellement plus efficace pour accentuer la tension, la peur. 

 

 

Et puis, l’autre idée de ce film est d’avoir raconté cette histoire du point de vue des enfants. Cela amène un supplément d’âme, de poésie, de candeur, de naïveté qui tranche avec la réalité. Eux, ils ne comprennent pas ce qui se passe. Ils veulent juste aller à l’école et jouer au foot. Ils n’ont pas conscience du danger, de la menace qui rôde tout autour d’eux. Ils sont prêt à tout pour récupérer ce fichu ballon et continuer à jouer comme n’importe quels autres enfants de n’importe quel coin du globe. Et l’histoire de leur ballon de fonctionner comme une métaphore de ce que vivent les colombiens au quotidien. Ils sont coincés dans ce champ de mine, empêchés de bouger car cerner, pris entre 2 feux. Certains caressent l’espoir d’une vive paisible. Témoin, la nouvelle maîtresse de l’école. L’école, un endroit central dans ces régions ou les maisons sont disséminés dans le décors, éloignées parfois de plusieurs kilomètres. L’école, le premier lieu  que les paramilitaires ou les guérilleros prennent d’assaut. Ici, une jeune femme entend bien éduquer les enfants. Cette maîtresse incarne l’espoir d’une vie normale. Elle oublie ce conflit, fait  comme si cela n’existait pas. Elle est semblable au père de Manuel. Il s’accroche lui aussi à cet espoir de vivre en paix. Cette guerre ne le concerne pas. Seule la mère de Manuel semble lucide quant à la dangerosité de la  situation. On appelle ça l’instinct maternel, l’instinct de survie. Elle veut partir, mais Ernesto s’entête et refuse. Mais bientôt, l’école sera presque déserte et la maîtresse, comme Ernesto, rattrapés par la réalité. LOS COLORES DE LA MONTANA, un film psychologique qui montre parfaitement les conséquences désastreuses d’un conflit sur un peuple qui ne veut pas y prendre part. Un premier film sublime et prometteur de la part de ce jeune réalisateur.

 

UNE PURE AFFAIRE:

C'est de la bonne! 

La routine, l’usure, le quotidien, il n’y a rien de pire pour avoir raison d’une vie de famille. David Pélame en sait quelque chose. Cet avocat insignifiant trimballe son spleen et son ennui tant bien que mal. Marié à une femme depuis assez longtemps pour avoir oublié qu’il l’aimait, David Pélame supporte également difficilement son adolescente de fille et son pré-adolescent de garçon. Pour ce papa, dans cette famille, la communication n’est pas au top. Bref, la vie de David Pélame ne fait rêver personne et surtout pas lui. Un soir de Noël parmi tant d’autre ou il s’embrouille avec sa femme pour une ballote histoire de cadeau, David Pélame déserte l’assemblée et s’en va promener son chien. La rue est calme, quoique, pas tout à fait. David Pélame est soudainement renversé par un fuyard qui abandonne à deux pas de lui un sac de cuir. A ses trousses, des policiers. Par curiosité, il ouvre le sac et découvre avec effroi un gros bloc de cocaïne. D’abord décidé à ne surtout pas embarquer le sac, il le dépose sur le capot d’une voiture. Pour son malheur, une patrouille de police remarque son manège au loin. La voiture de flic s’immobilise à sa hauteur. Alors qu’il fait mine de promener son toutou, l’un des policiers fait remarquer à cet étourdi qu’il a oublier son sac sur le capot de la voiture.

Alors David Pélame n’a pas le choix. Il le reprend en saluant et remerciant les policiers. De retours chez lui, il se demander ce qu’il va faire de cet encombrant objet. La réponse est toute trouvée lorsqu’un natel sonne. Il répond. A l’autre bout de la ligne, un bobo s’impatiente. Il attend sa dose. David Pélame lui propose de le livrer à domicile. L’affaire est tellement juteuse et à priori sans risque, vu le niveau social de la clientèle, que notre honnête père de famille va mettre le doigt dans un engrenage infernal sans éprouver le moindre regret. Au contraire, avec son complément de revenu, il peut enfin couvrir sa femme et ses enfants de cadeaux. Il prend même une certaine assurance. Et voilà comment tout en continuant à jouer les grattes papiers le jour dans son cabinet d’avocat, il reprend un business fort lucratif. Evidemment, ce que David Pélame ignore, c’est que sa femme, mais aussi ses enfants, sans compté le propriétaire de la cocaïne vont bientôt découvrir son petit manège…

Malgré la présence du successeur de Poelvoorde au générique, le comique belge roi de la caméra caché François Damiens, UNE PURE AFFAIRE n’est pas une franche comédie. Inspiré de la nouvelle intiutlée "Poudre" et écrite par Matthew Kneale, on sent le cynisme et l’humour jaune typiquement british. Certes, des situations cocasses et de bons dialogues jalonnent le film, mais UNE PURE AFFAIRE demeure avant tout une histoire de famille. Pour son premier film en tant que réalisateur, le fils de pub Alexandre Coffre qui jusque là n’a officier que dans la réalisation de clips publicitaires, n’a jamais perdu de vue l’envie de traiter des rapports houleux au sein d’une famille banale. Les fêlures de ces gens, leurs mœurs aussi sont ainsi étudié au microscope. La drogue, jamais présentée de façon festive ou incitative, n’est ici qu’un catalyseur, un moteur susceptible de rebooster une famille embourbée dans une vie pâlichonne. En fait, ce couple deale sans réellement se rendre compte de ce qu’il fabrique, des conséquences que ce genre d’acte peut avoir. Ils ne sont pas conscient du danger qu’ils encourent. C’est un peu comme s’ils se prenaient pour deux épiciers qui doivent déstocker au plus vite leur marchandise. Il y a du WEED, la série télé dans l’air. 

Ne vous attendez donc pas un film à sketch ou à gag pour le gag. Alexandre Coffre est beaucoup plus fin que cela. Il évite d’ailleurs de tomber dans la caricature et cela se remarque, pas seulement au niveau du ton ou des dialogues, mais aussi en terme de mise en scène. Le réalisateur a opté pour un style réaliste tout en restant esthétique. La seule chose que l’on pourrait lui reprocher, c’est de rester sur son personnage principal, David Palme. François Damiens n’est peut-être pas encore assez mur pour porter un film sur ces seules épaules, même s’il s’en sort plutôt pas mal. Mention spéciale par contre à celle qui joue sa compagne, Pascale Arbillot aperçu furtivement dans LES PETITS MOUCHOIRS. Cette actrice a un sacré potentiel. elle fait réellement peur dans une scène de pétage de plomb ou elle envoie balader un routier! Pas d’erreur, avec ce premier film, UNE PURE AFFAIRE, Alexandre Coffre est sur de bons rails !

CARLOS

qu'est-ce tu fiches doudoudidon?

Décidément, la frontière entre télé et cinéma n’existe plus. En tout cas Olivier Assayas vient de franchir une limite de plus avec son CARLOS. Tourné en scope, utilisant la grammaire du cinéma plutôt que celle des clips, cette série haut de gamme est de meilleure facture que bien des films conçus pour la grande toile! Il était donc logique qu’une version courte soit proposée au cinéma, et qu’importe si l’intégrale est disponible depuis belle lurette en Dvd. CARLOS doit se voire sur la grande toile plutôt que sur un plasma ! Et pour cause, CARLOS est un putain de film, réussi de bout en bout, haletant, une vraie leçon de géopolitique racontée du point de vue d’un mercenaire. Il faut savoir que le terroriste, du fond de sa cellule s’est opposé au film. L’image véhiculée dans le long métrage ne correspondrait pas à la sienne, à la réalité. C’est vrai que Carlos n’a jamais été un queutard. Il n’a jamais fait péter de bombes, il n’a jamais embrassé la lutte armée… etc… On peut ceci dit comprendre les réticences du bonhomme puisque il n’a pas touché un centime ! Ben non, il ne s’agit que d’une adaptation de ses mémoires, tout juste d’une histoire librement inspirée de cette période de sa vie entre 1973 et 1994.  En fait, son personnage ne devient finalement qu’un prétexte pour raconter l’après crise du pétrole, la montée des extrémismes de gauche qui n’hésitent pas à organiser la lutte armée, notamment en Allemagne. C’est vrai qu’au début des années septante certains pays comme la Libye, la Syrie, l’Irak, l’Iran, le Liban… en ont un peu plein le dos des occidentaux qui leur dictent leur conduite. Du coup ils aimeraient bien déplacer les conflits qui les frappent en Europe. Les extrémistes de gauches sont donc des alliés tout trouvés! 

Carlos, au départ, rêve de gloire. Même s’il a envie d’une société plus juste, il ne faut pas exagérer! L’appât du gain, l’adrénaline que peut procurer l’action, le besoin de pouvoir, l’arrogance et l’envie de notoriété le conduisent à se lancer dans la lutte armée et à rejoindre le Front de Libération de la Palestine. Il fait ses preuves avant de monter en grade. Une fois arrivé plus ou moins au sommet, on lui demande de mettre en place un réseau actif dans toute l’Europe, ce qu’il va faire avec l’aide de l’ETA et de la RAF, la fraction armée rouge en Allemagne. Il va même s’acoquiner avec des gauchistes japonais à un moment donné. Il est soutenu par la Libye qui lui refile un passeport diplomatique, toujours pratique pour se garantir une immunité, utiliser la valise diplomatique pour acheminer des armes achetées en Syrie jusqu’en Hongrie, en passant par Moscou et Berlin Est… Evidemment, le KGB et la Stasi ont out intérêt à faciliter les activités de Carlos. On est en pleine guerre froide et le premier révolutionnaire venu qui prétend vouloir renverser le capitalisme est un ami. 

Dans un premier temps, on découvre un Carlos influencé par le Ché, au niveau du look. Même béret, cigare cubain en bouche, il s’agite, prend des initiatives, fait péter des bombes, élabore des plans gonflés qui foirent plus ou moins... Ce n’est pas grave, il apprend son métier de terroriste. Son heure de gloire viendra avec cette prise d’otage de ministres de l’Opep lors du sommet de Vienne. On lui demande de tuer le ministre du pétrole saoudien. Ça permettrait à l’or noir de grimper de 30% , de quoi porter un coup fatal aux ricains et aux européens. Finalement, cette action se terminera sur le tarmac de l’aéroport d’Alger. Au terme d’une rude négociation avec les algériens, il libèrera ses otages contre 20 millions de dollars. C’est à partir de cet instant que Carlos vrille et devient un vrp en terrorisme, un mercenaire travaillant pour le plus offrant! Kadafi ou Sadam Hussein commencent à sérieusement apprécier cet homme. On a un président égyptien à dessouder, on fait appel à lui. Tchaoutcheskou n’en peut plus de la radio de son pays, un coup de fil à Carlos et ça devrait s’arranger. Donc, on aime sa fougue, on loue son sens de l’initiative et de l’organisation. Ceci dit, bientôt le monde va changer, le mur de Berlin tomber, la guerre froide s’arrêter, la Syrie se rapprocher des USA et Carlos de commencer à devenir indésirable, surtout dans les pays arabes. Lâché par tout le monde, c’est comme ça que la France le récupérera et l’emprisonnera.

Carlos c'est la fiction la plus cinématographique de Canal + avec pas mal d’images d’archives provenant de la télé française, un rythme très soutenu au début et qui progressivement, se ralenti en même temps que Carlos prend du bide. Ceci dit, dans la version courte, on a justement chercher à corriger ce rythme qui s’essouffle.  Cette saga CARLOS rappelle un film allemand de Uli Eidel LA BANDE A BAADER où l’on y voyait clairement comment la RAF, fraction armée rouge qui a répandu la terreur en Allemagne depuis 68 jusqu’à l’Automne allemand en 78 comme on l’a appelé. On y découvrait au second plan une certaine Magdalena Kopp, sorte d’éminence grise de la RAF qui allait prendre la tangente après avoir rencontré Carlos. Et ben dans Carlos, on voit toute la relation entre ces 2 là. C’est intéressant. En tout cas, le travail de recherche, de documentation qui a été fait est exceptionnel. Et  Olivier Assayas de dire que ils ont toujours veillé, et c’est important dans une fiction qui s’inspire du réel, à ne pas se laisser emporter par le romanesque. Il faut doser, il faut être vigilant, ne pas déformer la vérité, ou plutôt ce que l’on pense être la vérité. En tout cas, pour ceux qui ont loupé l’intégrale sur Canal+ ou en Dvd, ne ratez pas CARLOS en version courte.

L'AGENCE :

Les men in grey!

Plaisant, divertissant, par instant captivant, intriguant mais finalement un peu décevant L’AGENCE se présente tout d'abord comme un film politique. On s'imagine un bio-pic de plus sur un jeune loup de la politique. En passe d'être élu sénateur, il chute à cause d'une image de trop parue dans le journal. Et oui, pour aller loin aux Etats Unis en politique, il ne faut jamais avoir baissé son froc devant l'objectif d'un appareil photo, fusse même alors que vous étiez un étudiant un peu fêtard. Il ne faut pas non plus jouer des poings et se murger dans des bars! Matt Damon l'apprend à ses dépends. Alors qu'il essuie un revers lors d'une élection, il succombe au charme d'une femme croisée par hasard dans les toilettes pour homme de son QG de campagne, dans un hôtel de luxe. L'histoire en reste là. N'empêche qu'elle lui inspire un discours de défaite percutant. Devant une assemblée conquise, plutôt que de vanter les mérites d'un homme capable de se relever après la défaite, au grand damne de ses conseiller, il humanise son propos, parle de lui, de sa cravate, de la couleur de ce bout de tissu qu'il n'a même pas le droit de choisir. Il n'aime pas cette couleur, mais elle est susceptible de lui rapporter des voix, alors il la porte, tout comme cette paire de chaussure.... 

