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PAGE SPECIALE FESTIVALS

 

 

 

LISTE DES CRITIQUES PUBLIEES

 SUR CETTE PAGE 

 

NIFFF 2012

When the Light Went Out - Lovely Molly - New Kids Nitro - Ace Attornay - Masks - Paura 3D - Excision - Zombadings - Grabbers

 

 

LACK MOVIE 2012:

Arirang - The Day He Arrives - The Journals of Musam - Night Fishing - Helldriver - Headshot - Park Mark - The Green Wave - Raw Material - Knifer - People Mountain People Sea - Agua Fria -   

 

 

NIFFF 2011:

Insidious - Mirages - Les nuits rouges du bourreau de jade - The Unjust - The Violent Kind - Hobo With a Shortgun - Super - Good Neighbors - Ninja Kids

 

ANNECY 2011:

Colorful, Chico et rita, Prodigies, Geen Days, Le chat du Rabin

 

NIFFF 2010:

The Crazies, Valhalla Rising, Tannöd, enter The Voïd, 5150 rue des Ormes, Dream Home, Strigoi, Black Death, Transfert

 

 

 

NIFFF

Du 2 au 14.07.2012

 

 

Gaffe aux vilains fantômes, ceux qui titillent les Maynard, les nouveaux locataires d’une bicoque sympa dans un quartier paisible d’une bourgade de l’Angleterre des années 50 vont effectivement faire les frais e phénomènes invisibles mais diaboliques. Il faut dire qu’autrefois, cette bâtisse fût le théâtre d’un suicide étrange. Depuis, le fantôme de la pendue, une pré-ado, ère dans ces lieux à la recherche d’esprit à chafouiner. La cadette de la famille Maynard est la proie idéale. Elle a le même âge que fantomette. Super, on peut lui faire des guiliguilis, et pourquoi pas, devenir copine avec elle. Mais lorsque le fantôme se glisse sous la couette de l’inoffensive jeune demoiselle pour la caresser, que des pendules qui pèsent leur poids dégringolent les escaliers toutes seules, que les parents deviennent des punchingball, on commence à suspecter qu’il n’y a pas un, mais plusieurs fantômes dans cette maison!

 

 

When The Light Went Out n’est donc rien d’autre qu’un film de maison hanté, mais attention, un film élégant. Et oui, l’élégance, la griffe de Pat Holden pour reconstituer au mieux les années 50 fait la différence dans ce métrage. Bien sûr, ça passe par les décors, les tapisseries affreusement kitch, le mobilier désuet mais aussi les habits des protagonistes et surtout, la mentalité de l’époque. Lorsque la môme confie ouvertement ses peurs et ses angoisses à ses parents, ceux-ci s’en moquent éperdument. La parole d’un gamin dans les années 50 n’a aucun poids. Les parents préfèrent aller se bourrer la gueule entre amis au pub du coin plutôt que de passer la soirée à écouter les jérémiades de leur progéniture. Pour le reste, c’est vrai que le film s’appuie sur des ressorts éprouvés, déjà maintes fois exploités: une télévision qui s’éteint avec un reflet qui persiste sur l’écran, un jouet mécanique qui s’actionne seul, le papier peint qui se colle, seul aussi, sans que la mère, arborant la salopette Valérie Damido ne réagisse et ne comprenne qui a marouflé à sa place, alors que c’est elle qui avait commencé ces menus travaux… Et puis, il y a encore ce souffle qui se fait entendre, cet essaim d'abeilles tueuses, et ce bruit terrifiant… mon dieu, cette bande son est affolante par instant.

 

 

Vous en voulez? En voici, des nouvelles du créateur du BlairWitch Project. Edouardo Sanchez a réalisé entre autre, Lovely Molly, un film dans la catégorie Point Of View, c’est-à-dire tourné en caméra subjective, avec des images qui proviennent de portable, de caméra de surveillance ou de caméscope. On filme un phénomène en faisant croire que tout ça, c’est pour de vrai. C’est du mocumentaire ou documenteur aussi. Les deux se disent. Pour l’anecdote, LOVELY MOLLY  annonce le grand retour de Edouardo Sanchez alors qu’en fait, il est déjà revenu par la petite porte à deux reprise avec deux films sortis directement dans le circuit dvd! Ce troisième grand retour devrait DONC être le bon d’autant que sur la bande annonce de LOVELY MOLLY, on lit : Par le producteur exécutif du seigneur des anneaux… Alors lequel, je ne sais pas ! Bientôt on lira sur les affiches, par le célèbre perchman des films des frères Lumières… C’est complètement crétin. Toujours est-il que le film, lui, est d’une rare efficacité, même si Paranormal Activity est passé par là depuis le Blair Witch Project.

Dans une maison hantée, Molly, nouvelle locataire est emmerdée par un esprit pour le coup pas sympathique. Pour tout dire, Quand Molly Reynolds, une jeune mariée, retourne dans la maison de son enfance, des souvenirs terrifiants refont surface. A  peine les premiers éléments troubles se manifestent, que le mari prend la poudre d’escampette, pas par lâcheté, mais parce qu’il est camionneur. Ça arrangeait bien le scénariste pour le faire dégager. Il part en voyage pendant que Molly, désormais isolée doit batailler contre cette présence malveillante qui la suit et la poursuit absolument partout, dans la maison, mais aussi sur son lieu de travail, en sussurant Molly… Lovely Molly…. Est-ce que Molly se fait un film? Est-elle complètement folle ou au contraire, doit-elle réellement se battre contre un phénomène surnaturel qui dépasse tout le monde, la réponse n’est pas dans cette chronique ce matin, mais dans le film!

 

 

Si vous aimez les OVNI, alors vous allez vous régaler devant New Kids Nitro. Après vision, je pense très sincèrement que vous allez traiter tout le monde d’homo, que vous allez vous dessiner des moustaches et porter une perruque blonde à la barby, peut-être même que vous achèterez une opel manta, que vous la peindrez en vert pomme, que vous taggerez une bite bleue sur le toit pour jouer à Fast and hyper Furious au pays du gouda ! Peut-être que vous vous dites que ce film doit être dangereux pour la santé. Je vous rassure: ce n’est pas le film qui est dangereux, mais les protagonistes qui sont des malades juste bon à enfermer dans un asile. Ils s’appellent Flip Van Der Kuil et Stefen Haars. Ils ont écrit, imaginé et réalisé NEW KIDS NITRO ! Autant dire un métrage explosif. Oui, qui vous explose à la face sans que l’on ne  comprenne ce qui nous arrive. D’ailleurs, dès le début, on regarde ce truc. On reste un peu dubitatif et pourtant on se fend la poire avec ces 5 gars, en combinaisons de cantonnier, gilet de sécurité orange de rigueur sur le paletot. Ils sont plantés au bord d’une route. Une bagnole de flic arrive et écrase un des mecs. Personne ne bronche et surtout pas le gamin témoin de la scène qui leur dit : « je vous crois pas. C’est un accident de cinéma. Votre copain n’est pas mort. C’est débile votre truc. Vous êtes trop con les gars…Y a un trucage, je le sais! » Le flic effectivement aide le mort à se relever. Le gamin continue à déblatérer des conneries sur ces gars. Le flic sort son flingue. Le gamin continue imperturbable: « mais ça c’est pareil, ton flingue il est en plastique. C’est nul, ça se v…. » PAF… le coup part et le flic bute le môme. Bon ben tant pas. On le laisse là et pis c’est bon ! Dans la scène suivante, une vache est témoins d’un spectacle hallucinant. Une météorite s’explose dans son champ. La vache meumeute un peu et d’un seul coup, ses pis n’arrête plus de pisser du lait…  par litres entier. Elle ne s’interrompt jamais… Immédiatement, les journalistes s’emparent de cette affaire, y vont de leurs commentaires sur ce phénomène bizarre, cette vache qui fournit en lait tout un canton… Pendant ce temps, les 5 blaireaux du début jouent les jackass. Ils commettent les pires conneries.  Ils vont surtout affronter leur ennemi juré dans le village, celui qui sort avec une gonzesse enceinte qui passe son temps à vider des bières. On se demande si elle est enceinte ou si elle va accoucher d’un barrique de bibine? Cette demoiselle charmante qui ne pipe jamais mot n’a rien  contre une éjaculation faciale de temps à autre, surtout quand son mec est pendu au téléphone et qu’il se fait traiter d’homo. Là, en principe, ça part et elle ramasse ! Vous me direz qu’on se demande si elle se rend compte de quoi que ce soit tant elle n’arrête pas de picoler… C’est une fille bien quoi… A l’image de ce film ou ça crie, ça hurle, ça se coke, ça croque des pils. NEW KIDS NITRO, un film hollandais vulgaire, grossier, joyeusement foutraque et affreusement homophobe, un film ou on tue des chiens, des vieux et des enfants. Un délire politiquement très incorrect .Un film avec pas seulement un aspect comédie débridée irrévérencieuse. Il y a des éléments dedans un peu gore.NEW KIDS NITRO, un avec une morale à la fin : dans la vie, pour se sentir bien, il faut baiser des putes et ne plus jamais bosser