Et c'est là qu'entre en piste quatre bien curieux types. A ce stade, impossible de savoir qui sont ces mecs trop bien sapés pour être honnêtes, sans doute des éminences grises, des hommes de l'ombres, le genre qui appartiennent à des services secrets. Ils semblent ne pas avoir apprécier le discours. Il parlent d'agir dès le lendemain. L'un d'eux a pour mission d'empêcher Matt Damon de revoir la jeune femme car elle a une mauvaise influence sur lui. Chaque jour, il emprunte le même trajet à pieds, un gobelet de café à la main. Une bousculade anodine l'obligera a rebrousser chemin. Il perdra du temps. La rencontre ne se fera pas et tout rentrera dans l'ordre. Voilà qui est opaque, et le mystère ne va pas s'éclaircir d'avantage car le lendemain, celui des 4 hommes chargé d'empêcher la rencontre failli a sa mission. Résultat, Matt Damon revoit la jeune femme, mais surtout, arrive comme convenu à son bureau et observe ce qu'il n'aurait jamais du observer. Panique en haut lieu, très haut lieu, il faut rattraper la boulette sans quoi le plan prévu pour Matt Damon ne se réalisera pas, pire encore, d'autres plans s'en trouveront considérablement modifiés. 

L’AGENCE est un film sur la destinée. Tout serait écrit quelque part. Un homme, une femme, un courant d'air, un autobus, un arbre, un nuage, on ne sait pas réellement, puisque personne ne l'a jamais vu, un Dieu donc, que l'on appelle assez bizarrement Le Président, tirerait les ficèles de l'humanité et serait capable d'inscrire dans de jolis livrets la route que chaque humain doit suivre pour garantir l'équilibre de la planète. Les types en gris ne seraient que des hommes de mains, des anges bien fringués devant veiller à ce que chacun de nous ne s'écartent pas trop de son chemin. En cas contraire, ils interviendraient pour opérer de petits ajustements grâce à leurs pouvoirs sur-naturels. Leur très beaux chapeaux leur permettraient de passer d'un lieu à un autre simplement en poussant la bonne porte. En ouvrant celle des chiottes de l'appartement, on se retrouve à fouler la terre battue de Roland Garros, par exemple. Voilà qui rappelle LE MAGNIFIQUE, avec Belmondo qui pouvait quitter son bureau et se rendre directement sur une plage de sable blanc en passant par une porte de son salon. Merci Philippe DeBroca pour cette fantastique idée remise au gout du jour. Georges Nolfi, le réalisateur, use et abuse de ce procéder dans L’AGENCE.

Ce film parle aussi du libre arbitre. Chacun doit faire des choix en permanence. Il ne faut pas se gourer. Certains sont plus délicats que d'autres. Pas facile de choisir  entre carrière et amour, de décider de sacrifier le destin de sa compagne au profit du sien, ou le contraire. Il est dit dans le film que la vie sur Terre est devenu merdique, mais elle pourrait être bien pire si Dieu n'avait pas repris les choses en mains. Il a, à de multiples occasions, laissé les hommes seuls face à leur libre arbitre. Au début du siècle dernier, par exemple; ces abrutis n'ont rien trouver de mieux en même pas 50 ans que d'inventer le fascisme, de faire 2 guerres mondiales et de mettre en péril l'équilibre écologique de la Terre. Il était donc temps que Le Président reprenne la main, comme si l'être humain était incapable de s’autogérer. Ceci dit, Dieu ne peut pas être partout. Le hasard existe donc encore un peu. Certaines choses lui échappe. C'est le cas pour Matt Damon et Emily Blunt. Ils se sont rencontrés par hasard et sont tombés follement amoureux. Mais comme la rumeur prétend depuis des lustres que Dieu est amour, peut-être se laissera-t-il attendrir au point de modifier les plans de ces 2 deux là ? Autre leçon du film, Dieu est une mauviette fleur bleue !

L’AGENCE est une premier film pas honteux du tout de la part de Georges Nolfi. Ce scénariste de LA MEMOIRE DANS LA PEAUX ou de THE SENTINEL, un film de complot avec Micheal Douglas, a été a bonne école. Il applique ce que les Paul Greengrass et autre Steven Soderberg lui ont appris. Oui, il a aussi signé le script de OCEAN 12. En s’attaquant à une nouvelle de Philipp K Dick, il savait qu’il pourrait trouver là un terrain de jeu propice à réaliser un premier film prenant. En effet, L'AGENCE est adapté de la nouvelle Adjustment Team. Pour mémoire, l'écrivain américain s'est spécialisé dans la science-fiction et a écrit nombre de roman ayant pour nœud des complots et autres manipulations. BLADE RUNNER, TOTAL RECALL, MONIROTY REPORT ou encore PAYCHECK sont des films adaptés de l’œuvre de K Dick. Il semblait donc tout naturel que L’AGENCE le devienne aussi. Mêlant à la fois action, romance, SF et bondieuserie, L’AGENCE s'appuie sur une idée plutôt originale. Même les plus athées d'entre vous se laisseront peut-être séduire par ce film à la réalisation efficace. Le montage est bien rythmé, les effets spéciaux parfaits, les acteurs bien dirigés, qu'il s'agisse du marathonien Matt Damon, de la belle diablotine habillée en Prada Emily Blunt ou du Mad Men Roger Sterling Jr, alias John Slattery. Ceci dit, à partir du moment ou le voile est levé sur ces hommes en gris, L’AGENCE perd tout son intérêt et vire à une course poursuite efféminée entre un homme qui veut échapper à son destin et d'autres qui font tout pour l'en empêcher. 

LA LIGNE DROITE:

un film en zig zag 

On peut s’appeler Régis Warnier, avoir été couronné aux Oscars en 1993 avec le prix du meilleur film étranger pour INDOCHINE, avoir été à la tête d’entreprises telles que EST OUEST, PART VITE ET REVIENS TARD, bénéficier d’une certaine reconnaissance, être talentueux en plus, et rencontrer des problèmes pour financer un film. Régie Wargnier en a fait l’amère expérience. Alors qu’il s’apprêtait à entrer en tournage, 2 semaines avant de débuter, certains financiers se sont retirés de son projet de comédie sur l’immigration. Apparemment, on en rigole pas en France avec un tel sujet. Dépité, Régis Wargnier a du débaucher des gens qu’il avait pourtant choisi d’employer. Situation on ne peut plus inconfortable. Et puis surtout, il lui a fallu rebondir et vite, pour éviter une dépression. 

Obligé de négocier un virage à 180 degrés, il écrit LA LIGNE DROITE. Pour cela, il s’est souvenu qu’il avait deux passions dans la vie, le cinéma et l’athlétisme. Il a d’ailleurs réalisé deux documentaires sur des champions français ou du monde. En faisant travailler sa mémoire, Régie Wargnier s’est rappelé d’une scène qui l’avait titillé, un entraînement dans le silence. Sur la piste, un non voyant et son guide reliés à une corde, en train de courir un 400 mètres. L’idée forte de LA LIGNE DROITE était donc toute trouvée : raconter la rencontre de deux destins, deux humains unit par  une corde imaginaire et une autre bien réelle. Cet homme et cette  femme, un aveugle et une voyante seraient aussi unis dans la douleur. C’est donc autour de cette première idée que Régis Wargnier a imaginé  son scénario.

Pour tout dire, chacun des deux personnages doivent remonter la pente après que la vie leur ait joué un vilain tour. Et c’est au prix de nombreux efforts que ces deux là vont tenter de résoudre leurs problèmes. Pour elle, ce sera réussir sa réinsertion après sa sortie de prison. Cette ancienne athlète y a passé 6 longues années. Elle ne songe désormais qu’à une chose, revoir et surtout récupérer son fils, un fils qui ne connaît pas l’existence de cette maman. Pour lui, atteint de cécité après un accident de voiture, ce sera de retrouver les sensations d’athlète de haut niveau. Ancien champion, il doit apprendre à canaliser sa haine, transformer le sentiment d’injustice qui le submerge, et modeler cette énergie qui est en lui, la mettre à profit et reprendre une vie normale entre guillemets.

LA LIGNE DROITE un film un peu tordu, la faute à un scénario écrit vite, trop vite. Il y a quelques zones d’ombres, et autres raccourcis faciles. N’empêche que le film, tourné dans la chronologie de l’histoire, a valu à Régis Wargnier et à sa productrice, son pesant d’adrénaline. Il le dit : ‘j’ai retrouvé la liberté, l’énergie d’un premier film’, non pas qu’il se plaigne des conditions luxueuses dont il peut bénéficier en général, mais simplement parce que le film s’est fait dans l’urgence avec interdiction de se planter. 

Témoin, la scène finale tournée au stade de France, un 400 mètre. Mais pour filmer la course, elle a du être inscrite au programme d’une manifestation officielle, ce qui sous entend que Régis Wargnier n’avait droit qu’à une seule prise. Imaginez le risque. Avec 3 faux départs de suite, la course aurait été annulée. Le film n’aurait pas eut de fin. Il aurait fallu ruser avec des effets spéciaux coûteux et il n’avait pas le budget pour ça. En plus, la course s’est déroulée telle qu’elle était écrite sur le papier, sans aucune anicroche. Bref, les dieux du stade et du cinéma étaient avec Régis Wargnier ce jour là. 

D’un mot encore sur les comédiens principaux, Rachida Brakhni, ex athlète devenue actrice. On l’a vu dans L’OUTREMANGEUR pour ne citer que celui-ci ou elle jouait l’accompagnatrice de Cantona. Elle est aujourd’hui sa femme. Elle est ici parfaite en guide, en entraîneur, en femme prête à lutter pour retrouver le goût de la vie. On ne peut pas en penser autant de Cyril Descourt. Il faut dire qu’il n’avait pas un rôle facile à défendre. Passer tout un tournage avec des lunettes noires sur le visage, ce n’est pas facile pour transmettre certaines émotions. On le sent peut-être un peu trop fébrile, pas assez sûr de lui, de ce qu’il est en train de faire. Enfin Clémentine Célarier qui joue sa mère tient un rôle à contre emploi, une femme forte qui ne se soucie pas trop de son image, une mère qui ne rêve que d’une chose, retrouver son fils, un fils éteint depuis qu’il a perdu la vue. LA LIGNE DROITE, un film bourré d’humanité, parfois malhabile mais tout de même recommandable. 

WE WANT SEX:

Un film féminin,

pas féministe

Le réalisateur de CALENDAR GIRLS s’attaque cette fois à la lutte des couturières des usines Ford en Angleterre, à Dagenham dans la banlieue Est de Londres. En 1968, elles vont à elles seules, pas plus de 187 ouvrières, ce qui n’est rien en comparaison des dizaines de milliers d’hommes qui travaillent pour Ford à travers le monde, déclencher un mouvement et  paralyser le constructeur automobile pendant plusieurs semaines pour obtenir une égalité de traitement, donc une égalité de salaire avec les hommes. 

Evidemment, qu’au début, on les prend un peu de haut. On leur fait comprendre, même su sein de leur syndicat, que leur rôle dans les négociations avec le patronat doit se limiter à hocher la tête. Ce sont les hommes qui mènent la danse. Mais au cours d’un premier entretien, Rita ne l’entend pas de cet oreille et prend la parole. Elle annonce que si leur situation n’est pas ré-évaluée, la grève sera inévitable. Branle-bas de combat chez Ford en Angleterre, mais surtout aux States, à la maison mère ou l’on n’entend pas céder sur ce point. Très vite, devant la ténacité de ces dames, l’affaire devient nationale. Barbara Castle, alors secrétaire à l'emploi et à la productivité, la première femme politique à exercer un poste de premier plan, écoute leurs revendications et prend le risque de soutenir ces ouvrières. Cela débouchera sur la création d'un projet de loi en 1969 pour l'égalité salariale. 

WE WANT SEX, est un film choral, une fiction pas un documentaire, ce qui sous-entend que la production a pris des libertés avec la véritable histoire en créant par exemple des personnages comme celui de Rita. On a aussi injecter un peu de romanesque, peut-être parfois inutile… Ca rallonge un peu la sauce. Mais l’essentiel du propos n’a pas été modifié. Il s’agissait de montrer comment des femmes apolitiques voulaient simplement être traitées d’égale à égale avec les hommes. Pour elles, c’était juste une affaire de bon sens. Ce n’est donc pas un film féministe, mais juste sur des femmes en lutte, un film ou l’on épingle au passage certains syndicalistes, qui bénéficient de petits privilèges et ne sont donc pas prêt à les renier, d’ou le sens du compromis avec le patronat. 

Sally Hawkins interprète Rita. Cette actrice formidable, habituée à des rôles de fofolles comme dans BE HAPPY de Mike Leigh, est ici plus dans le retenue. Elle possède une réelle candeur. Sally Hawkins s’est affichée récemment dans AN EDUCATION, autre film qui se déroulait dans les années 60. il y avait également Rosamund Pike qui joue dans WE WANT SEX celle qui va devoir négocier avec Rita. Pour l’anecdote, le titre du film WE WANT SEXE fait référence à une des banderoles utilisées par les manifestantes lors de leur sit-in devant le ministère de l’emploi à londres. En fait, il était écrit : WE WANT SEX EQUALITY, mais comme elle n’était pas dépliée entièrement, les passants lisaient juste WE WANT SEX. Je vous laisse imaginer le concert de klaxon des voitures qui passaient devant elles, les remarquent lancées par les hommes…WE WANT SEX, un film tout à fait recommandable sorti mercredi au cinéma.

PAUL:

Rencontre du 3ème E.T

Simon Pegg, Nick Frost sont peut-être des noms qui vous disent quelque chose. Ces deux là sont connus pour avoir bossé ensemble entre autre sur SHAWN OF THE DEAD ou HOT FUZZ, deux films hommages, aux zombies pour le premier et aux comédies policières d’aventure des années 70 pour le second, avec la british touch à chaque fois pour garantir un minimum d’humour salvateur. Simon Pegg et Nick Frost se sont donc retrouvés sur PAUL, une comédie de Science Fiction réalisée par Greg Motola à qui l’on doit la  comédie bien potache, SUPER GRAVE. Voilà qui vous en dit plus sur l’atmosphère, l’ambiance de ce film PAUL. On est effectivement dans une tentative de comédie, une tentative loupée car malgré une bonne idée, la mayonnaise ne prend jamais. On aimerait pourtant se marrer, rire aux éclats mais on ne lâche jamais plus qu’un timide sourire devant les péripéties de ces 2 geeks.

Oui, 2 geeks anglais sont partis en pèlerinage aux States. Ils se rendent à une convention ou tous les visiteurs sont déguisés. Ils arborent les costumes de leur héros de science fiction préférés. Eux, ils viennent ici rencontrer un auteur à succès qu’ils vénèrent et qui s’avère être un gros naze imbu de sa personne. Après avoir pris une photo et s’être fait dédicacer un bouquin, voilà que les 2 amis taillent la route au volant de leur camping car. Ils ont décidé de concrétiser leur rêve en visitant tous les sites du désert du Névada ayant un lien avec les aliens, comme par exemple la zone 51. Et c’est justement lorsqu’ils pénètrent dans cette zone 51 que Paul s’incruste dans leur camping car. Paul est le portrait craché de Rosewell, un alien cool qui clope et s’énerve assez vite. Et voilà que les 3 personnages s’engouffrent sur la route 375, mythique ligne droite interminable. A leur trousses, 3 Men in Black du FBI bien décidés à capturer Paul. Il s’est échappé pour éviter une mort certaine. Ayant atterrit dans le Névada il y a 60 ans à la suite d’une panne de soucoupe, il n’est plus jamais reparti. Seulement, maintenant que l’on a percé tous ses secrets, le FBI désire étudier son cerveau. Pour éviter une trépanation, Paul a donc pris la fuite et projette de rentrer chez lui.

PAUL, un road movie, une course poursuite infernale avec en prime, une grenouille de bénitier qui ne veut pas entendre parler de la théorie de l’évolution et qui va voir ses certitudes et ses croyances s’effondrer au contact de l’alien. Le film n’est malheureusement pas spécialement drôle. On empile les situations et les dialogues convenues dans un  Buddy movie qui ressemble à une compilation de références: ET par ci, Rencontre du 3^ème type par là, le gendarme et les extra terrestres, retours vers le futur, total recall et sa fameuse femme à 3 seins, star trek, star wars et j’en passe. Dommage, avec un tel potentiel, PAUL aurait du être un superbe OFNI. Il n’est malheureusement ni plus ni moins qu’un film à peine divertissant. La seule réussite concerne les effets spéciaux employés pour matérialiser cette bébette à grosse tête de l’espace.

LE RITE:

Sa mère ne taille pas

des pipes en enfer

Que voici une sinistre supercherie, une ânerie sans nom avec, et on est désolé pour lui, avec  le mythique Antony Hopkins. En toute franchise, seule l’affiche du film LE RITE mérite le détours. Dans une croix, on y découvre le regard bleu azur glaçant et le visage grisâtre de l’acteur, de quoi vous glacer les sangs. Dites vous bien que l’affiche n’est là que pour appâter le gogo. Avec le nom et le visage d’Hannibal Lecteur sur une affiche, la production a vu juste. Nul doute que bon nombre se laisseront tenter par cette resucée lamentable de L’EXORCISTE. Seulement, le réalisateur du déjà bien minable CHAMBRE 1408, le suédois Mikeal Hafstrom n’est pas William Friedkin! Non, LE RITE ne détrônera certainement pas L’EXORCISTE, classé depuis des lustres à la 3^ème place des meilleurs thriller de tous les temps derrière PSYCHOSE et LES DENTS DE LA MER. Il faut dire qu’en 1974, on savait y faire pour flanquer une grosse pétoche aux spectateurs malgré des effets spéciaux bas de gamme. Tout résidait dans l’atmosphère, dans l’approche, dans la mise en scène, dans la suggestion. 

A sa décharge, on peut souligner l’effort en ce domaine de Mikeal Hafstrom qui d’emblée a choisi l’option de ne surtout pas jouer la sur enchère d’effets spéciaux superflus. En comptant sur Antony Hopkins, et accessoirement sur l’histoire, les personnages et les lieux de l’action, il a cherché à évoquer sous un angle nouveau, un angle malheureusement plat, cette pratique peu connue du grand public. Il paraît qu’en terme d’exorcisme, la réalité serait bien plus fascinante que tout ce que l’on pourrait imaginer, d’ou la tentation d’ancrer le récit dans le réel et l’aborder le plus sérieusement possible.. Et le scénariste d’enfoncer le clou en précisant que l’histoire repose sur une base solide, des faits avérés, dévoilés dans un livre  écrit par je journaliste Matt Baglio. Véridique ou pas, en regardant LE RITE, on est surtout posséder par un mortel ennui effectivement bien réel.

Pour tout dire, un jeune séminariste américain Michael Kovak se rend au Vatican pour étudier les rites de l’exorcisme. Féru de psychologie, il nourrit de sérieux doutes à l’égard de ces pratiques anciennes, et juge que la «possession» relève de la psychiatrie plutôt que de la démonologie. Pour le convaincre, et parce que ces doutes commencent à agacer, on lui recommande de rencontrer le Père Lucas, un ecclésiastique légendaire qui a pratiqué avec succès des centaines d’exorcismes. Au contact de cet énigmatique mentor travaillant sur un cas bien réel, le sceptique devant la terrifiante violence de la possédée, va bientôt remettre en question ses croyances.

Bon Dieu de film, LE RITE de Mikeal Hafstrom vous apprendra au détour d’une des nombreuses scènes bavardes que pour croire au diable, il faut croire en dieu. Presque 2 heures pour accoucher d’une telle nunucherie, voilà de quoi achever définitivement les plus courageux qui oseront affronter LE RITE au cinéma.

LUMIERE:

Un doc sombre 

Depuis mercredi, un documentaire qui a fait polémique en France est désormais visible en Suisse. Il s’agit de LUMIERE de l’autrichien Arthur Straubinger. Dans ce film, le documentariste pose une question, une seule : est-il possible de vivre uniquement en se nourrissant de lumière. On appelle ça le respirianisme, un mouvement jugé sectaire par les autorités françaises, une dangereuse mode en quelque sorte qui aurait pour conséquence d’encourager l’anorexie. Dans LUMIERE, des adeptes prennent la parole pour faire part au monde entier de leur expérience. Le plus connu d’entre eux est Prahlad Jani, un octogénaire indien qui prétend ne pas avoir mangé ni bu depuis plus de 70 ans.

Comment croire une chose pareil ?  En France, le président de la Mission interministérielle de lutte contre les sectes, Georges Fenech, a mis en garde dans une interview accordé au Figaro en décembre dernier que: "Dans ce documentaire les scientifiques ne condamnent pas explicitement la méthode du respiranisme", Il faut savoir que des sympathisants du respirianisme meurent et que leur santé est en danger pour Georges Fenech, qui va même jusqu’à évoquer une pratique "charlatanesque".

De son coté, Arthur Straubinger a répliqué simplement qu’il a voulu aller au-delà des acquis scientifiques. Tout est parti d’une histoire qui date d’il y a dix ans. A l’époque, il rencontre un professeur de méditation qui prétend ne pas avoir mangé ni bu pendant près d’un an. Sceptique, il entame des recherches qui le mènent en Chine, en Inde, en France, aux Etats-Unis. Il rencontre des personnes qui jeûnent de cette manière. Il mène son enquête et suit même une expérience au cours de laquelle un homme cesse de s’alimenter pendant 10 jours sous le contrôle de scientifiques. Le candidat est enfermé dans une chambre surveillée 24h sur 24 par des caméra. Se nourrissant de lumière, jamais il ne file au toilettes, pas même pour pisser des UV ! Les faits sont là et les scientifiques bien empruntés devant ces études. Un autre, un quidam tente l’expérience et se rend vite compte, que si il continue à ne plus s’alimenter ni boire, il va trépasser. Enregistrant ses confidences sur un camescope, il stoppe l’expérince au bout du troisième jour. 

Quand on regarde LUMIERE, on a qu’une envie : crier à l’escroquerie, En effet, si l’homme pouvait se passer de manger, s’il était capable comme le prétend le film de se contenter de soleil en guise de repas, la faim dans le monde ne serait plus un problème. N’empêche que adepte ou pas, sceptique ou convaincu, pour vous faire votre propre idée, LUMIERE de Arthur Straubinger est disponible à la vision depuis mercredi au cinéma. 

Le Marquis:

C'est Sad! 

Dominique Farrugia le réalisateur a-t-il adopté la stratégie de l'échec, référence au titre d'un de ses précédents films? On peut se le demander! Dans La Stratégie de l'Echec, il s'agissait de catapulter deux bons à rien dans le monde de l'entreprise et d'expliquer au spectateur, au travers de vidéos éducatives, comment se planter lamentablement en toutes circonstances. Il est vrai que le scénario de ce film ressemble à s'y méprendre à celui développé par Farrugia réalisateur, j'insiste car le Farrugia producteur a autrement plus de talent. Monsieur Batignole, Meilleur Espoir Féminin sont des films réussis qui n'auraient jamais vu le jour sans lui! N'empêche que lorsqu'il coiffe la casquette de réalisateur, il se vautre, exception faite de Delphine 1 – Yvan 0 et de Traffic D'influence, ses deux premiers films. Dois-je vous rappeler que récemment, il nous infligeait la piètre comédie romantique L'amour c'est Mieux à Deux? On aurait pu croire qu'il se reprendrait après un long métrage aussi insipide qu'inutile. Et bien macache: voici qu'il signe Le Marquis, un film de braquage, une soit disant comédie ou Richard Berry et Franck Dubosc vont tenter de rouler dans la farine Jean Hugues Anglade. 

Pour tout dire, avec Le Marquis, on croirait voir un mauvais film de Francis Véber. Sans doute est-ce effectivement un hommage à peine masqué au roi du buddy movie, ces films conçus systématiquement sur le même principe: 2 inconnus que tout oppose se rencontrent et sont obligés de faire équipe s'ils veulent se dépêtrer d'une situation à priori inextricable. Devant l'adversité et après avoir franchi moult épreuves, ils deviennent les meilleurs amis du monde à la fin. Figurez-vous que Le Marquis répond exactement à ce principe édicté par Francis Véber. Le truc, c'est que le buddy movie made in Farrugia n'est qu'une pâlichonne sous copie sans intérêt en comparaison à ceux du maître du genre. C'est dire le niveau de l'ensemble! Autre référence qui peut venir à l'esprit quand on regarde Le Marquis: Yves Robert et son grand blond de Pierre Richard. Là encore, souvenez du principe. Un quidam se retrouve à jouer le rôle de celui qu'il n'est pas, en l'occurrence un violoniste maladroit endosse la panoplie de l'agent secret nettoyeur. Certes, dans Le Marquis, on est plutôt du coté des voyous que des agents spéciaux, mais ce postulat est le socle du scénario. 

Pour tout dire, Franck Dubosc, un vendeur de systèmes d'alarme est incarcéré après avoir commis un cambriolage loupé chez un de ses clients. A sa décharge, il venait de se faire virer au moment des faits et n'avait d'autre choix, pour ramener un peu de liquide à sa femme et sa fille, que de s'improviser cambrioleur. Résultat, c'est la prison qui lui a ouvert ses portes! Six mois plus tard, alors que ce taulard comme les autres est sur le point de sortir, voilà qu'il se retrouve au cœur d'un quiproquo, rattrapé par son gros mensonge. En fait, pour couler des jours pas trop pénibles à l'ombre, il a pris l'identité du très respecté et redouté Marquis, le roi de l'explosif, un type dont personne n'a jamais vu le visage. Mais cette couverture bien pratique va tomber alors que Richard Berry, un malfrat dans la panade, le fait évader. C'est qu'on a besoin des services du Marquis aux Philippines pour commettre un coup de légende. Et voilà comment, s'il veut rester en vie, le VRP en systèmes d'alarmes va devoir jouer une partition dont il ignore toutes les notes, celle du redoutable Marquis. Mais très vite, Richard Berry découvre le poteau rose. C'est sur, si Jean Hugues Anglade apprend la nouvelle, l'appentis Marquis et celui qui l'a recommandé finiront découpés en rondelle. Pour rester en vie, il ne leur reste plus qu'à jouer les fugitifs en faisant faux bond à leur commanditaire, à moins que ce dernier n'ait recours à un moyen de pression suffisamment efficace pour qu'ils commettent malgré tout le casse initialement prévu.