 

 

Ace Attorney, c’est le nouveau Takashi Miike. Un cinéaste qui se trimbale une filmographie en dent de scie, faite de chef d’œuvres et de nanars insignifiants. La trilogie Dead Or Alive est sans conteste sa meilleure réussite, même si on retiendra aussi des films comme 13 Assassins, Hara kiri Mort d’un Samourai. Dernièrement, il signait une comédie enfantine très drole, Ninja Kids avec Rantoro un môme binoclard, le cousin nippon d’Harry Potter en plus  intrépide et moins magique, donc nettement moins gonflant. Ace Attorney, l’adaptation d’un manga lui-même devenu un jeu vidéo. Voilà qui ne laisse rien présager de bon ! C’est vrai que les exemples de ratés et autres foutages de gueule sont nombreux. Tomb Raider, Silent Hill, Resident Evil, Prince of  Persia, Max Payne… la liste est longue. Pac man aussi. L’adaptation de pac man en animé est dans les tuyaux depuis 2008 mais les producteurs butent encore sur le scénario, Faut dire que l’histoire de Pac Man est balaise… Notez qu’à la réflexion, l’adaptation cinéma de Ace Attorney semble avoir autant d’intérêt que celle de Pac Man ! Quand on sait que Ace Attorney, le jeux développé sur Game Boy Advance, Nittendo DS et Wii, se résume à la mise en scène d’un jeune avocat qui tente de résoudre des affaires criminels tordues, que le jeux alterne entre deux types de séquences, la recherche d’indices et les plaidoiries, on se dit qu’il n’y a rien de vraiment excitant à faire un film avec ça… Et pourtant,  avec un scénario aussi mince, Miike est parvenu à signé un film, certes avec quelques longueurs, qui se répète un peu mais qui tient finalement assez bien la distance. Le plus réussi reste le travail d’adaptation. D’habitude, on garde un titre, un nom et pis on signe un film prétexte, un peu fadasse. Là, tout rappelle le manga. Les coupes de cheveux viveldop, la gestuelle des protagonistes, les décors aussi. On a respecté l’univers du manga et du game et du coup on a l’impression de voir un manga en prise de vue réelle. C’est assez étonnant. Il y a en plus des batailles d’avocat dans le tribunal, mise en scèpne comme un jeux de combat sur un ring dans un game. Un procureur général rend son verdict et annonce le vainqueur via des écrans virtuels qui apparaissent dans ce tribunal. Ces mêmes écrans sont parfois utilisés comme des armes. On se balance à la gueule les preuves via ces écrans, en même temps que l’on n’â de cesse de répéter le fameux : Objection. Une objection, j’en ferai tout de même une. Je doute que ACE ATTORNAY séduise le commun des mortels. Entendez par là que le film s’adresse franchement à celles et ceux qui connaissent déjà l’univers de ce tribunal, de cet avocat. Les néophytes risquent de trouver le temps un peu long.

 

 

Je ne sais pas si vous connaissez la méthode Mattheusz Gdula pour former les acteurs ? Non, ce n’est pas un dérivé de l’actor sutdio ! L’acteur studio, c’est pour amuser la galerie! La méthode Mattheusz Gdula est autrement plus corsée, plus sévère. On la découvre dans Masks. En fait, il faut remonter à la source de ce que l’on est réellement pour pouvoir exprimer et s’approcher au plus vrai des émotions à interpréter sur une scène de théâtre. Ça passe par un cheminement fait de torture mentale, de drogues que l’on ingurgite, de choses que l’on voit ou que l’on croit voir : une ombre noire qui transperce des gorges avec une épée, une femme qui se tranche la carotide à coup de ciseau, un homme qui confond cotons tige et couteaux pour se récurer les tympans… Bref, la méthode Mattheusz Gdula est certes un peu extrême. D’ailleurs ce n’est pas pour rien que dans les années 70, elle a été interdite par les autorités qui ont vu là un moyen pour quelques tarés de s’adonner à la torture plus qu’à la formation d’actrices et d’acteurs. En fait, ce qu’il faut savoir, c’est que Masks n’est autre qu’une relecture d’un classique de Dario Argento, le fabuleux Suspiria qui date de 76. Andreas Marschall a juste remplacé l’institut de danse par une académie de comédiens et la sorcellerie par du vampirisme. Mario Bava n’est pas loin. Ça reste une moyenne idée. Reprendre à la ligne l’évolution de l’intrigue originale et pomper des plans entiers de l’original, on voit moyennement l’intérêt, à part pour Andreas Marschall qui s’est fait plaisir en signant Son Suspiria.

 

 

S’il y en a d’autres qui lorgnent sur suspiria, ce sont bien les frangins Manetti avec leur Paura 3D. La scène d’ouverture de ce pseudo torture porn est un plagia de celle de Suspiria avec sa météo de chiotte, la voix off qui raconte. Mais la référence la plus évidente est celle claire et limpide à l’histoire de la jeune autrichienne Natasha Kampusch, cette femme enlevée et séquestrée pendant 8 ans dans une cave. Rien que le nom est suffisamment évocateur pour vous laisser imaginer ce que recèle ce film Paura 3D. Du métal, du rap, une décapitation par ci, une pendaison par là… Et pourtant, tout avait débuté de manière bon enfant. 3 jeunes de banlieue tapent l’incruste dans une villa des environs de Rome. Le propriétaire, un marquis, s’est absenté pour le WE. Quel bon plan pour les lascars qui vident le frigo, boivent le champagne, mange le caviar et jouent à Air Guitare sur la Wii du marquis. Tout baigne pour les inconscients squatters jusqu’à ce que l’un d’eux découvre dans la cave, entre deux rangées de pinard millésimé, une femme retenue prisonnière contre son gré. C’est le début des gros emmerdements d’autant que le marquis va rentrer plus tôt que prévu. Paura 3D une exploration de la folie mentale la plus extrême, un film qu’on pourrait imaginer pklus violent encore que ce que l’on voit. Il est ceci dit interdit aux moins de 16 ans,

 

 

Levons le voile sur l’adolescente qui renifle ses tampax et pour le coup, aimerait bien faire son 4 heure avec. Avouez que c’est tout de même plus original qu’un choco BN à la fraise !Mais c’est dégueulas, pensez-vous. Je vous répoindrais que j’en sais rien ! je n’ai jamais chiqué de tampax. Faudrait lui demander !Ceci dit, je ne suis pas certains du croquant et du gouteu de la chose ! quoique, Excision est un film gouteux à souhait, une œuvre de Richard Bates Junior avec Tracy Lord, l’ancienne actrice X. Oui, l’ancienne, très ancienne même. C’était au début de sa carrière dans les années 80. Depuis, elle s’est recyclé. Elle a tenté de se refaire  une réputation grâce à des séries télé meanstream façon Melrose Place. Elle a aussi le 7^ème art sans jamais crever l’écran. Pourtant, elle du talent, du charisme. On le remarque au premier coup d’œil dans EXCISION, un film de la compétition à Neuchatel, EXCISION ou elle incarne une mère de famille qui déteste et humilie sa fille Pauline. Disons qu’elle a une préférence pour son autre fille, malade, atteinte de mucoviscidose. Pauline, qui est prête à tout pour gagner l’amour de sa maman, va galérer. Ce n’est pas tant le fait qu’elle ait décidé de perdre sa virginité qui effraye sa maman. Peut-être plus son fantasme d’effectuer des opérations chirurgicales sur des inconnus. Il est vrai que Pauline est une fille perturbée. Elle fait souvent des rêves étranges et macabres, plus que pénétrant, rêves au cours desquels elle se lave dans des baignoires remplie de sang et crapahute sur des morts. Et comme les rapports entre cette mère et cette fille ne s’améliorent pas, les rêves sont de plus en plus tordus, sanglants, sanglants mais particulièrement esthétiques. Pour le coup, la représentation du sang à l’écran est toujours très belle. Ceci dit, pour corser un peu l’histoire, la sœur de Pauline prend sa défense pendant que le père, lui, s’en fout complètement. Pourtant, il devrait s’inquiéter un peu, surtout lorsque Pauline connaît quelques orgasmes lorsqu’elle goute l'intérieur d'un corbeau mort trouvé sur un trottoir. EXCISION, un film tranchant, qui à défaut de couper le souffle, demeure une très belle étude du rapport mère fille houleux.