LE MARQUIS, repose sur un scénario sans aucune surprise et sur des vannes qui tombent à plat. Si visuellement, on lorgne du coté de RTT film que l'ex-nul a produit ou dans la direction d'Ocean Eleven sur une scène d'explication de casse avec split screen de série, musicalement parlant, c'est du coté de Cash qu'il faut orienter vos tympans. Marco Prince a visiblement beaucoup apprécier les compositions de ce film d'arnaque à la française au point de presque les copier coller parfois! La seule satisfaction demeure dans la direction d'acteur. Si l'on excepte Richard Berry très mal à l'aise dans la comédie, il faut souligner que Dubosc ne fait pas du Frank! Le disco beaufio du camping pourrait même remonter dans votre estime tant il défend son personnage avec sincérité. Quant à Jean Hugues Anglade, acteur beaucoup trop rare au cinéma, il compose un très brillant parrain cruel de pacotille, un type en couple avec une potiche à gros seins et petit cerveau. Ah ça, la représentation de la femme dans ce film va faire bondir plus d'une chienne de garde! LE MARQUIS, le dernier film de Dominique Farrugia, du moins, on l'espère!

AU DELA:

Sauve qui peut! 

A Quoi pense-t-on quand on a fêté ses 80 ans en 2010 et qu'on s'appelle Clint Eastwood? Non, on ne songe pas une seconde qu'on va finir sa vie à l'EMS. Michel Bouquet, Inspecteur Harry même combat. En fait, dans le cas du yankee, on se dit qu'on n'a décidément pas envie de mourir, qu'on est trop jeune pour ça et on se console en réalisant un film, une vision crépusculaire de la vie après la mort. Et oui, Clint en est convaincu, même quand la mort vous frappe, la lumière ne s'éteint jamais. Reste à entrevoir à quoi peut bien ressembler ce que l'on appelle l'au delà? Figurez-vous que la réponse se trouve en Suisse! Marthe Keller possède un gros dossier la dessus! L'au delà est assimilable à un territoire plat sans limite ni points cardinaux, un lieu aussi étrange qu'intriguant, une étendue ou l'espace temps s'étire à l'infinie, un endroit ou l'on est tout et rien à la fois. L'au de là, est magique et cool! On se sent tellement léger, tellement mieux que sur terre. Ben oui, la vie sur terre c'est mortel! Ce n'est que Tsunami, attentats, ravages de la drogue, course au fric, inceste, internet maléfique, incompréhension, solitude, tristesse, trahison et désespoir. Bref, c'est pas joli-joli en comparaison de cette sensation d'apaisement que l'on éprouve quand on a franchi la frontière. En plus, depuis l'au delà, on peut continuer à veiller sur le monde des vivants. On observe et on agit parfois sur le destin de ceux que l'on aime. Il suffit par exemple de souffler sur la casquette que porte un jeune garçon, qu'elle s'envole, pour lui éviter une mort certaine dans le métro. Ceci dit, le sentiment de quiétude est tellement puissant dans l'au de là, qu'au bout d'un moment, on fini par se convaincre qu'on a autre chose à fiche que de veiller sur les vivants.

Voilà donc à quoi pense Clint Eastwood. Voilà comment il imagine sa vie après la vie. Ça a l'air trop super, nunuche mais super! Reste que pour convaincre les réticents, il a fallu glisser ce concept simplet, cette théorie fumeuse à base de bondieuseries ridicules dans un film, HEREAFTER, traduit en français par L'AU DELA, un long métrage de moyenne facture, à 3 entrées. Trois destins touchés par la mort vont forcément se croiser à un moment donné. Il y a tout d'abord celle qui fait l'expérience de la mort. Cécile de France, à la suite d'un Tsunami, revient miraculeusement à la vie après avoir vu l'au delà. Inévitablement chamboulée, elle ne pense désormais qu'à ça, quitte à passer pour une dingo, à perdre son boulot et son compagnon. Elle se met au vert, embobine un éditeur en lui vendant un projet de livre sur cette crapule de François Mitterrand et lui refourgue à la place les premières pages d'un bouquin sur l'au delà! Stupeur de l'éditeur qui lui conseille une autre maison d'édition, américaine. Emballée, celle-ci lui commande un livre sur ce sujet tabou, sur les enquêtes secrètes menées par des chercheurs. Elle ira présenter son bouquin au salon du livre en Angleterre... 

Mais revenons au début, pendant que Cécile de France surfe sur sa vague thaïlandaise, en Angleterre un gamin est témoins de la mort de son frère jumeaux. Élevé par une mère droguée, on le confie à une famille d'accueil en attendant qu'elle se désintoxique. Bouffé par le chagrin, reclus dans un mutisme inquiétant, le môme aimerait tellement parler à son frère. Il voudrait tant qu'il revienne. Alors il se rancarde auprès de charlatans qui parlent avec les morts. Un jour peut-être croisera-t-il la bonne personne...Et pourquoi pas Matt Damon, le médium, celui qui possède le pouvoir d'entrer en contact avec les morts. Attention, il ne peut que les écouter. Il est juste un intermédiaire, un relais. La bonne idée de Clint Eastwood est de faire de se médium un type qui n'en peut plus. Tout le monde l'enquiquine. On lui réclame une séance, mais lui, il s'en balance. Au contraire, il aimerait tellement oublier tout ça, mener une vie normale. Ce n'est pas un don, contrairement à ce que croit son frère, mais une malédiction. Ses rapports à autrui sont complètement faussés. Impossible de trouver une femme avec qui partager sa vie. Pas facile la vie de médium pour qui veut raccrocher. La seule solution est de fuir, en Angleterre...

L'AU DELA, un film ou il faut supporter quelques longueurs, ainsi que des scènes tire larme un peu vaine ou Clint cherche l'émotion à tout prix. Il réserve par exemple un traitement au gamin du film un peu lourd. Passé l'entrée en matière, le tsunami, le calme demeure tout au long du film. Au passage, la scène est d'un réalisme absolu. Clint Eastwood qui n'est pourtant pas un habitué des films à effets spéciaux fait preuve ici d'une maestria incroyable dans la reconstitution de cette catastrophe naturelle. La vague emporte tout sur son passage, y compris le spectateur.

Par la suite, sa mise en scène se voudra plus classique, plus standard, presque scolaire. Pas de fanfreluche, de mouvements de caméras inutiles et compliqués. Il va à l'essentiel. En bon élève appliqué, il choisi une photo différente selon que l'on change de lieue. En Asie, les couleurs sont belles, brillantes. En France, elles sont chaude et glamour. En Angleterre, un peu plus grise et terne et aux state, carrément sombre. Voilà qui donne à chaque ville un look différents en fonction de ce qui s'y passe. D'un mot enfin sur sa direction d'acteur qui est parfaite. Jamais Cécile de France n'a été aussi juste dans un film. Matt Damon est également brillant, plus convaincant en médium désespéré qu'en capitaine d'une équipe de Rugby sud africaine façon INVICTUS. Quant aux gamins du film, George et Frankie McLaren, il sauront vous tirer une petite larme, enfin seulement si vous êtes un extra-émotif....

LES EMOTIFS ANONYMES:

Grosse poilade! 

Saviez-vous qu’il existait, à l’instar des alcooliques anonymes, des associations d’émotifs anonymes ? Parce que l’hyper émotivité est en effet une maladie, peut-être plus grave que l’alcoolisme. D’ailleurs, Jean Pierre Améris en a fait le sujet moteur de son film EMOTIFS ANONYMES avec Benoit Poelvoorde et Isabelle carré. Les 2 s’étaient déjà croisés sur le tournage de ENTRE SES MAINS de Anne Fontaine, un drame amoureux. Dans ENTRE SES MAIN, il jouait un psychopathe, tueur de femme qui allait tomber amoureux de sa victime, donc incapable de la zigouiller ! LES EMOTIFS ANONYMES n’a rien à voire avec tout ça. On est dans la comédie pure jus, le genre explosive, réussie ou l’on rit à gorge déployée. Faut dire que ces émotifs sont drôles. Ils sont capables de faire des choses complètement folle, de se mettre dans des situations inextricables juste pour fuir leur peur, celle du monde qui les entoure. 

Un exemple avec une scène du film. Poelvorde écoute religieusement son psy qui lui donne un exercice pratique. Il doit, une fois soti du cabinet, toucher quelqu’un. Toutcher une personne ! C’est l’horreur, l’enfer pour un émotif. Comme il est patron d’une chocolaterie, il se dit qu’il pourra certainement toucher la main d’un de ses employés. Turlututu… Son plan d’attaque ne se passe pas si bien que ça. Dans l’atelier, il s’aopproche par derrière d’une chocolatière. La méprise est immédiate. Il prétexte chassez une mouche pour ne pas donner l’impression à cette employée qu’il avait des idées malsaines derrière la tête. Rebelotte avec un employé. Comme il n’arrive pas é ses fin, il sort de l’usine, court après Isabelle Carré, lsa nouvelle Vrp. Il l’a rattrappe et parce qu’il ne sait pas quoi lui dire, lui prend la main. Mission accompli. Il est soulagé ! quoique non… il doit expliquer pourquoi ce geste. Comme rien de convaincant ne lui vient, il lui roule une pelle ! Damned ! Un baiser.. .qu’est-ce à dir. Il s’excuse, est déolé. Elle-aussi est désolé.. il ne faudra plus jamais recommencer… non c’est promis, enfin une dernière fois peut-être ! La scène est hilarante et illustre bien à quel point les émotifs sont déroutants. 

Ce qu’il faut savoir qu’un émotif n’est pas un timide mais un peureux qui redoute la mise à nu, au sens propre comme au sens figuré. Se mettre à nu, c’est prononcer un discours en public. Alors on peut donner l’impression d’une parfaite assurance et en fait, au fond de soit, se liquéfier complètement. Se mettre à nu, c’est se dépoiler pour faire l’amour. C’est toucher l’autre et être toucher, et c’est toute une histoire. On en est incapable. On repousse le moment le plus possible quitte à embêter son entourage, et à faire détaler son partenaire… En fait, un émotif tente donc de masquer toutes ces émotions, il s’interdit de les exprimer, par peur du regard des autres. Il n’a pas d’autres choix que de trimbaler son angoisse, et surtout vivre avec… Alors évidemment, de temps à autre, l’émotif passe à l’acte… Faut quand même bien vivre en société. Il se prépare psychologiquement avant un simple entretien. Lorsqu’il est paré, il se lance, sur de lui, mais il suffit d’un grain de sable, un imprévu et patatra., le scénario leur échappe complètement et ça devient n’importe quoi. Ils disent n’importe quoi, ils réagissent étrangement… Alors imaginez maintenant que 2  émotifs se rencontrent et tombent follement amoureux l’un l’autre ce que ça peut produire comme situation burlesques.

Imaginez que le décors soit une chocolaterie, que la rencontre se passe au cours d’un entretien d’embauche. Isabelle Carré, chocolatière de talent a Rdv avec Benoit Poelvoorde, patron d’une chocolaterie un peu minable. Au bout de 3 minutes, il l’embauche. Il sait qu’elle sera exceptionnelle en VRP. Elle qui croit avoir été recruté comme chocolatière va tomber de haut lorsqu’elle devra affronter des gens, pour leur vendre du chocolat: parler, argumenté, être persuasif… C’est insurmontable pour elle qui fréquente l’association des Emotifs Anonymes. Quant à lui, cette femme il l’aime mais comment le lui dire, lui faire comprendre. Il n’y a pour le moment que son psy qui sache. Ces 2 handicapés de la vies sont très drôles, touchant, émouvant aussi. Du début à la fin, on se marre très franchement devant ces 2 acteurs extrêmement bien dirigé. Pour l’anecdote, Jean Pierre Améris, le réalisateur est un ultra émotif par nature. Il sait donc de quoi il parle. Voilà sans doute pourquoi le film semble si juste.

SKYLINE:

A oublier! 

Et dire qu'ils s'y sont mis à 2 pour réaliser sans doute le pire film de science fiction des 10 dernières années. SKYLINE est en effet l'œuvre de 2 publicitaires, spécialistes des effets spéciaux. Ils ont bossé sur X-MEN entre autre et ont même réalisé un premier film, passé inaperçu. Reprenant ici à leur compte les mécas géants de la franchise TRANSFORMERS, les vaisseaux spatiaux flipants de la trilogie MATRIX et les effets spéciaux tout pourri de LA GUERRE DES MONDES, les frères Colin et Greg Strause ont donc accouché de SKYLINE, un imbuvable et inintéressant thriller d'anticipation ou d'étranges bestioles en aciers déboulent sur terre pour zigouiller tout le monde. Ces aspirateurs à humain (nous sommes leur carburant) sont donc venus faire le ménage à la surface du globe. Reclus dans leur grande tour sis dans une rivièra huppée de la côte californienne, un groupe d'amis est pris au piège. Doivent-ils se faire le plus discret possible dans cet endroit cosy pour échapper à la lumière bleue, donc à une mort certaine, ou doivent-ils quitter leur cache pour rejoindre le port de plaisance et tenter de monter à bord d'un bateau afin de fuir. Fuir? Mais pour aller où? Car vu la taille des engins et la puissance de leurs armes, sûr que le reste de la planète est également sous le joug de ces barbares envahisseurs pas très causant.

SKYLINE, avec son scénario qui tient sur un bout de PQ et son casting de freluquets ne vaut donc pas tripette. Au générique, on retrouve uniquement des seconds rôles comme Eric Balfour. Il jouait la tronçonneuse dans MASSACRE A LA TRONCONNEUSE version 2003, Egalement crédité, Scottie Thompson qui elle faisait le U de USS Enterprise dans STAR TREK 2009, mais aussi David Zayas, celui qui porte un turban et qui meurt tué par Stalonne dans EXPENDABLES. Plus sérieusement, vous connaissez déjà ces visages puisque Eric Balfour est informaticien de la cellule anti-terroriste dans la série 24 heures chrono, Scottie Thompson est apparu dans plusieurs épisodes de NCIS et David Zayas n'est autre que le flic noir qui cavale après le psychopathe Dexter. Oui, que des acteurs confirmés!

Au début du métrage, au lendemain d'un fête gigantesque, les locataires d'un appartement sont dérangés par une étrange lumière bleue d'une puissance incroyable. Quand vous la regardez fixement, un sentiment de bien être vous enrobe, en même temps que vos vaisseaux sanguins noircissent et se gonflent. Puis vous êtes subitement happé: Goodbye! Non, ce n'est pas un coup foireux du Schtroumpf farceur! Ce début, particulièrement anxiogène et réussi, va malheureusement se liquéfier très vite dès lors que le plus sérieusement du monde, 2 des gars bloqués dans l'appartement montent sur le toit de leur immeuble, sans doute pour épater les minettes encore en vie, et entendent bien avec leur mitraillette de balltrap, bouter cet encombrant envahisseur. Ils vont vite déchanter et regagner leurs pénates.

A ce stade du film, le spectateur peut abdiqué. En effet, à partir du moment ou le mystère de la lumière bleue est résolu, le film perd largement de son intérêt. On doit supporter un affligeant et pathétique spectacle ou des robots dévastent une ville, ou des gens sont titillés dans un parking sous-terrain par des calamars d'aciers qui font peur. Ce n'est qu'à la fin, lorsque 2 des occupants se retrouvent dans le bide d'un de ces aspirateurs géants, que l'on se prend à regretter, à se demander pourquoi les auteurs de ce scénario bidon n'ont pas injecté cet idée plus tôt. Cela aurait ouvert une piste intéressante, évité un déballage de scènes aux faux suspens. Entre des machines pesant des milliers de tonnes et des hommes d'à peine plus de 70 kilos, on se doute bien que le combat est inégal! Mais lorsque le lilliputien se retrouve dans le bide du géant de fer, il y a une possibilité de ré-équilibrer le combat. Ce sera peut-être le cas dans SKYLINE II, car, même si le film est à oublier très vite, nul doute que les producteurs y ont déjà pensé! A moins qu'il ne se fasse aspiré dans les oubliettes de l'histoire du 7ème art... on a le droit d'y croire! 

ANNEE BISSEXTILE

un terrifiant film d'amour

Etrange et déroutant film que celui-ci, mais au fond aussi surprenant que terrifiant. Oui, ce drame de Micheal Rowe mérite sans contestation possible sa caméra d’or. La prestigieuse récompense lui a été décerné au festival de Cannes l’année dernière. Mais qu’est-ce qui fait qu’un film mérite cette distinction? Incontestablement, le jury vous répondra : le point de vu de l’auteur, son style radical, le discours tellement juste, le scénario si habile, les partis pris de mise en scène, et la distribution impeccable. Pas d’erreur, Micheal Rowe l’australien grisonnant exilé au Mexique a su, en effet, trouver les bons arguments pour emballer un jury et repartir de la croisette avec sa caméra d’or du meilleur premier film sous le bras. Reste maintenant à séduire un public, ce qui sera chose nettement moins aisé tant ANNEE BISSEXTILE, n’est pas un film à mettre devant toutes les rétines. Et pourtant il fait parti de ses films majeurs, le genre qui laisse une trace dans un coin de cerveau, le genre qui dans 10, 20 ou même 30 ans continuera de vous tarabuster inconsciemment. Ici, évidemment, on n’est pas dans la gaudriole façon MES PARENTS, MON BEAU PERE ET NOUS. Non, ce serait plutôt, ma maman, ma solitude et mon suicide! Bien sur, résumé comme ça, le quidam se dit immédiatement qu’il n’est pas question d’aller se frotter à un de ces drames pénible qui vous ruine le moral en deux temps trois mouvements, un drame mexicain qui plus est! Houlala… un drame mexicain ! Sûr qu’il y aura du plan fixe ! Vous ne croyez pas si bien dire. Le spectateur sera même condamné à rester cloîtré dans l’appartement de l’héroïne sans jamais rien voir du Mexique. Pour l’exotisme et la carte postale, vous repasserez. Faudra vous contenter de voyager entre la cuisine, la chambre à coucher, le salon et les toilettes de l’appartement de Laura. Le spectateur prisonnier de cet univers est un peu comme un lapin ou un ragondin enfermé dans une cage. Il reste là, veille sur Laura sans réellement comprendre ce qui lui passe par la tête. Déjà, il aimerait savoir pourquoi Laura coche le 29 février sur un calendrier. Pourquoi chaque matin, son premier réflexe au réveil est de tracer une croix sur la date du jour. Pourquoi se réjouit-elle plus la fin du mois approche? Que de questions qui restent sans réponse.

Alors, il faut se contenter de suivre avec délice la vie banale de Laura. Célibataire, vivant reclus dans un petit appartement. la jeune femme s’adonne à des activités prosaïques . elle fait la vaisselle, mange des pâtes lyophilisées, regarde la télé, fait pipi, se lave les dents, observe discrètement ses voisins, s’apprête pour aller en discothèque. Laura travaille à distance, comme journaliste, pour une publication. Laura n’attend visiblement pas grand chose de la vie. Quand elle n’écrit pas ses articles, elle parle un peu avec sa mère au téléphone. Elle lui ment, sans doute pour la rassurer. Elle évoque son boulot et son copain. Tout va bien. Tout va bien sauf qu’elle vient d’être viré et que son amoureux est le grand absent du film. Est-ce lui, sur la photo dans ce cadre posé sur la table de nuit à coté du lit de Laura? Il semble un peu âgé pour elle ? Cet homme serait-il son père ? Peut-être ! En tout cas, il n’est pas son frère. Lui, il vient de temps à autre visiter Laura. Elle l’accueille toujours chaleureusement. Elle masque son désarrois. Son jeune frère ne doit pas remarquer à quel point Laura est malheureuse. Et ce n’est pas avec ses coups d’un soir qu’elle va trouver le bonheur. Oui, Laura aime le sexe. Chaque fin de semaine, elle sort en discothèque et ramène inlassablement ses amants bourrés dans son lit d’amour. Ceci dit, entre deux partenaires un peu poussifs adeptes de la levrette pas très stimulante, Laura va rencontrer un soir un homme qui va bouleverser sa vie. 

En effet, au plumard avec Arturo, les choses sont bien différentes. Arturo sait mettre du piment dans leur relation sexuelle. Très vite s’instaure entre eux un jeu sado maso. Et Micheal Rowe de parfaitement décrire, avec une précision époustouflante cette relation de plus en plus ambiguë et malsaine, ce rapport entre dominant et dominé ou la frontière tend progressivement à disparaître. Après moult humiliations, mutilations, scarification, au fil des rendez-vous, la violence de la relation va crescendo. Chacun des protagonistes repousse les limites du possible. Que voilà un jeu amoureux dangereux. Sans le savoir, Arturo s’embarque pour un territoire inconnu, guidé par une Laura de plus en plus manipulatrice. Finalement, le dominé n’est peut-être pas celui que l’on imagine.

Sous ses allures de film de cul mexicain, ANNEE BISSEXTILE parle donc d’autres sujets, nettement plus grave comme la solitude, l’inceste, peut-être même le viol, bref, des arguments massues qui peuvent donner à une jeune femme mexicaine torturée depuis sa tendre enfance, des envies de suicide, envies qui tournent à l’obsession. Ceci dit, il ne suffit pas d’émettre le désir d’en finir avec la vie. Encore faut-il trouver le courage d’orchestrer sa propre mort. Mais doit-on parler de courage? Là n’est pas le sujet du film. Laura a pris sa décision. Un point c’est tout. Monica Del Carmen incarne a merveille cette jeune femme aussi diabolique que boulotte. ANNEE BISSEXTILE repose en entier sur elle, une prestation qui ne laissera personne indifférent. 

L'ENFANCE D'ICARE:

Le dernier film

de Guillaume Depardieu 

La différence entre la vie et la mort, c'est la vie! Cette phrase est tirée du film L'ENFANCE D'ICAR. Un professeur qui ne promet pas la vie éternelle mais seulement de franchir une étape pour y parvenir la prononce en s'adressant à Guillaume Depardieu, acteur aujourd'hui disparu. En effet, L'ENFANCE D'ICAR fut son dernier long métrage. Quelques jours après le tournage, l'acteur devait succomber d'une pneumonie foudroyante. Dans ce film, il incarne donc un type amputé d'une jambe et qui va suivre une thérapie particulière pour tenter de retrouver son membre. La régénération des cellules n'est plus un fantasme mais une réalité. On nage en pleine science fiction, pensez-vous! Pas exactement! Apprécier L'ENFANCE D'ICARE implique au contraire de se jeter corps et âmes dans un film qui touche à un des sujets de prédilection de la SF sans pour autant appartenir à ce genre cinématographique. Que voilà un paradoxe bigrement intéressant. Pour son premier long métrage, le roumain Alex Iordachescu a pris soin de garder ses distances avec la science fiction pour aborder de manière le plus réaliste possible, ce thème de la régénération des cellules. Actuellement, dans des laboratoires, de telles expériences existent. Loin des films à gros spectacle comme THE ISLAND de Micheal Bay ou 2 clones allaient découvrir qu'ils n'étaient pas humains, mais seulement des êtres conçus comme de véritables pièces de rechange pour leur propriétaire, Alex Iordaschescu a donc privilégié la dimension humaine pour amener le spectateur à réfléchir sur notre rapport à la mort. En fait, L'ENFANCE D'ICAR est le premier volet d'un diptyque. Le cinéaste a voulu traiter nos tentatives vaines de lutter contre la dégradation physique. La science fait des promesse qu'elle ne peut évidemment pas tenir. C'est d'autant plus vrai avec le protagoniste principal de ce film car sa souffrance est avant tout d'ordre spirituelle et affective. La science ne peut lui être d'aucun secours. Pour tout dire, Jonathan Vogel a perdu une jambe à la suite d'un accident de la route. L'espoir de retrouver celle-ci renaît dès lors qu'il croise un professeur travaillant sur la régénération des cellules. Ses recherches s'étant avérées fructueuses sur des rats de laboratoire, ses investisseurs lui donnent le feu vert pour expérimenter son traitement sur l'homme. Après examen, il s'avère que Vogel possède toutes les caractéristiques pour suivre cette thérapie. Mais voilà que le rêve de retrouver sa jambe se transforme en cauchemar pour le patient, future victime d'une erreur médicale. 

L'ENFANCE D'ICARE reprend bien évidemment le mythe grec. Depuis toujours, l'homme n'a eut de cesse de désirer la vie éternelle. Mais à force de jouer aux apprentis sorciers, le risque grandit de se retrouver face à face avec sa condition de simple humain, de simple mortel. Et oui, il faudra brûler encore bien des paires d'ailes avant d'entrevoir l'espoir d'une réussite en ce domaine. Le mythe d'Icare aborde aussi l'effet néfaste que peut avoir un conseil ou une interdiction. Dans le film, Vogel file droit à sa perte en suivant aveuglément les recommandations du médecin. Il en est de même lorsqu'il change de cap, et écoute la fille du toubib qui lui interdit de poursuivre le traitement. Alors que faire? Simplement revenir sur terre et continuer à vivre avec ses souffrances en attendant la mort! 

Si sur le papier L'ENFANCE D'ICARE est prometteur, sur l'écran il en est tout autre. Toutes les pistes ouvertes dans le scénario sont automatiquement annihilées par une mise en scène mollassonne et une photographie inadéquate. Une image plus sombre aurait sans doute renforcé le caractère énigmatique des recherches de ce professeur dingo. D'autant que l'un des effets secondaires du traitement a pour conséquence de raviver les traumas du patient qui a perdu sa jambe. Quelle bonne idée, malheureusement mal exploitée. Il est victime d'hallucinations d'une certaine manière. Il y avait là une opportunité de négocier un virage, sans pour autant s'engouffrer sur les chemins du film d'horreur, juste flirter un peu avec ce genre. Toutes ces images du passé qui ressurgissent et angoissent le patient manquent justement de cachet et laisse le spectateur perplexe! En plus, un type plein d'espoir qui devient complètement parano n'aurait pas fait tache dans cette clinique qui ne ressemble en rien à l'image que l'on se fait d'une clinique moderne, aux décors blancs, aseptisés, au mobilier minimaliste. Là encore, c'est une idée excellente. Si on excepte la salle d'examens, on est plus proche de l'hôtel voluptueux de Shining, avec ces décors parfois chargés et ces longs couloirs déserts. Alors on guette Jack Nicholson, mais il ne vient pas! Sans s'attendre à une mare de sang, on souhaiterait juste un soupçon de folie supplémentaire de la part du docteur joué par Carlo Brandt (un rescapé de la bande à Astier de Kaamelott). En guise de cela, on doit se fader un toubib qui manque sérieusement de conviction. On a de la peine à croire qu'il est prêt à sacrifier son cobaye pour le bien de la science! Il est trop sur la réserve, pas assez arrogant, même pas cynique, autant dire, trop lisse et sans faille pour un chercheur obnubilé par le résultat de son expérience. 