 

 

 

Remingthon and the Curse of the Zombading, une comédie de Jade Castro complètement loufoque. Tout se passe dans une ville ou les hommes ont une fâcheuse tendance à devenir gay, mais genre, gay de la cage aux folles. Attention, le regard du cinéaste sur ces personnages n’est jamais moqueur. Le réalisateur n’est pas fou. Il n’a pas envie de subir le même sort que le jeune Remington. Dans son enfance, il n’avait de cesse de traiter les travestis d’homo en les montrant du doigt. Un jour, dans un cimetière, une folasse lui jette un sort et lui promet que quand il sera grand, lui aussi deviendra gay. Les années passent et effectivement, le sort se réalise au plus mauvais moment pour lui, alors qu’il est sur le point de séduire une jolie jeune fille. Tout se passe dans une ambiance de peur car un sereal killer sévit dans le village. On a retrouvé plusieurs Diana Ross assassinées. La mère de Remington, policière aguerrie, mène l’enquête et il devient de plus en plus évident que le meurtrier de ces Diana Ross ne s’est pas engouffré sur la voix du crime par hasard. Remington and The Curse of Zombadings, une comédie loufoque avec mine de rien quelques Zombies qui tapent l’incruste et surtout un ustensile bizarroïde que l’on appelle le Gaydare!

 

 

 

Grabbers, un film anglais avec des bébettes de l’espace. Une pieuvre cosmique terrifiante s’abat sur Terre, en Ireland. Elle se nourrit d’eau et de sang humain. Forcément que la bestiole commence à décimer le village, mais bientôt, les policiers locaux vont trouver la parade pour bouter la pieuvre hors de chez eux. Il semblerait que cette martienne à tentacules soit allergique à l’alcool ! Et voilà comment pour sauver sa peau, il faut se bourrer la gueule. Vu qu’en Ireland, c’est le sport national, autant dire que la chasse à la pieuvre intergalactique va virer à la farce. Grabbers, une comédie de science fiction super drôle, très efficace.

 

 

 

 

 

 

 

 

BLACK MOVIE 2012

17-26.02.2012

Genève

 

 

En février Genève vibre chaque année au rythm de ce festival qui a su s'imposer au fil du temps comme un rendez vous majeur. Si elle n'a plus rien de black, cette quinzaine a au moins le mérite de programmer des films venus du monde entier et essentiellement d'Asie, longs métrages que le commun des mortels ne pourrait voire en salle si Black Movie n'existait pas. Ainsi, on retrouve dans la programmation quelques perles pêchées au festival de Cannes comme par exemple le nouveau film de Kim Ki Duk, ARIRANG. 

 

 

Kim Ki duk est un animal étrange, cinéaste insaisissa et fragilele, véritable bête de concours qui a su envouter les programmateurs et le public des rendez-vous mondiaux du 7^ème art. En 15 films, il a conquis Cannes, Venise, Berlin et tant d’autres festival. Et si l’auteur des irrésistibles Bad Guys, L’Ile, Locataires et j’en passe n’avait plus rien à dire ? Et si il était soudainement frappé d’une profonde mélancolie, aux portes du burn-out, hanté par un accident survenu lors du tournage en 2008. En effet, l’actrice principale de Dream manqua de mourir par suffocation lors d’une scène de pendaison qui a failli tourné au cauchemar. Sans l’intervention du cinéaste, cette femme ne serait aujourd’hui plus de ce monde. Cet accident, sans conséquences pour l’actrice, en a eut de lourdes sur le mental de Kim Ki Duk. A tel point que depuis 2008, on avait perdu sa trace. Une rumeur complètement folle commença même à circuler annonçant son suicide. 

 

 

En fait, Kim Ki Duk s’est juste retiré du monde civilisé pendant ces 3 dernières années. Vivant comme un clochard dans une bicoque en ruine, il s’est remis en question et a fini par tourner un film sur lui, sur son métier, son implication, les limites de son art. ARIRANG est sans conteste l’œuvre la plus bizarre qu’il ait réalisé à ce jour. Le film se présente comme un journal de bord intime ou il se met en scène. On découvre une loque dans son quotidien, un homme vivant en ascète sous une toile de tante planter au milieu d’une maison de pierre pas terminée et sans eau courante. Il mange, se lave, se peigne, se parle, interroge sa conscience. Il joue ainsi tous les rôles de son film, celui de Kim Ki Duk le dépressif, celui de sa conscience censée le remuer. Acteur qui se donne la réplique dans un champ contre champ, mais aussi scénariste, réalisateur, monteur, producteur, Kim Ki Duk maîtrise toutes les cordes de ce film par instant bouleversant. Il ait un moment fort ou l’on voit le cinéaste s’effondrer alors qu’il regarde sur son ordinateur le moine de son film  Printemps, été, automne, hiver… et printemps. Il est son reflet, son double. Pleurs et  lamentations, les confidences du cinéaste pourraient sombrer dans la complaisance ou le voyeurisme mais il n’en est rien. Arirang est une œuvre intense et touchante. Arirang, un titre qui fait référence à cette dépression qui le frappe, un titre qui est aussi celui d’un poème célèbre en Corée ou il y est question d’une traversée du désert.

 

 

 

 

The Day He Arrives est une comédie sentimentale nonchalante, aussi stylisée qu’éthylisée, entendez par là, un film ou comme toujours les héros boivent, bouffent et déblatèrent des conneries sur le sentiment amoureux. Pour tout dire, un cinéaste dans la loose déboule à Séoul et se saoule. En fait, il vient rejoindre un vieux pote. Mais celui-ci est aux abonnés absents. Pour patienter, il se réfugie dans un pub et se renverse la tête à coup de saké avec des étudiants en cinéma. Plus tard, après avoir envoyer promener les jeunes, il s’écroule en pleur dans l’appartement de son ex. Le nuit passe.

 

 

Au petit matin, lui et sa gueule de bois retrouvent son pote. S’ensuit 4 jours d’errance dans un Séoul baigné par le froid. Le point de chute des deux hommes est toujours le même, le bar Le nouvel avec sa patronne si charmante, si séduisante, si fragile, une proie facile pour le cinéaste, à moins que la copine de son ami ne lui saute dessus avant!

 

 

The Day He Arrives, un film tout en douceur ou Hong Sang Soo joue volontiers la carte de la répétition des lieux. Entre Le Nouvel, sa cours extérieur, la ruelle qui y mène, plus quelques autres rues propices à rencontrer toujours par hasard une apprentie actrice, le réalisateur signe un film séduisant sur l’art de la séduction vue par un escroc des sentiments qui papillonne de Futon en Futon. Il prône le bienfait des relations sans lendemain comme si l’engagement amoureux était nuisible à l’humain. Rassurez-vous, aimer ce film ne vous engagera à rien, si ce n’est qu’il provoquera chez le néophyte en Hong Sang Soo, une irrésistible envie de découvrir l’œuvre de ce cinéaste coréen prolixe et talentueux.

 

La Corée du sud est décidément un jardin d’Eden éblouissant et extraordinairement riche. Sur ce  terreau particulièrement fertile germent chaque année de nouveaux auteurs. En effet avec ces 140 films produits annuellement, vous pensez bien que ce pays ne se limite pas aux seuls Kim ki Duk, Hong Sang Soo ou autres Park Chan Wook, Im Sang Soo et Bong Jon-ho, réalisateur de renom, véritables bêtes de concours qui ont conquis depuis belle lurette les festivals du monde entier. C’est là le malheur du cinéma sud coréen. Aussi foisonnant et passionnant soit-il, il est encore boudé par les distributeurs occidentaux frileux qui pinaillent et hésitent à sortir ces chefs d’œuvres en salle, des films qui pourtant mériteraient d’être vus par le plus grand nombre

 

 

Le film dépeint de manière particulièrement réaliste le quotidien difficile de Seung-Chul un nord-coréen exilé à Séoul. Seung-Chul a déserté l’armée nord-coréenne et s’est exilé au sud pour tenter sa chance. Ils sont de plus en plus nombreux comme lui, à tel point que ce problème, très actuel, est devenu épineux en Corée du Sud. C’est qu’on apprécie moyennement ces déserteurs, ces transfuges. Seung-Chul subit donc moult discriminations du fait de ses origines.

 

 

 Pour commencer, il lui est impossible de trouver un travail déclaré. Il doit se contenter d’un job illégal de colleur d’affiche. Exploité par son patron, bastonné par ces concurrents, parfois malmené par son ami qui l’héberge, un type qui trempe dans des affaires louches, Seung-Chul trouve un peu de salut et de réconfort dans une Eglise, celle que fréquente une jeune fille pour qui il en pince un peu. The Journals of Musan pose un regard froid mais juste sur l’immigration.

 

En tout cas, avec ce film, Park Jung-Bum  décrit une Corée peu montrée au cinéma, une Corée qui déraille. A ce propos il explique que The Journal of Musam “ n’est pas un film sur l’unification, ni u sur les partis politiques ou sur la religion, juste un film pour montrer ce qui ne va pas dans la société. C’est un film sur le système capitaliste et les difficultés auxquelles doivent faire face certaines personnes dans la société”. The Journals of Musanm de Park Jung Bum, l’un des grands cinéastes de demain, un mec à suivre…

 

 

 

Janvier 2011, les frère Park Chan, Wook et Kyong, créent l’évènement en réalisant le premier film au monde avec des I-Phone 4! Février 2011, leur court métrage Night Fishing d’une durée de 30 minutes, repart de la Berlinale avec un Ours d’Or, rien de moins !

 

Selon les frères réalisateurs, il n'y aurait presque pas de différence en termes de résolution d'image en comparaison avec une caméra traditionnelle ou avec un appareil photo-caméra comme le Canon EOS 5D Mark II, utilisé par Quentin Dupieux dans Rubber, par exemple. Et force est de constater que le résultat est plutôt bluffant. Sur le plateau de tournage, pas plus de 80 personnes étaient réunies. Travaillant à l’instinct avec d’avantage de spontanée que pour ses précédentes réalisation, Park Chan a mis a contribution tous les membres de son équipe puisque chacun était autorisé à filmer, des fois que  les deux I-Phone principaux utilisés selon des angles différents par les réalisateurs aient loupé quelque chose.

  

 

Fort d’un budget dérisoire de 100 000 euros, ce film horrifique est découpé en trois actes distincts. Night Fishing débute en effet comme un mauvais clip d’un groupe de rock. On est en pleine cambrousse. 4 garçon pas vraiment dans le vent s’éclatent au bord d’un chemin, surtout le chanteur désarticulé qui mime un moon walk foireux pendant qu’un chapeau vole au vent. Plus loin, exit ce cadre bucolique. On se retrouve en pleine nuit, au bord d’un lac isolé. 

 

 

Le film désormais en noir blanc vire au film de genre, genre fantôme avec ce pauvre pêcheur qui a la mauvaise fortune de tirer au bout de sa ligne, le cadavre d’une femme. S’en suit, une scène des plus burlesques sorte de danse macabre comico-tragique. Le pêcheur est emmêlé dans ses fils qui le lient au cadavre, une morte qui reprend vit.  

 

 

Il faut attendre la dernière partie pour comprendre que cette apparition fantomatique est l’esprit d’un chaman venu taquiner le pêcheur. Au cour d’une cérémonie de deuil haute en couleur, le chaman sert de lien entre le monde des vivants et celui des morts, ce qui permet au pêcheur de délivrer un message à sa mère, à sa fille et à sa femme. Night Fisching, une curiosité de Park Chan Wook et Park Chan Kyong, rien à voir avec ses précédentes réalisations Old Boy ou Thirst…

 

 

 

 

 complètement barré Tokyo Gore Polic, un authentique film gore ou dans un Tokyo futuriste, les forces de l’ordres sont devenues extrêmement répressives. Les flics, dont la sublime Ruka, doivent faire face à une nouvelle race de criminels, dit les ingénieurs qui ont la capacité de transformer leur moindre blessure en arme. Un ingénieur qui se sectionne le bras avec une tronçonneuse se voit immédiatement équipé d’un bras tronçonneuse. Une fille de joie se fait couper en deux, et hop, une mâchoire de crocodile lui pousse à la place des jambes. Un type se fait émasculer et il se retrouve avec une mitraillette à la place du pénis! Je ne m’étendrais pas sur la femme escargot ou la femme chaise qui fait pipi sur les gens!

 

 

Voilà le genre d’invention qui n’a rien de surprenant de la part de Yoshihiro Nishimura qui aime inventer des monstres, concevoir aussi des êtres hybrides mi-homme mi-machine. Il adore par dessus tout ciseler les globes oculaires et avoue un penchant certain pour les jeunes filles qui s’auto mutilent, une manière dit-il de se moquer de la culture adolescente et des demoiselles qui se prennent pour des gangsters! L’auto mutilation, Yoshihiro Nishimura trouve ça cool. Ce n’est pas un hasard si l’un des flics de Tokyo Gore Police possédait cette petite manie. « Les gens qui se charcutent les poignets ne veulent pas mourir », dit-il, « ils veulent vivre plus que n’importe qui et l’auto mutilation n’est rien d’autre qu’une performance artistique, de l’art. ». Difficile de croire en ces propos aussi stupéfiants que ses films. Et pourtant, ce grand malade respecte effectivement énormément ces gens qui pratiquent l’auto mutilation à tel point que dans Vampire Girl vs Frankenstein Girl, il a été jusqu’à confier un rôle à un véritable artiste, adepte de l’automutilation.

 

 

Pour Helldriver, son nouveau délire sanglant à voire à Black Movie, Yoshihiro Nishimura ne s’est aps assagit. Certes, il troque les cutter pour les cisailles débroussailleuse électrique à gros débit! L’héroïne est équipée d’un tel engin, très efficace lorsqu’il s’agit de décapiter des zombies assoiffés de viande fraîche. Assez bizarrement, à la suite de Tokyo Gore Police, son producteur lui a commandé un film de ce genre. Etrange pour des japonais tant les zombies sont aussi nombreux dans le cinéma nippon que les films de karatéka pullulent dans le cinéma belge! Toujours est-il qu’il s’est attelé à la tâche. Et voilà comment il a pondu le scénario de Helldriver en deux temps trois mouvement. 

 

 

Un jour que Kika surprend deux psychopathes, un frère et une sœur, en train de bouffer les pieds de son père et de lui mettre le feu, une météorite transperce le bide de la folle sanguinaire qui bouffait le papa de Kika. Immédiatement, cette dingue est la proie d’une bestiole de l’espace qui se greffe sur son cuir chevelu, alors que simultanément, un nuage de poussière noire envahi le Japon, transformant instantanément la population en zombies. Pour stopper la prolifération, un mur de sécurité est érigé afin de séparer l’île en 2. Au sud, on organise la résistance pendant qu’au nord, les zombies survivent tant bien que mal. Kika, dont le cœur a été arraché par la folle, sort de son comas après qu’on lui ai transplanté un cœur en fer. C’est alors qu’elle prend la tête d’une expédition sauvage dans le nord du Japon afin de débusquer la reine des zombies pour lui couper la corne sur le front et la décapiter. 

 

 

Helldriver, du ketchup liquide, de la découpe de bidoche, des gésers de sang, du mauvais gout, du rock métal, des cris, des vilains, des vilaines, un monstre géant fait de zombies, qui vole à l’aide de missiles nucléaires, pour un film complètement barjot à ne pas mettre devant toutes les rétines!  Helldriver, c’est de la pure série Z, en attendant une série P, ou si vous préférer un film porno! En effet, Yoshihiro Nishimura songe sérieusement à réaliser un film de cul en 3D avec un exhibitionniste qui planquerait un exosquelette géant sous son imper et qui en guise de sexe, serait armé de tentacules! On n’a pas hâte de voir son meca gang bang!

 

 

 

 

 

En Thaïlande, certain cinéastes tiennent une forme d’enfer. Témoin Pen-Ek Ratanaruano. Révélé à la fin du siècle dernier grâce au festival de Berlin qui refile un ours à son Fun Bar Karaoké, Pen-Ek fait parti de ces artistes qui ont redonné leurs lettres de noblesse au cinéma made in Thaïlande. Tombé en désuétude dans les années 90, ce graphiste de formation, exilé aux USA a mis un gros coup de pied dans la fourmilière à son retour chez lui, marquant une rupture et imposant une nouvelle manière de concevoir le 7^ème art dans son pays. Après la Berlinale, son second long métrage 6ixtynin9, un petit bijoux de comédie noire fera le tour de la planète. Dès lors, tous les festival d’envergure vont se mettre sur la piste Pen-Ek: Venise, Toronto, Rotterdam, mais surtout Cannes.

 

 

Headshot n’a rien à voir avec un jeux vidéo, même si le terme est emprunté à ce médium. Il signifie: « tuer d’une seule balle en pleine tête ». il y aura donc du meurtre et des meurtrier dans cet hommage à peine voilé au film noir. Tul, un flic intègre, cherche des poux au frère d’un ministre mouillé dans un trafic de drogue.  

 

 

Evidemment, ça pue la manipulation. Tul ne voit rien venir et au lendemain d’une chaude nuit d’amour, découvre le corps de la sublime créature, en sang dans la baignoire de la salle de bain. Des photos lui parviennent. Un maître chanteur a eut raison de lui. Dégoûté, Tul se tourne vers une étrange organisation dirigée par Le Demon. Il devient tueur à gage pour ce groupe obscur qui élimine ceux et celles qui se sentent au dessus des lois. Au cours d’une mission qui tourne mal, Tul est atteint d’une bal dans la tête. Plongé dans un coma profond, il se réveille 2 mois après. Mais il a des séquelles. Il voit à l’envers! Dans de telles de conditions, impossible pour lui de reprendre son ‘travail’. De toute façon, après avoir frôlé la mort, il est bien décidé à raccrocher. Il veut oublier son passé, mais son passé, lui, ne va pas l’oublier ! En Thaïlande , on appelle ça le Kama.

 

 

Construit sur le mode du chasseur chassé, HEADSHOT est un excellent film d’atmosphère, poisseuse et moite. Sur un rythme assez contemplatif, on suit donc ce type désabusé qui essaye de sauver sa peaux, de fuir la ribambelle de tueurs qui veulent l’éliminer. Comme dans tout film noir qui se respecte, les femmes sont belles et les flingues chargés à bloc. Sous une pluie battante, les pneus des automobiles crissent parfois un peu. 