Autre bonne idée mal exploité, la relation confuse qu'il entretient avec sa fille, pas assez tordue, pas assez trouble. Elle est incarnée par Alysson Paradis, la sœur de Vanessa, actrice en devenir paraît-il! Amoureuse secrète de Vogel, elle est prête à lui ouvrir les yeux au péril de sa vie. Dire enfin que le choix de Guillaume Depardieu pour jouer le patient n'est pas anodin, rapport à son parcours personnel. Il se murmure d'ailleurs que Alex Iordaschescu a accepté de modifier son scénario en fonction des remarques faites par Depardieu fils. L'idée était d'ôter le plus de dialogues possible pour laisser s’exprimer le corps. Le corps qui souffre, qui somatise. A ce petit jeu, Guillaume s'avère un excellent cobaye. Sa prestation est remarquable. Dommage qu'il ne puisse pas participer au deuxième volet de ce diptyque. Il aurait pu composer un parfait astronome qui tombe amoureux d'une femme après avoir aimé uniquement les étoiles! 

LE FILS A JO:

un essai raté 

Si les Ch'ti du nord de la France ont leur Danny Boon, les basques et les landais du sud-ouest ont leur Philippe Guillard! La différence majeur entre les deux homme, c'est que l'un comique, showman, scénariste et acteur est un réalisateur à succès. L'autre, journaliste sportif entend peut-être suivre le même chemin de la gloire. Oui, Philippe Guillard , un commentateur de match de rugby qui embrasse une carrière de cinéaste, c'est un peu comme si un cinéaste reconverti en tavernier rêvait de décrocher 3 étoiles au guide Michelin. Pour être tout à fait clair et poursuivre sur la métaphore culinaire, LE FILS A JO est au cinéma ce que le couscous Garbit et la pizza Sodebo sont à la gastronomie: de la pure gerbe! Avec son scénario cousu de fil blanc, Philippe Guillard entend vous faire rire en enfilant les clichés les uns derrières les autres. Il aimerait surtout vous faire prendre conscience que les valeurs véhiculées dans le rugby sont tellement bonnes qu'elles doivent servir de modèle de vie. Pourquoi pas. C'est vrai que l'esprit d'équipe, la camaraderie ont toujours été préférable à l'individualisme. Pour s'épanouir, l'individu doit pouvoir compter sur des amis, et surtout, il doit s'effacer au profit du collectif. C'est ça la stratégie gagnante dans la vie, une tactique que Philippe Guillard n'a pas employé. S'il s'était effacé pour de bon, s'il avait laissé l'écriture du scénario, la réalisation, la mise en scène de son film à des gens de son équipe dont c'est le métier, peut-être que LE FILS A JO aurait eut une chance de ne pas devenir une de ces sinistres productions dénuées d'originalité et calibrées pour le petit écran. 

Jugez par vous même. Un père veuf, célibataire endurci, petit fils d'une légende du rugby, fils d'une légende du rugby et lui même légende du rugby, Jo Canavaro élève seul son gamin de 13 ans, Tom, dans un petit village du Tarn. Chez les Canavaro, on taquine le ballon ovale depuis toujours. Tom ne dérogera pas à cette règle. Le problème, c'est que le môme, pas très doué pour le rugby, préfère les mathématiques. Bien sur, son père ne veut rien entendre. Il est hors de question que la légende des Canavaro s'arrête. Tom va devoir vaincre sa peur du plaquage. Et ce n'est pas parce qu'il va se faire recaler aux sélections régionales, que Tom ne va pas pouvoir diriger une équipe de bras cassés montée par Jo. Et oui, il a la tête dure papa Canavaro. Si son fils doit jouer au rugby, il jouera au rugby. Point.

Voilà pour le pitch de ce film qui parle évidemment d’une relation père fils pas toujours évidente. C’est sur que d’élever sa progéniture, quand on est borné et que l’absence de la mère se fait sentir, ce n’est pas facile. Bien sur, comme on est au cinéma dans un mauvais film, il est aisé d’aider Jo pour qu’il s’adoucisse. Il est facile de lui refiler un petit coup de pouce en mettant sur sa route une femme, LA femme, un belle brune british (Karina Lombard). Mais pour un ancien joueur de rugby de la stature de Jo, fricoter avec une ‘rosebeaf’, c’est un peu trahir la France et rejoindre l’ennemi! Mais pas d’inquiétude, cette relation houleuse se transformera forcément en une amourette délicieuse. 

Pour parfaire le tableau, vous ajoutez un ami de la famille un peu con mais profondément attachant, ainsi qu'un vieux camarade un peu menteur mais toujours là quand on a besoin de lui, et vous obtenez un film qui possède tous les atouts des comédies ennuyeuses. Les dialogues sont d'une platitude à mourir, quand aux situations, elles n'ont rien de burlesque. 

En plus, il y a ce nom en haut de l'affiche qui devrait suffire à vous retenir d'investir votre argent dans une place de cinéma: Gérard Lanvin! Doit-on rappeler que l'association Lanvin et comédie est en général synonyme d'infâme niaiserie? Il est loin le temps ou le frère pétard marchait à l'ombre avec ses meilleurs copains! Depuis, l'acteur a participé activement à écrire les pires heures de la comédie à la française: CAMPING, LES PARRAINS, SAN ANTONIO... Que voilà un lourd héritage à trimballer! Ces fans répliqueront à juste titre que récemment, ENVOYES TRES SPECIAUX, un film dénonçant les journalistes escrocs de terrain qui n'y sont pas sur le terrain, était très bien. C'est vrai. Sans mauvaise fois aucune, j'ajouterais volontiers que ERREUR DE LA BANQUE EN VOTRE FAVEUR, une satire du monde des banquiers qui empapaoutent les petites gens, était lui-aussi un film d'excellente facture de Munz et Bitton. Et pour rester dans le sport, même 3 ZERO, décrivant l'univers impitoyable des agents de footballeur possèdait un certain panache. A croire que le foot réussi mieux à Gérard Lanvin! Parce que là, on parle en effet du FILS A JO, un en-avant évident, un essai raté, un tir à 3 points loupé, un drop manqué, un film à chier avec Olivier Marchal pour incarner le partenaire ami de Gérard Lanvin. Oui, l'ex-locataire du 36 quai des orfèvres, l'ancien flic qui écrit et réalise des polars à l'atmosphère poisseuse a rejoint cette comédie. Quelle drôle d'idée pas drôle! Notez que les 2 hommes, Lanvin et Marchal vont se retrouver prochainement dans LES LYONNAIS, une comédie policière sur le gang des saucisses! Non je déconne, il s'agit d'un polar, un vrai. Marchal va revenir à ce qu'il sait faire. Lanvin aussi. Quant à Philippe Guillard, il est déjà retourné à son activité première, au bord des stades à commenter des matchs de rugby, et ça, c'est une très bonne nouvelle pour le cinéma!

GREEN HORNET:

pas très piquant!

Michel Gondry en a fini avec les films imaginatifs, inventifs et surréalistes. Désormais, il fait dans ce qui pourrait devenir une franchise lucrative, dans le divertissement, la machine à vendre du pop, le bastringue infernal à divertir. Bref, si vous avez adorer des films comme LA SCIENCES DES REVES ou autre ETERNAL SUNSHINE OF THE SPOTLESS MIND, si vous avez halluciné sur le bricolage insensé façon BE KIND REWIND, vous devriez rester perplexe, voir dubitatif devant GREEN HORNET. Pas d'erreur, ce film marque un tournant radical dans la carrière de Michel Gondry. Que voulez-vous! Il est comme ça. Il aime être là ou on ne l'attend pas, ne jamais faire la même chose, fuir la monotonie quitte à reprendre une comédie d’action grand public avec beaucoup d’effets spéciaux, un projet maudit vieux de 15 ans et sur lequel de nombreux cinéastes se sont cassés les dents. GREEN HORNET a en effet été lancé au siècle dernier avant d'être annulé. Le roi des arts martiaux, Stephen Chow, longtemps pressenti pour diriger l'entreprise a fini par capituler devant les exigences débiles de celui qui devait incarné le Frelon Vert, le cachetonneur le plus célèbre d'Hollywood, un certain Nicolas Cage! Et dire qu'il voulait donner au Green Hornet un accent jamaïcain! De quoi faire se retourner dans son caveau Bruce Lee! Et oui, on ne l'a pas dit mais le Frelon Vert a sorti son dard pour la première fois dans les années 40 à la radio. Dans les sixties, le feuilleton radiophonique a été transposé à la télévision et c'est comme ça que Bruce Lee s'est fait connaître en incarnant le bras droit du frelon vert. C'est la particularité de GREEN HORNET. Il s’agit de la seule série de super héros ou le Side Kick, le partenaire, était plus connu et apprécié que le héros qu'il accompagnait. 

Notez que Gondry à la tête du Frelon Vert, quand on y réfléchit bien, ce n'est pas une si mauvaise idée. Bien au contraire. Il a pu imposer sa griffe, obligé les producteurs à intégrer les trucages au moment du tournage des scènes, limitant au maximum l'incrustation d'effets spéciaux, pour permettre aux acteurs de réellement jouer leur partition sans avoir à imaginer, à fantasmer les scènes. Gondry a du aussi faire des concession, accepter notamment de filmer en 3D. Au passage, la 3D n'apporte rien, comme d'hab. C'est de l'escroquerie pour vous vendre une paire de lunette et une place sur-taxée. Oui, si vous avez le choix, optez pour une projection 2D si ça existe. Vous ne le regretterez pas. Les gags de Seth Rogen, les chorégraphies de Jay Chou et les seins de Cameron Diaz ont suffisamment de relief pour être apprécié en 2D classique. 

C'est en effet ce trio magique qui officie dans ce film de super héros légèrement différent des standards du genre. Et l'alchimie entre eux est plutôt bonne. Pour une fois, le supergrave qui jadis était puceau à 40 ans chez Judd Apatow offre une prestation honnête, pas désagréable, en tout cas pas aussi agaçant qu'à l'accoutumée. Rien à dire sur Caméron Diaz qui incarne une blonde pas potiche, à la cervelle bien remplie, une criminologue qui sait sortir la boite à claque quand il le faut et qui s'avère un atout malgré elle pour aider le frelon vert dans sa tâche. Quant à Jay Chou, il est la révélation du film. Originaire de Taiwan, celui qui cartonne au box office asiatique, que ce soit dans des Shaolin Basket ou tout simplement dans la chanson, s'offre une sortie tout à fait convaincante sur le sol de l'oncle Sam. M’est avis qu'il entame là une grande et belle carrière américaine.

Pour tout dire, GREEN HORNET commence par une scène ou un papa humilie son fils. 20 ans plus tard, on retrouve le fiston qui a grandit dans une scène hommage à Nespresso. N'oublions pas que la saga What Else est l'œuvre de Michel Gondry. Dans un lit, Seth Rogen se réveille aux cotés d'une belle inconnue. Il joue les Georges Clooney grassouillet dégustant son café avec un nuage de lait en forme de feuille dans la tasse, du grand art. En fait, ce fils à papa savoure la vie. Il craque le pognon de son philanthrope de père, un riche propriétaire d'un journal. Mais ce grand dadet qui ne pense qu'à festoyé se trouve au pied du mur le jour ou son papa décède. il doit reprendre le journal. Il n'a pas le sens des affaires, encore moins celui des responsabilité. Quant au journalisme, inutile de souligner que ce n'est pas son truc. C'est un grand ado pas tiré d'un roman d'Yverdon celui-ci! Non, juste un grand crétin prétentieux, imbu de sa personne, et qui n'a pas grandit. Détestant son père plus que tout, il va un soir organiser une opération commando pour couper la tête de la statu de bronze qui trône devant sa tombe. Il est aidé d'un comparse, ancien major d'homme de son père. Cet expert en art martiaux est surtout un roi de la bricole. Il a construit une machine à café formidable ainsi qu’une putain de bagnole qui a de la classe, bourrée de gadgets impressionnants et d'armes en tout genre, une voiture baptisée Black Beauty. 