 

 

On découvre aussi une actrice en vogue depuis 2 ou 3 ans en Asie, la sublime Cris Horwang. Elle incarne celle qui conduira Tul sur le chemin de la rédemption. 

 

 

 

En dehors de l'Asie, vous pourrez découvrir des productions  d'autres contrées comme par exemple l'Iran avec Park Mark de Baktash Abtin

 

 

Park Mark se présente comme une déambulation pendant une nuit avec un junk qui raconte sa vie passée en même temps qu’il travaille, c’est à dire, qu’il part à la pêche au fric dans des boites de dons en fer. Ces box jalonnent son parcours. Elles sont situées à chaque coins de rue. Souvent vides, les plus pleines sont généralement situées vers des mosquées ou se trouvent un bancomat. Entre deux bouffées de crak, Mark raconte sa vie aux Etats unis, là ou il était blindé de fric, marié et père de famille. Un jour, il a braqué une banque, tuée une fille pour de la coke et a fini en prison avant d’être renvoyé à Téhéran avec escale à Moscou. Délire due à la drogue ou réalité ? Une chose est sure, cette homme a tout perdu et refuse de dormir le jour de peur de se faire détrousser. C’est connu, les junk qui dorment dehors ont du fric sur eux pour se payer leur cam.

 

 

Caméra épaule, mettant parfois un réelle distance entre le spectateur et son personnage principal, Baktash Abtin soigne ses cadrages. Il met au service d’une histoire sordide, une belle image enrobée dans une musique savoureuse à base de saxophone langoureux. Il émane ainsi de PARK MARK une réelle émotion, pas seulement à cause de cette  histoire poignante, émouvante avec ce type d’une cinquantaine d’année, sorte de zombie nocturne qui hante les rues de Téhéran, semblant parfois se parler à lui-même. Le plus fort, c’est qu’on en vient à s’identifier à ce zombi car, comme il le dit, il est très facile de succomber à la tentation de la drogue et connaître une descente en enfer, surtout quand la vie vous sourit.

 

 

La voix bâillonnée du peuple iranien est ici libérée. Entre deux témoignages face caméra, Ali Samadi Ahadi intercale des images prises sur le web pour présente l’Iran, cette “grande prison”. Twitter et les blogs fournissent l’essentiel du texte enrichi de dessins. Ce travail d’assemblage montre clairement l’influence d’internet, internet qui détient la preuve d’un crime contre l’humanité.

 

 

Les extraits de blogs, lus avec une grande justesse de ton, ainsi que le parcours des deux jeunes Iraniens fictifs rendent bien compte des valeurs et rêves d’une jeune génération qui, elle aussi, a voulu essayer, croire au changement, des espérances vite  brisées par un régime qui n’a pas souhaité écouter son peuple.

 

 

 

 

 

 

Au pied de l’Accropole se situe l’un des quartiers les plus pauvres d’Athène. Dans un baraquement, des immigrés illégaux, albanais, rom, indiens, mais aussi, des grecs que la misère a trainé jusqu’ici. Pour gagner leur vie, ils collectent du métal dans les poubelles de la ville et le revendent à des industriels.

 

 

Chaque matin, avant le leve du soleil, des hommes partent en tricycle à moteur à la pêche aux frigos, téléviseurs, chaises longues, sommiers, ordinateurs, des objets jetés au quotidien preuve que d’autres vivent dans l’aisance. Tourné en 16mm, Raw Material présente le travail brut et pénible de ces éboueurs, une dénonciation du capitalisme sauvage et de ses conséquences sur les populations les plus fragiles.

 

 

 

 

Coté fiction, je vous recommande Knifer, superbe film en noir Blanc qui lui, ne s’attaque pas frontalement à la crise, mais plutôt à ses conséquences comme par exemple la violence qui s’invite dans les rapports humains. A la mort de son père, un loser est recueilli par son oncle. Ce rustre garde des chiens et traite son neveu, mais aussi sa femme, comme deux chiens.

 

 

L’incommunicabilité entre les gens, y compris au sein d’une même famille, est donc au cœur d’un triangle amoureux qui se met gentiment en place. Mais la violence est également présente ailleurs, dans la ville, au détour d’une poubelle avec une femme en sang, à terre, bastonné par un mari qui dit pourtant l’aimer. De quel coté faut-il chercher la cause de cette violence ? du fric bien sur, de l’obsession d’en manquer et de ne plus pouvoir maintenir un train de vie descend. Misère matérielle et misère sentimentale sont au cœur de Knifer, un film en noir blanc superbe, avec une image bien léchée, de beaux cadrages, une ou deux scènes de baise en prime. Si la Grèce est en crise, son cinéma lui se porte particulièrement bien, la preuve en est avec De Yannis Economides et son Knifer, hautement recommandable.

 

 

 

 

 

 

Vous n’étiez pas à la Mostra de Venise en septembre dernier ? Vous avez donc loupé le film surprise du Festival. Tant mieux diront ceux qui ont fuient après 30 minutes de Poeple Mountain Poeple Sea de Caji Shangjun, le Bruno dumont chinois, en ce sens ou les deux cinéastes ont un penchant certain pour les plans fixes à profondeur de champ hyper marqué et de préférence interminables. L’économie de dialogue et l’absence de musique sont aussi des éléments qui relient les deux cinéastes.

 

 

Poeple Mountain Poeple Sea est présenté comme un  « western guizhou », car tourné dans le cadre très Far West de la province chinoise du Guizhou, dans le sud-ouest du pays. Dans ce décorum, Lao Tie, se lance dans la quête éperdue, et violente, du meurtrier de son frère. Moto taxi, celui-ci a été attaqué par un client et achevé à coups de couteau. L’assassin, prisonnier récemment libéré a pris la fuite. Malgré la promesse de la police de mettre rapidement la main dessus, Lao, qui ne sa fait pas d’illusion, décide de retrouver sa trace.

 

 

Le voici qui se perd dans les dédales d’une ville tentaculaire, allant de cabanes sordides en cabanes encore plus sordide. Au bout du chemin, loin des montagnes blanchies par le soleil qu’il a quitté, il va tomber dans les tréfonds d’un puits obscur d’une des nombreuses mines de charbons illégales chinoise. Et voilà l’occasion, le prétexte tout trouver pour le réalisateur de nous dévoiler la vie dans une de ces mines de charbon, qui tient plus du camp de concentration. Enfermés dans leur baraque, les mineurs sont fouillés par des gardiens en arme avant chaque descente de peur qu’ils introduisent des allumettes pour déclencher un coup de grisou et mettre fin à leur misère. Les mineurs pris la main dans le sac sont broyés par le jet d’eau à haute pression servant à fractionner le charbon. Pour connaître le dernier cercle de l’enfer de la société chinoise, suivez donc les pas de Tao Lie dans ce film People Mountain, People Sea de Caji Shangiu.

 

 

 

 

 

 

Pendant ce temps là, au Costa Rica, on prend des vacances dans AGUA FRIA  de Paz Fabrega. La mer, les serpents d’eau, les trous dans le sable, la baignade, les feux d’artifices. Une famille en vacances au bord de l’océan; des enfants qui jouent. Au milieu d’une marmaille, une petite fille un peu étrange, sort du lot. Elle est en pleine crise visiblement.

 

 

Très vite, le doute s’invite. Et plutôt que de se dissiper, il se répand. A voir son père débordant d’affection, multipliant les gestes de tendresse envers sa petite fille, à voir sa mère plus distante, on en vient à s’interroger. Et s’il y avait derrière cette moue boudeuse, ses longs silences et ses sourires en coin, de l’inceste. Son escapade nocturne, pour ne pas dire sa fugue, renforce encore cette impression. Alors qu’elle s’est aventurer loin du campement de ses parents, elle rencontre un couple en pleine nuit et invente une histoire. La petite disparaît dans la nuit. Le couple continue son chemin mais la femme, désormais perturbée par ce que lui a dit la gamine, s’enfonce dans une profonde mélancolie, comme si les confidences de cette petite fille l’avait renvoyé subitement à sa propre enfance. Agua Fria est un premier film prometteur de Paz Fabrega. S’appuyant sur une photo magnifique, cette œuvre minimaliste vous transportera vers un état de quasi apesanteur. Vous n’aurez qu’à vous laisser porter pour véritablement l’apprécier.

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

NIFFF 2011 

Film Fantasique

 

 

Du 1er au 9 juillet, Neuchatel accueille le NIFFF, le festival du film fantastique. Devenu en une décennie une étape européenne incontournable du cinéma de genre, cette édition vous réservera comme à chaque fois, son lot de frissons et de surprises. En parcourant les différentes sections du programme, je vous ai sélectionné quelques une des toiles qui me paraissent inévitables. Commençons notre marcher par INSIDIOUS de James Wan. Sorti de l'ombre en 2004 en initiant la franchise SAW, cet australien d'origine malaisienne a su créer le malaise et s'imposer d'emblée comme un maître de l'horreur. Après 3 autres films en mode mineur dont un long métrage indigne de lui DEATH SENTENCE comptant la vengeance d'un père violent, il revient à ce qu'il sait faire de mieux en 2011. INSIDIOUS, c'est pour le résumer en quelques mots comme si l'exorciste avait emménager dans la maison de Paranormal Activity. Reprenant les codes du film de pétoche, il réalise 1h30 de pure bonheur ou sans jamais sombrer dans le gore, il installe une ambiance stressante, lorgnant du coté de Lynch et misant plus sur la suggestion pour créer l'effroi. Un père de famille va devoir rejoindre le monde des esprits pour en libérer son fils. Sublime.

 

 

Au Maroc aussi, on aime le cinéma fantastique, mais on n'en fait pas beaucoup, voir pas du tout. 1^er  long métrage à ma connaissance du cinéma marocain s'inscrivant dans la veine survival, MIRAGES fonctionne sur un pitch des plus simples. 1 poste à pouvoir, 5 candidats, 4 bouteilles d'eau, 1 désert, des hallucinations. Avec un budget minimum, Talal Salhami signe un western saharien à l'effet maximum garanti.

 

 

Pendant ce temps, à Hong Kong, Frédérique Bel affronte Carrie NG dans un thriller sado masochiste franco asiatique. LES NUITS ROUGES DU BOURREAU DE JADE permet au duo Julien Carbon et Laurent Courtiaud, ancien élèves de Johnnie To et Tsui Hark de faire s'entrechoquer les codes du polar à la française à ceux du film noir asiatique. Le résultat est somptueux, classieux, sexy, aussi enivrant que le poison tant convoité par les héroïnes de ce film.

 

 

En Corée du Sud, la corruption gangrène la police et les départements de justices. Voilà ce que montre THE UNJUST de Ryoo Seung Wan. Dans ce thriller à l'atmosphère humide, un tueur en série est abattu par un flic. Pour calmer le grand public, la nouvelle ne doit pas filtrer. Alors il faut trouver un remplaçant au meurtrier décédé, et vite, qu'importe si les moyens d'y parvenir sont fallacieux.

 

 

Amateurs de ketchup et de violence extrême, VIOLENT KIND devrait franchement vous ravir. Des métaleux se retrouvent entre bikers dans une maison isolée dans une forêt. La fête bat son plein. L'alcool coule à flot en même temps que les filles se laissent tenter par des parties de jambe en l'air à l'étage. Au plus fort de cette nuit éthylique, une bande de rockers millésimé 50's, des sous Dick Rivers hallucinés, déboulent et démembrent tout ce qui bouge. Ils sont les envoyés du diable sur Terre et prennent possession de Michèle, la plus belle fille de la soirée. VIOLENT KIND, une femme possédée, des visages tailladés, des doigts coupés, des vagins en feu et en sang, des scalpes à la machettes, des couteaux plantés dans le bides pour un film sanglant, quoi de plus normal quand le duo de réalisateur se fait appeler The Butcher Brothers.

 

 

Toujours dans le trip sauce tomate qui badigeonne l'écran, mais en technicolor, HOBO WITH A SHORTGUN se pose là. Dans une ville tenue par une famille de psychopathes qui pratiquent la décapitation en pleine rue et sème du coup la terreur, un clochard, qui rêve de se payer une tondeuse à gazon, va soudainement se prendre pour un justicier. Alors qu'il convoite l'objet de ses rêve dans un magasin, 3 jeunes font irruption pour un hold up et plutôt que de se faire discret, le clochard s 'empare du fusil, sur le présentoir au dessus de la tondeuse. Dès lors, il va jouer les justiciers. Secondé par une prostituée, ils vont tenter de débarrasser la ville des 3 tarés qui la dirigent. HOBO WITH A SHORTGUN, un MACHETE en beaucoup plus méchant et bavard!

 

 

Egalement sanglant, SUPER! Il suffit de pas grand chose pour s'improviser justicier: une copine qui vous plaque et ne vous reconnait plus, un costume rouge ridicule et une clé à molette pour exploser la gueule de ceux et celles qui se dressent sur votre chemin. Evidemment, pas sur que le grand public apprécie les méthodes barbare de ce genre de super héros sans super pouvoir, sauf peut-être Ellen Page. Pour Juno, c'est sur, ce type est un SUPER mec et elle doit elle-aussi se trouver un déguisement pour l'accompagner et l'aider à exploser du quidam! SUPER une comédie noire à l'humour débridée ou la violence va crescendo, un film de James Gunn avec aussi Keavin Bacon.

 

 

Rassurez-vous au NIFFF, il y a aussi des films un peu plus soft comme GOOD NEIGHBORS. Un sereal killer rôde à Montréal et s'en pend aux serveuses la nuit après leur service. Ce fait divers, le jeune homme qui emménage dans son nouvelle appartement au 4ème étage s'en fiche un peu. Son appartement est situé juste au dessus d'une jeune célibataire serveuse dans un restaurant chinois et qui adore les chats. Au 2ème, un louche veuf handicapé plutôt bellâtre reste cloitré chez lui. C'est la jeune fille qui lui donne des nouvelles de l'extérieur. Dans l'aile d'à coté, une alcoolique s'en prend aux chats de la demoiselle célibataire. Grossière erreur... et pendant ce temps, le sereal killer rôde toujours

 

 

Et pour finir, les enfants petits et grands se régaleront devant ce délire du prolifique Takashi Miike, NINJA KIDS, une comédie familiale dopée aux FX un peu cheep. Dans un décor de carton pâte, le jeune Rantaro intègre l'école enfantine des ninja. Avec ses nouveaux camarades dont un petit gros morveux au sens propre mais pas figuré, et une jeune fille intrépide qui s'occupe de bébés pour se faire du fric et se payer l'école, les apprentis Ninja vont devoir montrer à de vieux Ninja expérimentés de quoi leur école de Ninja Kids est capable! Délirant et parfaitement inoffensif pour les enfants avec un Rantaro à croquer...

 

 

 

 

 

 

ANNECY 2011 

Film d'Animation

 

 COLORFUL

Prix du Public

Mention spéciale du Jury

 

NIFFF 2010

FILM FANTASTIQUE NEUCHATEL

THE CRAZIES: 

Un remake sans folie! 

C’est curieux cette manie qu’à George Roméro de cautionner, et même de superviser les remake de ses propres films. Après LA NUIT DES MORTS VIVANTS, LE JOUR DES MORTS VIVANTS, L’ARMEE DES MORTS, voici qu’apparaît dans le paysage cinématographique un nouveau remake: LA NUIT DES FOUS VIVANTS, ou si vous préférez: THE CRAZIES.

Mais à quoi bon proposer au public des ressuées malhabiles de ses propres chefs d’œuvres de série B? Pour le pognon? Certainement! Pour moderniser des films qui ont mal vieillis? Aussi! Mais jouer la carte du modernisme à tout prix peut s‘avérer contre productif, surtout quand la proposition se fait aussi affligeante que celle de Breck Eisner, le coupable de ce remake foireux! Ilsuffit de jeter un œil sur les chiffres: la courbe des entrées est proportionnelle à la qualité du film. Elle fait sérieusement la gueule! Et oui, le public n’est heureusement pas dupe. Partout ou il est sorti en salle, le film s’est vautré! Il aurait été tellement plus astucieux de ressortir une version DVD de la version de 73, celle avec un marshal à moustache, un champ, une grange qui crame, un lit qui craque, et 5 bons hommes emmaillotés dans une combinaisons blanche de carrossier peintre avec masque à gaz sur le pif et mitraillette au poing. A l’époque, il n’en fallait pas plus pour flanquer la pétoche au spectateur, lui faire comprendre que la folie s’est emparé d’un petit bled américain et que la seule solution est d’exterminer les paisibles villageois devenus des dingos de la gachette. Evidemment, cette version est devenue franchement kitch. Aujourd’hui, on ne fait plus des films de terreur comme ça se faisait il y a 40 ans! Certes, mais tout de même!  Est-ce que les possibilités qu’offrent les effets spéciaux apportent un plus ? Et ben non! Moi, je préfère largement revoir l’original parce qu’il possède ce qu’aucun remake ne possèdera jamais: un supplément d’âme! Ce qui faisait le charme des séries B des années 70, c’était justement le manque de fric, une technique pas à la hauteur des ambition d’ou l’obligation d’avoir recours à la débrouille! Il fallait faire preuve d’inventivité, d’ingéniosité pour secouer et remuer un spectateur avide de sensations fortes. Aujourd’hui, exit le géni et vive le grand déballage d’effets spéciaux. Certes, si le film s’en retrouve un peu plus musclé, au final le résultat est aussi flasque qu’un biceps d’haltérophile à la retraite! 