Le soir de leur expédition crapuleuse, les 2 hommes sauvent la vie d'un jeune couple à qui des loubards cherchaient noises. La montée d'adrénaline est telle que les 2 gars se rêvent déjà en super héros débarrassant la ville de ses criminels. Le problèmes, c'est qu'ils ont eut maille à partir avec la police et au vue des dégâts qu'ils ont causé, le lendemain les journaux télévisés les présentent comme de véritables voyous! Personne ne signale qu'ils ont commis un acte héroïque. Tant mieux s'esclaffe le fiston mal aimé. Nous allons nous différencier des autres super héros... Nous ne porterons pas de collant ridicule, pas de cap lamentable et nous ne serons pas de gentils héros transperçant le crime. C'est trop con des gentils héros. Les gens ont l'habitude. Il faut apporter une pointe de nouveauté. Nous, nous serons des méchants super héros. Nous ferons le mal tout en le combattant! Et voilà comment les 2 types se lancent dans cette croisade ambitieuse, chasser les criminels en se forgeant une image de vilains garçon. Le Green Hornet est ainsi né, Green Hornet ou frelon vert en hommage au père tué par une piqûre d'abeille et à une photo de caméra de surveillance verte ou on le voit détaller à toute vitesse. Arborant des masques de fer, des nerfs pas toujours d'acier mais une volonté de mener à bien leur mission coûte que coûte, le frelon vert et son accolyte trouveront sur leur chemin un certain Hémoglobiniosky, celui qui voit rouge. Ce méchant est incarné par le nazi d'Inglorious Bastard récompensé d'un prix d'interprétation masculine à Cannes, un certain Christoph Waltz. Il est impeccable lui-aussi.

THE GREEN HORNET, c'est pas le film de l'année, c'est pas non plus ce que Michel Gondry a fait de mieux dans sa vie, mais ça reste un divertissant film d'action avec pas mal de pétarades, des gadgets sympa, un scénarios basique et des acteurs qui s'éclatent. Finalement, le cahier des charges est rempli et Michel Gondry peut désormais passer à tout autre chose pour de nouveau surprendre son public.

HONEYMOONS,

des lunes de miel aux allures de gueule de bois 

Peut-être avez vous en mémoire cette tragi-comédie parfois aux limites du burlesque, BARIL DE POUDRE de Goran Paskaljevic, un film explosif qui se déroulait sur une nuit, à Belgrade et donnait l'occasion au cinéaste de montrer des destins de gens ordinaires, d'étudier en quelques sortes les états d'âme des ex-yougoslaves. A l'époque, le film avait bénéficié d'un réel succès critique. Entre temps, le cinéaste s'est éloigné de l'histoire de son pays pour poser ses caméras en Irlande via MON CHER ENNEMI. Il est revenu en Serbie le temps d'un drame, le rapprochement entre une bosniaque, sa fille autiste et le propriétaire serbe de la maison que les 2 femme squattaient avant le retour au pays de cette homme près à reprendre sa vie d'avant la guerre. LE SONGE D'UNE NUIT D'HIVERS était sorti en catimini en 2006. En tout cas, ces deux films étaient un ton en dessous du premier qui avait fait si forte sensation. Autant dire que l'on guettait sa prochaine réalisation avec impatience. Et bien cette longue attente est enfin récompensée avec la sortie en salle de HONEYMOONS traduit par LES VOYAGES DE NOCES, un film prenant, émouvant, pas spécialement burlesque, comme si Goran Paskaljevic avait définitivement perdu son sens de l'humour. 

Ici, il nous compte deux histoire en parallèle. Il y a d'abord ces bosniaques qui descendent de leur village pour assister à un mariage dans la ville voisine de Tirana. Cette famille est sans nouvelle de l'ainé. Celà fait 3 ans qu'il est parti clandestinement pour l'Italie. Depuis, personne ne sait ce qu'il est devenu. La mère s'accroche à l'espoir de le revoir un jour. C'est pour cela qu'elle est décidée à continuer à héberger sa future belle fille tant que son fils n'aura pas réapparu. C'est aussi la tradition qui veut ça d'autant qu'en plus, la fille a été répudiée par sa famille. Mais il y a anguille sous roche car elle est désormais amoureuse du frère du disparu, un amour réciproque. Ces deux là n'ont d'autre choix, pour vivre leur vie en paix que de s'expatrier en Italie. Ça tombe bien, une fois à Tirana , ils auront des visa en règle.

Pendant ce temps, à Belgrade, un couple de jeune marié en cachette explose de joie. Le mari violoncelliste est invité à Vienne pour passer une audition et peut-être intégrer l'orchestre philharmonique. Avant le départ prévu le lendemain, sa femme décide de retourner dans son village natale. Elle est invité au mariage de sa cousine. Arrivé sur place, c'est la désolation. Le père de la future mariée et son frère , autrement dit, le père de la déjà mariée ne se parlent plus depuis aum moins 10 ans. Chacun, après la guerre, a choisi son camp au moment des élections. Pendant que l'un a faitr fortune, l'autre s'est enfoncé dans la pauvreté et la dépression. N'empêche que le mariage fastueux aura tout de même lieu, peu importe que le grincheux reste seul dans son coin.

Finalement, au terme d'une journée chaotique pour les deux couples, chacun embarquera à bord d'un train ou d'un bateau, avec de bonnes raison de ne plus jamais revenir en Bosnie ou en Serbie... .Quoique, c'est sans compter sur le racisme des douaniers, qu'ils soient italiens ou hongrois. Ils se pourraient bien en effet que les envies de bonheur des deux couples soient contrariées pour de bon.

LES VOYAGES DE NOCES, un film qui montre très bien que les blessures ne sont toujours pas refermer. Les serbes détestent les bosniaque et inversement. Et ce n'est pas parce qu'ils parviennent à traverser la frontière les menant à l'intérieur de l'espace de Shengen que leur problèmes disparaissent. Au contraire, il suffit que sur leur passeport il y ait un tampon kosovar pour que les douaniers leurs cherchent des noises. Dans ce drame, Goran Paskaljevic ne prend pas parti, ni pour les serbes, ni pour les bosniaque. Il se contente de marteler que nous sommes tous égaux devant la bêtise, devant l'aveuglement. En effet, les préjuger, la fierté sont autant de tares qui empêchent de guérir certains maux. Il parle du poids des traditions, parfois stupides, de la difficulté à vivre dans des villages isolés sans téléphone, de l'incompréhension qui règne entre les habitants des villes et des montagnes, mais aussi de l'espoir qui habite une jeunesse, pas tous les jeunes, seulement une frange, un peu plus érudit que la norme. LES VOYAGES DE NOCES n'est toujours pas le grand film que l'on attend de Goran Paskaljevic depuis son BARIL DE POUDRE malgré une mise en scène soignée, une diorection d'acteur et un casting impeccable. Manque peut-être cette pointe d'ironie qui faisait la cachet de son premier long métrage. 

THE NEXT THREE DAYS:

Le remake US

de POUR ELLE 

Ce thriller n'est rien d'autre que le remake de POUR ELLE de Fred Cavayé. Un excellent films. D'ailleurs, force est de constater que pour une fois, remake et original sont du même calibre. Impossible de soutenir le contraire à moins de faire preuve d'une totale mauvaise fois. Avantage tout de même au frenchie Cavayé, qui a incontestablement de l'avenir à Hollywood. N'en déplaise aux chipoteurs qui n'ont de cesse de chipoter sur les français amoureux fous de cinéma américain. Quand ils essayent de copier leurs alter égo de l'autre coté de l'atlantique, ils font de mauvais films clament les chipoteurs! Et pour cause, en France, on 'a pas la culture du film d'action musclé. C e n'est pas dans les gènes. Et puis, les moyens techniques et financiers sont tellement plus limités qu'il ne sert à rien de tenter de rivaliser. Faux! Archi faux, et Fred Cavayé est l'exemple vivant que non seulement les français peuvent faire du cinéma à l'américaine, mais en plus, ils peuvent dépasser leurs maîtres.

Dans le cas présent, se pose même la question de sa voir pourquoi Paul Haggis s'est lancé dans ce remake plan par plan, un copier collé au découpage rigoureusement identique à une scène prêt. Pourquoi refaire un très bon film français, si parfait? Ben sans doute parce que une bande annonce qui dirait: Come and see POUR ELLE with Vincent Lindon and Diane Kruger, ça n'attire pas les foules aux states! Par contre, avec un titre et un casting différent, on peut espérer faire exploser le box office. THE NEXT THREE DAYS with Russel Crowe, THE NEXT THREE DAYS from Paul Haggis the director of CRASH and IN THE VALLEY OF ELLAH, ça sonne déjà mieux! Quoique le box office ferait plutôt la tronche! En effet, le film, qui a coûté 35 millions de dollars sur sol américain n'en a rapporté à ce jour à peine plus de 20! C'est pas le grand bouillon, mais ça y ressemble!

Et pourtant, ce remake est d'honnête facture. Des flics débarquent dans l'appartement d'un couple marié, sans histoire. Ils élèvent leur enfant et on imagine qu'ils mènent leur barque paisiblement. Malgré tout, la police arrête la femme, lui passe les menottes et l'expédie en prison au motif qu'elle a tué quelqu'un dans un parking sous terrain. Toutes les preuves l'accusent. 2 ans plus tard, toujours incarcérée, son mari apprend que le dernier recours possible pour la faire libéré est épuisé. Alors, par amour pour sa femme, et parce qu'il sait qu'elle est innocente, cet homme va emprunter des voix pas très légales pour la faire évader.  

Si THE NEXT THREE DAYS et POUR ELLE racontent tous deux cette histoire, on peut signaler quelques différences entre les 2 versions. D'abord, Paul Haggis a la fâcheuse tendance a étirer toutes les scènes. Il les commence plus tôt et les coupe plus tard. Il injecte aussi de faux rebondissement lors de l'évasions, pas spécialement trépidants. Et puis il ne peut pas s'empêcher d'ajouter également des séquences qui auraient pu être tirées du Petit Braqueur Illustré. Si vous n e saviez pas que l'on pouvait forcer la serrure d'une porte de voiture avec une balle de tennis percée, et bien vous voilà au courant! Mais la différence fondamentale concerne la culpabilité de cette femme. Face à un tel scénario, soit on s'appelle Fred Cavayé et on évacue le doute dès le début. Soit on s'appelle Paul Haggis et on joue la carte du suspens! Le problème, c'est que Paul Haggis n'insiste pas assez sur cette culpabilité ou non de l'héroïne. Donc, le spectateur fini par s'en fiche et même par oublier pourquoi cette femme est emprisonné, et ce qu'on lui reproche. En attendant la fin pour annoncer le verdict, Paul Haggis est obliger d'allonger la sauce. Il fait durer le plaisir et d'un film initial de 1h40 rythmé, intense, arrive à un film de 2h15 au peu moins électrique, avec une fin qui n'en fini plus extrêmement pénible. Insupportable également les partitions de Danny Elfman qui sort les violons et les chœurs insoutenables...beuurk! La bonne option était incontestablement celle prise par Fred Cavayé.

Dire encore que Vincent Lindon est plus juste que Russel Crowe. Même si le musclor australien a posé ses biceps dans sa loge, il reste beaucoup trop balaise pour être crédible. Avec sa tronche de mauvais garçon, il est très difficile de croire qu'il aura de la peine à entrer dans le milieu des vilain. Il manque de fragilité.

Enfin pour ce qui concerne les moyens techniques, il est vrai que là ou Fred Cavayé ne bénéficiait que de 3 gendarmes à pieds pour la course poursuite du film, Paul Haggis peut compter sur des voitures de flics et des hélicoptères... ça ne change finalement pas grand chose. car Paul Haggis n'est pas Tony Scott. C'est un auteur, pas un un réalisateur de films d'actions spectaculaires! Son truc, c'est la psychologie, sans doute pour cette raison qu'il a flashé sur le scénario de POUR ELLE. En conclusion, si vous n'avez pas vu POUR ELLE, laissez-vous tentez par THE NEXT THREE DAYS. Pour les autres, passez tout droit! 

SOMEWHERE:

le lion d'or de la mostra,

un lion pas très rugissant!

C'est curieux comme parfois, dès la première image d'un film, on peut être traversé par une étrange sensation. La réalisatrice n'est pas celle qu'elle prétend, Ce film n'est pas le sien.

Il montrait le désespoir d'un homme désireux d'oublier la femme de sa vie. Le temps d'un road-movie à moto, il allait papillonner de fille en fille pour finalement se rendre compte qu'il lui était impossible d'oublier son véritable et unique amour. BROWN BUNNY, film formidable, interdit aux mineurs lors de la sortie en salle pour cause de fellation en gros plan. Vous me direz que dans SOMEWHERE il n'y pas de trace de zizi! Non, mais tout de même, on assiste à une scène très hot avec bouffage de tarte aux poils, ce qui revient à peu près au même! En plus, la jeune héroïne de SOMEWHERE s'appelle Cléo, un prénom très proche de celui de l'actrice principale de BROWN BUNNY, Cloé Sévigny, « une grosse salope qui joue comme une merde », avait déclaré Vincent Gallo au moment de la promo de son film! Et encore, à la place de salope, il avait employé un terme plus rude qui commence par pu et fini par te. 

Enfin bref, BROWN BUNNY débute donc sur un plan fixe interminable. Un mec fait des tours de moto sur un circuit. Figurez-vous que SOMEWHERE débute exactement de la même manière à la différence près qu'une Ferrari a remplacé la moto. Plan fixe donc sur cette automobile qui entre et sort alternativement du champ de la caméra. Des tours de pistes à prendre évidemment comme une métaphore, celle de la trajectoire d'un homme qui visiblement tourne en rond. Au bout de quelques tours, la voiture s'immobilise au premier plan. La conducteur descend et reste là, debout, figé devant le capot de son auto, pensif. Nous voilà donc parti pour 1h40 de vide. C'est là tout le génie de Sofia Coppola qui réussi a filmer le vide, le creux, le rien, la désolation, l'ennui sans pour autant ennuyer son spectateur. 