On le comprend donc aisément, THE CRAZIES 2010 revisité par Breck Eisner ne vaut pas LA NUIT DES FOUS VIVANTS millésime 1973. Certes, les scénaristes ont repris le script de base dans les grandes lignes. Ils ont juste recentré l’histoire sur le shérif de l’époque qui a perdu sa moustache et qui pourrait bien aussi perdre sa femme! Evidemment, elle est enceinte. C’est le stratagème qu’on a trouvé pour que la donzelle puisse avoir de la fièvre. Ainsi, on la prend pour une malade. Séparé de son mari, ce dernier va tout faire pour la sauver des griffes des millitaires qui ont parqués tout le monde dans l’enceinte du terrain de baseball du village.

Pendant que la folie meurtrière s’empare de la ville, que l‘armée déserte devant les furieux barbares, le shérif et son adjoint libèrent madame et taillent la route. Bien sur, la copine de madame, qui va voire son mec saint d’esprit mourir sous les balles de l’armée, vient compléter le trio. Reste que l’adjoint du shérif aux yeux rouges commence sérieusement à pencher du coté obscure de la force. Il a tous les symptômes de la folie mais pas encore la détente facile. En tout cas, ensemble, ces 4 là vont tout faire pour quitter la ville avant que l’armée américaine n’envisage la solution finale. Un bon coup de napalm, une belle cascade en camion numérique et une bonne propagande pour manipuler la presse! Ca devrait suffire à endiguer le phénomène. 

THE CRAZIES aujourd’hui se limite donc à ça! quel piètre spectacle, et ce n’est pas parce que Greenpeace cautionne cette chose que je réviserais mon jugement. L'ONG a en effet signé un partenariat avec la production du film car elle est fortement engagée dans la protection de l'environnement. Elle se bat entre autre contre les méfaits des activités humaines comme l'utilisation de substances hautement pathogènes ce qui correspond exactement au pitch de THE CRAZIES, un film qui en manque sérieusement de folie. Vivement que Roméro retrouve ses esprits. On espère juste qu’il ne les perdrait pas devant la tache qui l’attend, à savoir le remake des FRISSONS DE L’ANGOISSE qu’il avait écrit à l’époque avec son copain Dario Argento. Cette fois, il mise sur la 3D pour faire la différence…

 

 

 

 

 

VALHALLA RISING:

voilà voilà les vikings! 

Que doit-on attendre d’un film de Viking? De la brume, du sang, de la violence, des têtes qui tombent, des drakkars, des paysages montagneux tour à tour enchanteurs ou inquiétants, une photo exceptionnelle. Dans le genre, soit on opte pour un film épique (mais n’est pas Richard Fleischer qui veut), soit on s’appelle Nicolas Winding Refn et on décide d’oublier l’épique pour se concentrer sur la descente en enfer d’une poignée d’homme. Le danois a pris la deuxième option, réalisant du coup une espèce d’APOCALYPSE NOW que l’on pourrait rebaptiser APOCALYPSE BEFORE! Mais before quoi? Et bien,juste avant que Dieu ne prenne une grosse colère. Tout est là.  

Pendant des années, One-Eye, un guerrier borgne, muet et sauvage, a été le prisonnier d’un redoutable chef de clan. Grâce à l'aide d'un enfant, il parvient à tuer son geôlier et ensemble ils s'échappent, s'embarquant pour un voyage au coeur des ténèbres. Au cours de leur fuite, ils croisent les Hommes de Dieu et montent à bord de leur drakkar. Direction Holy Land. Mais le navire, pendant la traversée, se retrouve perdu dans un brouillard à couper à la hache, qui ne va se dissiper que pour révéler une terre inconnue. Alors que ce nouveau territoire dévoile ses secrets, One Eye et les Vikings affrontent un ennemi invisible et terrifiant.

VAHLALLA RISING, un périple âpre, rude et hyper contemplatif. Beaucoup de boue, du sang un peu, des visions rouges de One Eye, un jeune blondinet, des haches et des épées tranchantes, de la brume, un peu trop sans doute. Ce brouillard va laisser plus d’un spectateur sur le bord du chemin. On a en effet de la peine à savoir ou on va. On avance à tâton en même temps que ces Hommes de Dieu et quand l’épilogue survient, on pousse un gros Ouf de soulagement. Pour éviter le naufrage, on se rabat sur la prestation de Mads Mikkelsen, le borgne. Il est époustouflant. Et dire qu’il doit défendre un rôle muet. Pas facile pour un acteur de faire passer une large palette d’émotion sans jamais ouvrir la bouche, simplement grâce à des regards justes. Là encore, pour un borgne, ce n’est pas chose simple! Cette brute épaisse va conduire tout le monde au Walhalla, là où les guerriers valeureux étaient conduits par les valkyries. 

Étonnamment, le réalisateur n’a pas effectué de recherches approfondies sur les vikings. Il le dit: "Le premier jour du tournage, j’étais déprimé : je ne savais rien des Vikings et ça ne m’intéressait plus du tout. Quelle idée de faire un film sur un borgne qui n’a ni passé, ni futur ! Mais j’ai décidé de faire confiance à mon instinct. Et dans ce sens, c’est devenu pour moi aussi un véritable voyage psychédélique vers l’inconnu." Psychédélique. Le mot est lâché. WALHALLA RISING est certainement le film d’héroïc fantaisy le plus psychédélique jamais tournée. Ici, oubliez la peformance caprtue comme dans la bien violente LEGENDE DE BEOWULF de Robert Zemeckis, surprenant film de la part du réalisateur de l’inoffensif QUI VEUT LA PEAU DE ROGER RABBIT. VAHLALLA RISING n’a pas grand-chose non plus à voir avec la loufoquerie du Monthy Python Terry Jones. ONE EYE n’est pas ERIK LE VIKING. Ici, on n’est pas là pour se bidonner. A la limite, on peut éventuellement lui trouver un lien de parenté avec Kirk Douglas, le viking borgne du film de Richard Fleischer, le seul point commun avec cette référence majeur en matière de viking étant cet œil en moins du héros. 

Si vous aimez les trips sensoriels, l’expérience sera inoubliable. Par contre, si vous étés plutôt avide de sensations fortes et de barbarie, ne faite surtout pas le voyage au pays de Thor et d'Odin. 

TANNOD

La haine est dans le pré

Bettina Oberli ne fait plus dans le dentelle! La cinéaste a définitivement tour née le dos aux grands-mères adeptes de dessous affriolant. Exit donc le ton léger de sa précédente comédie et vive l’atmosphère troublante de TANNOD, traduit du bavarois par LA FERME DU CRIME. Avec un titre pareil, le décors est d’emblée posé. Oui, dans TANNOD, il est question d’un crime. Oui, il est question d’une ferme. De retour dans son village natale qu’elle avait désertée, Kathrin vient enterrer sa défunte maman.

Mais le come back de ce petit chaperon rouge dans ce village isolé bordé d’une foret va aiguiser les appétits de tous les loups du coin. En effet, à peine revenu sur les lieux de son enfance que Kathrin commence à émettre des doutes quant aux délicates attentions des villageois à son égard. Il faut dire qu’on n’arrête pas de lui rappeler que sa mère était quelqu'un de bien. On ne cesse de lui dire à quel point elle va laisser un grand vide. Mais parce que trop de compassion tue le compassion, Kathrin va découvrir le secret de sa mère, et par déduction, le sien. 

Ce village est encore tout tourneboulé par l’affreux crime commis 2 ans plus tôt. L’ordure du coin, un plouc infame avec tout le monde, qui couchait avec sa fille, a été sauvagement assassiné à coup de pioche. Sa fille, mais aussi sa femme, son fils et la boniche ont subi le même sort. Les corps ont juste été dissimulés sous un peu de foin dans la grange de la ferme. Reste à trouver le motif de cet odieux et bestial crime, et surtout l’auteur. Petit à petit, les langues se délient et comme chacun y va de sa version, racontant son emploi du temps lors de cette terrible nuit et des heures qui ont précédées ou suivies le drame, Kathrin va commencer à comprendre qu’il vaudrait mieux pour elle, décamper d’ici et le plus vite possible, laisser ces paysans à leur triste sort et les abandonner à leur rancœur.

 

Procédant par petites touches, à grand renforts de flash back, Bettina Oberli parvient à réaliser un film prenant, une adaptation intelligente d’un texte original. En effet, LA FERME DU CRIME est inspiré du best-seller d’Andrea Maria Schenkel qui avait reçu le Prix du roman policier allemand en 2007. Avec le film, Bettina Oberli a  reçu le Quartz, prix du jury du cinéma suisse cette année. Ce qui a frappé le jury, c’est sans doute qu’au-delà du meurtre, pivot du film, LA FERME DU CRIME dresse surtout un portrait de la société bavaroise rurale d'après guerre. Bettina Oberli explore l’existence humaine et ses abîmes. Dans son film, il est question de culpabilité, de responsabilité, du désir d’une vie meilleure. Bien entendu, on a envie de savoir qui est le coupable, mais ce qui est réellement intéressant, c’est de se demander comment une chose pareille a pu arriver.

LA FERME DU CRIME a donc plus à voir avec un drame psychologique possèdant des éléments horrifiques. La trame policière contient l’histoire, mais le vrai sujet est ailleurs. Il s’agit en réalité de savoir où le Mal commence-t-il ? Seulement au moment où quelqu’un porte un coup ? Ne seraient-ce pas des comportements tels que fermer les yeux, porter des préjugés, marginaliser des gens, qui permettraient au Mal de naître? Ce sont souvent les « bonnes intentions » qui ont des conséquences néfastes.

 

En fait, les villageois sont contents que quelqu’un ait agit pour tuer le monstre. Le meurtre est bien sûr la pire des choses, mais ce laisser-faire, le fait que tout le monde au village sache que tôt ou tard il allait y avoir du grabuge à la ferme, c’est tout aussi affreux.

LA FERME DU CRIME, un film excellent de Bettina Oberli à voir au NIFFF et un peu plus tard dans les salles de Suisse Romande.

ENTER THE VOID:

Soudain le trip! 

Gaspard Noé est un mec à part dans le cinéma français, le genre d’auteur qui vous réserve à chaque film, sinon une surprise, en tout cas une claque magistrale. Souvenez-vous de IRREVERSIBLE, ce viol raconté à l’envers avec une Monica Bellucci et un Vincent Cassel franchement brillant. Rappelez-vous Philippe Nahon, le boucher chevalin à la dérive dans SEUL CONTRE TOUS. Nul doute que si vous décidez de franchir le pas et de vous risquer à visionner ENTER THE VOID, vous vous souviendrez longtemps, très longtemps de ce trip visuel et sensoriel!

 

 

Vous n’oublierez jamais  Nathaniel Brown, le personnage principal, et ce même si l’on ne voit pratiquement pas son visage puisqu’il n'est jamais filmé de face, ce qui est assez inhabituel pour le personnage principal d’un film, un film hors norme, un OVNI. ENTER THE VOID, comme dit Gaspard Noé, c’est son 2001 L’ODYSSEE DE L’ESPACE à lui; Kubrick, une source d’inspiration évidente même si à l’arrivée les 2 films n’ont absolument rien à voir, les obsessions des cinéastes n’étant pas du tout les mêmes.  

 

En fait, ce qui taraude depuis longtemps Gaspard Noé,c’est la vie après la mort. Malgré une éducation athée, vers la fin de l’adolescence, en même temps qu’il a commencer à griller quelques pétards, Gaspard Noé à aussi commencé à se questionner sur la mort et sur l’existence d’un au-delà éventuel. Après avoir dévoré « La vie après la mort » de Raymond Moody, il a commencé à flipper. Cette peur de la mort s’est estompée en grandissant, mais les premières idées de faire un film sur ce qui se passe après la mort du personnage principal viennent de cette époque-là. Plus tard, vers 23 ans, il découvre sous champignons hallucinogènes LA DAME DU LAC de Robert Montgomery, un long métrage tourné entièrement en vision subjective. C’est la révélation. « Filmer à travers les yeux d’un personnage est le plus bel artifice cinématographique qui soit, » pense-t-il, « le jour où je ferai un film sur l’au-delà, ce sera en vision subjective ». 

Il se met à l’écriture, un travail qui va durer plus de 15 ans. Si les premières versions du scénario étaient narratives et linéaires, les dernières deviennent plus abstraites et planantes. On suit donc dans ENTER THE VOID, Oscar et sa sœur Linda. Ils habitent depuis peu à Tokyo. Oscar survit en dealant un peu de drogue alors que Linda est stripteaseuse dans une boite de nuit. Un soir, lors d'une descente de police, Oscar est touché par une balle. Tandis qu'il agonise, son esprit, fidèle à la promesse faite à sa sœur de ne jamais l'abandonner, refuse de quitter le monde des vivants. Son esprit erre alors dans la ville. Ses visions deviennent de plus en plus chaotiques et cauchemardesques. Passé, présent et futur se mélangent dans un maelstrom hallucinatoire.

 

Bien que l‘histoire se résume en quelques phrases, le scénario rassemblait plus d’une centaine de pages mais avec très peu de dialogues. Pour un projet tourné avant tout sur le visuel, il fallait décrire le moindre détail, jusqu’à la couleur des nuages, pour aider les collaborateurs de Gaspard Noé à imaginer mentalement ce film extrêmement abstrait.  C’est ainsi que le cinéaste a écrit tous les détails de mise en scène, tous les mouvements de caméra. C’est d’ailleurs le grand défi de ENTER THE VOID: la mise en image de ce délire visuel. Le film comporte des mouvements de caméras très complexes. Il a fallu créer des systèmes de fixage de grue ingénieux pour que la caméra vole en permanence en traversant les murs. Ce pari technique à priori impossible a interdit le tournage en décors réels. Il a fallu beaucoup reconstruire en studio. Je vous laisse imaginer les trésors d’ingéniosités qu’il a fallu trouver, je vous laisse surtout imaginer les cauchemars de Noé et de son chef machiniste, un japonais particulièrement inventif et efficace. 

AU passage, c’est au Japon que le gros du film fut tourné. Tokyo qui est l’une des villes les plus colorées et avec le plus de lumières clignotantes correspondait parfaitement à ce projet nécessitant des couleurs très vives! Par contre, pas question de tourner dans le véritable « Void »!  Ce Love Hotel, véritable boite à cul qui permet à Gaspard Noé de matérialiser l’envie d’Oscar de baiser sa sœur le temps d’une scène avec un zizi qui éjacule en gros plan sur l’écran, a été créé de toutes pièces en studio. Il y en a beaucoup à Tokyo, mais les étrangers n’y sont pas vraiment les bienvenus, encore moins une équipe de tournage! ENTER THE VOID, un film hallucinant, halluciné, un trip a découvrir d’urgence au cinéma, le genre de film beaucoup trop rare pour être snobé.

 

 

 

 

5150 RUE DES ORMES:

une adresse à retenir 

5150 RUE DES ORMES, un film à l’atmosphère impeccable. Le scénario est bien roulé. On se demande, dès que le jeune homme à pénétré là ou il ne fallait pas, comment il va se sortir de cette situation à priori sans issue. Un film classique dans sa réalisation, sans effets spéciaux démesurés, à l’exception de quelques scènes d’animation d’une pure beauté ou l’on voit l’un des joueurs transpirer son sang car il est proche du mat. Plus le film avance, plus le prisonnier devient aussi monomaniaque que son geôlier. Quant à la fille, elle est d’une jalousie et d’une cruauté redoutable. Seule la mère semble possédé un semblant de cœur et un brin de lucidité. 5150 RUE DES ORMES, une adresse à visiter au NIFFF et pour l’instant nul par ailleurs!

DREAM HOME:

un slasher de rêve  

Il s’agit du 3ème film de cette réalisatrice qui a découvert la mythologie vampirique dont s’inspire son dernier film il y a une dizaine d’année lors d’un voyage en Roumanie avec son mari, originaire du pays. STRIGOI,  à savourer au NIFFF uniquement.

 

 

 

BLACK DEATH:

la Peste Noire 

 

Une histoire d’amour futuriste, voilà ce que raconte TRANSFER étonnant film qui fait un peu tache dans la production allemande actuelle. En effet, on ne peut pas franchement dire que la science fiction y tienne une place de choix, et pourtant, au vue du résultat de ce TRANSFER, on ne peut que le regretter. Pour son second long métrage, le croate Damir Lukacevic, qui a étudié le cinéma à Berlin, fait montre d’un talent sans faille et parvient à peaufiner une histoire inspiré dune nouvelle espagnole écrite par Eli Barcelo. TRANSFER reprend la trame de l’histoire originale. Et dire qu’à la base, il devait s’agir d’un simple épisode d’une série commandé par ZDF sous la bannière  "2020", en fait une série pour laisser court au talent de présenter au téléspectateur une vision du future. Mais devant le potentiel du scénario, la ZDF oriente Damir Lukacevic vers un producteur au reins suffisamment solide afin de lancer une production d’envergure, avec un budget bien supérieur à celui initialement proposé de 100 000 euros. Voilà comment Schiwago film entre en scène et avec elle, d’autre boites de productions se lancent dans l’aventure TRANSFER.  

TRANSFER un film aussi intéressant sur le fond que sur la forme. Sous couvert d’un film d’amour, il pose avant tout un débat sur la table d’ordre éthique, le film apportant quelques pistes de réflexion quant à la vie éternelle, une recherche vaine depuis que l’homme est homme. D’un point de vue formel, l’image est d’une sobriété très allemande, sans doute surtout grâce à la caméra utilisée, la fameuse numérique RED, une très bonne alternative au 35mm, en tout cas dans ce cas là. Les images ont ce coté froid, impersonnel, trop parfait, un style visuel qui colle tellement au sujet raconté. Si jamais TRANSFER est présenté en compétition au NIFFF. Il n’a à l’heure pas de dates de sorties annoncée. 

(Crédits photos: Schiwago Films