Certes, cette entreprise audacieuse peut irriter le spectateur lambda, avide d'action. Mais le curieux, désireux de se frotter à un film ou l'inaction est reine sera comblé. Il s'enthousiasmera devant ce long métrage ou le superflu n'a pas sa place. C'était d'ailleurs le leitmotiv lors de la production du film: pas de chichi dans le script, pas de fanfreluche dans la mise en scène, pas d'éclairages compliqués, du plan fixe en rafale, des mouvements de caméra réduits au minimum, pas trop d'acteurs, pas trop de dialogues, bref, l'essentiel.... « il fallait aller à l'essentiel, mettre le moins de trucs possible à l'écran », dixit Roman Coppola, le frère de Sofia accessoirement co producteur du film. Sofia Coppola va donc en agacer plus d'un avec cette philosophie, ce concept très 'hype'. D'aucun vous dirons certainement qu'elle ne mérite pas sa réputation. Cette fille de... ne pourrait sans doute pas faire de film si son Parrain de papa n'était pas. Sans doute qu'elle galèrerait un peu plus, c'est exact, mais le cinéma serait alors orphelin de quelques films tout de même bien sentis.

Regardez VIRGIN SUICIDE ou LOST IN TRANSLATION! Sans crier aux chefs d'œuvres, on peut aisément parler de réussites. Certes, on lui pardonnera sa MARIE ANTOINETTE rock n roll qui manquait sévèrement de peps. C'est vrai qu'à part filmer des macarons, le film n'était pas terrible. Vous me direz que désormais, elle filme des macaronis au cheddar! Ca change un peu! Ben oui, mais qu'est-ce que vous voulez, quand on veut raconter la vie banale d'un type désabusé, blasé, qui s'ennuie, forcément qu'à un moment donné, vous allez vous retrouver dans une cuisine à filmer sa recette! Faut bien imprimer de la pellicule! Donc, dans SOMEWHERE, Sofia Coppola se focalise sur un acteur dans le creux de la vague. Il est interprété par Stephen Dorf, un gars qui a connu une curieuse carrière, en dents de scie. Il a débuté dans un épisode de la série ARNOLD ET WILLY. Il a été le 5ème Beatles dans BACKBEAT. Dans BLADE, il dirigeait une troupe de vilains vampires qui en voulaient à Wesley Snipes. Stefen Dorf a partagé sa carrière entre flops retentissants, films confidentiels et longues éclipses. Ce n'est que récemment qu'il s'est refait une santé en apparaissant dans WORLD TRADE CENTER et PUBLIC ENNEMIES. Sa présence dans SOMEWHERE sonnait donc comme une évidence. Stephen Dorf ne joue pas, il est le personnage. Et Sofia Coppola de montrer en réalité ce qui se cache derrière les strass et les paillettes. On s'est tous demandé, commun des mortels, à quoi pouvait bien ressembler la vie d'une star de cinéma, blindé de thune. La réponse est dans SOMEWHERE. A force d'avoir tout ce qu'il veut, cet homme s'ennuie. Il vit dans un hôtel de luxe chargé d'histoire, le château Marmont, lieu mythique situé sur le Sunset Bd, un endroit ou les stars aiment à se retrouver pour faire la fête. John Belushi y est mort le 5 mars 1982 d'une overdose...

Stephen Dorf, alias Johnny Marco dans le film est locataire du château Marmont. Beau gosse, sympa, il se tape les nanas qu'il veut, des danseuses jumelles de Play Boy ou des tops-models. Fêtard invétéré, il picole, baise, dort, mange et se laisse materner par son agent. Bref, la vie d'une vedette, c'est un peu chiant à la longue. Ce blasé, atteint du syndrome Bill Muray dans LOST IN TRANSLATION va ceci dit voir sa routine interrompue le jour ou sa femme le plaque et lui demande de s'occuper de leur fille. Fini la vie dissolue! Le voilà obligé de jouer le rôle de sa vie, celui de papa! Grâce à sa fille, cet homme comprend finalement le vrai sens du mot bonheur. Celà n'a rien à voir avec l'argent, le stupr et les coups d'un soir. Le bonheur c'est aimer une femme, chérir un enfant et recevoir tout cet amour que l'on donne en retour. SONMEWHERE n'est finalement rien d'autre que ça, un film tout en lenteur sur le sens du bonheur. 

LE VOYAGE

DU DIRECTEUR DES RH :

Un trip un peu mou

Eran Riklis signe une tragi-comédie qui a pour théâtre, au début du film, la plus grande boulangerie industrielle de Jérusalem. Gros plan sur un homme, le directeur des RH. Ce type déteste son travail. Il s'ennuie dans son job, s'ennuie dans sa vie. Sa femme est d'ailleurs sur le point de le quitter, quant à sa fille, elle lui tire la tronche, lui reprochant ses absences répétées. Bref, ce type n'est pas à la fête. Et ce n'est pas le scénariste de cette histoire Noah Stollman qui va arranger ses affaires. Parenthèse, le film est adapté d'un roman.

Donc, cet trimballe son spleen comme il peut. Un soir, alors qu'il est sur le point de quitter son bureau, un fax arrive. Il l'intercepte. Il s'agit de la copie d'un article de presse qui doit paraître le lendemain matin. Une des employées de la boulangerie, une ouvrière étrangère, aurait trouvé la mort lors d'un attentat suicide commis trois semaines plus tôt. A ce jour, personne n'aurait réclamé le corps, pas même l'entreprise pour laquelle elle travaillait, en l'occurrence la boulangerie. Dans l'article, l'auteur accuse vertement cet établissement d'inhumanité et d'indifférence. Stupeur en haut lieu. Il faut rectifier le tir, sa racheter une conduite car il y a tout de même 300 000 clients à satisfaire. Un telle nouvelle va évidemment ternir l'image de l'entreprise et risque d'offusquer les clients.. Il ne le faut pas. Et voilà comment la patronne mandate ce directeur des RH pour mener une enquête avant d'offrir des funérailles digne de ce nom à la morte. Déjà, il faut vérifier les dires du journaliste. Avec cet corporation, on ne se méfie jamais assez! Et si l'article était complètement faux! Au grand damne du directeur des RH, ce qui est écrit n'est rien d'autre que la vérité. Commence alors pour lui un périple semé d'embûches. Il doit en effet accompagner la dépouille auprès de sa famille. Ce voyage le conduira dans un village perdu, isolé au milieu de nul part dans un ex pays soviétique. Ce qu'il n'avait pas prévu, c'est que son voyage durerait au moins une semaine, de quoi détériorer encore un peu plus ses relations avec sa femme et sa fille. Il se retrouve en tout cas à la tête d'un convois insolite, improbable avec à ses coté, le fils rebelle de la défunte, le journaliste photographe casse pied auteur de l'article, une consul excentrique, un chauffeur de camion sans permis de conduite et bien évidemment, un cercueil!

LE VOYAGE DU DIRECTEUR DES RH, un road-movie qui peut en rappeler un autre, d'un autre cinéaste: KILOMETRE 0 de Hinner Salem, le parcours à travers le désert irakien d'un soldat kurde et d'un chauffeur arabe, un duo burlesque devant ramener à sa famille le corps d'un martyr de la guerre irakien. Très inventif, ce film haut en couleur multipliait les farce et les gags. Le rire était de rigueur. Rien à voir avec LE VOYAGE DU DIRECTEUR DES RH! Certes on sourit parfois mais Eran Riklis n'est pas un comique. Ce cinéaste israélien est un humaniste avant tout. Se refaire LES CITRONIERS son précédent film avec Hiam Abbas, film ou il dénonçait avec brio et talent l'absurdité du conflit israélo-palestinien. Avant cela, il s'était attaqué à l'a débilité de la bureaucratie kafkaïenne dans son pays avec LA FIANCEE SYRIENNE. Désormais, dans sa ligne de mir, l'anonymat de la société moderne dans laquelle on vit. Aujourd'hui, on croise des gens. On se dit à peine bonjour. On croit se connaître et puis en fait pas du tout! C'est d'autant plus vrai au sein d'une grande entreprise. On n'est finalement rien d'autre qu'un numéro, une fiche de paye. On peut décéder du jour au lendemain et personne ne s'en rend réellement compte. Personne ne s'interroge. On continue même de verser un salaire à une morte! Alors bien sur, quand la bourde apparaît au grand jour, on est gêné. On se plie en quatre pour faire le bien, rattraper cette erreur mais cela ne suffit pas! Voilà ce que dit sur un ton léger, ce film classique et soigné de Eran Riklis, LE VOYAGE DU DIRECTEUR DES RH, un long métrage qui reste agréable à regarder, sans plus.

Encore un Baiser:

un petit smack plutôt qu'une grosse galoche!

10 ans après L’ULTIME BAISER qui apparemment n’avait rien de définitif, la suite, le nouveau film de Gabriele Muccino intitulé ENCORE UN BAISER, est donc sorti au cinéma, un baiser qui n’est pas une pelle de la mort, encore moins une bonne grosse galoche gouleyante et dégoulinante ou l’on se prend la bouche à pleines dents. Non! Le baiser en question est autrement plus emprunt de romantisme et de délicatesse que cela. On parle bien d’un film de Gabriele Muccino et pas d’un long métrage destiné à la VOD pour adulte.

Pour préciser le CV de ce metteur en scène italien renommé, il faut souligner que le carton au box office italien de son ULTIME BAISER lui a ouvert les portes d’Hollywood et surtout celles de la maison de Will Smith. Ensemble, ils ont collaboré sur le drame A LA POURSUITE DU BONHEUR et sur SEPT VIES, film ou Will cherchait la rédemption en modifiant le vie de 7 personnes. Malheureusement, son plan allait tomber à l’eau en même temps qu’il tombait amoureux de Rosario Dawson, la belle cubaine vu récemment en boss des CFF dans UNSTOPPABLE. SEPT VIES, un film aux portes de l’échec puisqu’il n’a rapporté que 5 fois son investissement, pas assez pour Hollywood; en tout cas en comparaison au 1^er film américain de Muccino qui avoisinait les 360 millions de chiffres d’affaire pour un coût de seulement 55 millions! Et voilà qui explique sans doute ce retour au bercail de Gabriele Muccino, une explication plus convaincante que celle qu’il distille ça ou là. Son désir de renouer avec la comédie romantique italienne l’aurait poussé à revenir dans son pays. Il avait dit-il une énorme envie de reprendre des personnages qu’il avait côtoyé 10 ans plus tôt pour essayer de voir ce qu’ils auraient pu devenir. Les mauvaises langues penseront plutôt que son égo avait envie de se refaire une santé en retentant le coup de maître réussi 10 ans plus tôt avec L’ULTIME BAISER. Et voilà donc comment il a signé la suite des aventures de Carlo, Marco, Paolo, Adriano, Alberto et les autres.  

A quarante ans, on fait son bilan. Et on commence à regretter d’avoir plaqué l’unique amour de sa vie. Qu’est-ce qui a bien pu déconner pour que cet être tant aimé se métamorphose en être si détesté ? A quarante ans, quand on pense être stérile et qu’on a un besoin de maternité grandissant, on envoie tout bouler pour roucouler dans les bras d’un jeune éphèbe, quitte à blesser l’homme de sa vie. A quarante ans, on perd la tête quand on se fait plaquer. A quarante ans, on regrette de n’avoir pas assumé ses responsabilités de papa quand il le fallait. On mesure sa lâcheté. On sait que l’on ne rattrapera jamais le temps perdu avec ce fils, cet étranger qui vous rejette aujourd’hui. A quarante ans, on refuse parfois l’évidence, hésitant à s’abandonner dans les bras de celui que l’on aime, quitte à ouvrir les yeux et son cœur beaucoup trop tard. A quarante, on est parfois bipolaire. On vit avec sa mère et on a de la peine à faire comprendre à la femme que l’on aime à quel point on voudrait qu’elle s’engage pour de bon. A quarante ans, on peut ceci dit encore rêver de se tirer de là, et de réaliser son rêve, son envie de vivre avec des indiens au bord d’un fleuve en Amérique du Sud. C’est un peu la morale du film. Dans la vie, il faut savoir prendre son destin en main. Qu’importe les conséquences. Il faut assumer chacun de ses actes et se donner les moyens d’aller au bout de ses rêves. Il faut sauter sur chacune des possibilités de bonheur que vous offre la vie. C’est  essentiel.

ENCORE UN BAISER, un film choral un peu lisse, un peu plat, un peu mou, un peu trop prévisible. Ici les personnages n’ont rien d’exubérant. Ce ne sont pas les caricatures vivantes qui faisaient le charme des héros felliniens. ENCORE UN BAISER n’a en effet rien de baroque, tout juste s’agit-il d’un film soigné, propre, dopé par une direction d’acteur impeccable. Mention spéciale à Pierfrancesco Favino, le plaqué du film, celui qui va péter une durite. Coté rôles féminin, à noter quelques apparitions sur le seconde partie de Valéria Bruni Tedeschi, une divorcée prête à aimer de nouveau. ENCORE UN BAISER, encore un de ces films qui ne fera pas date dans les anales.